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Deja de llorar porque una banda es "muy comercial", ridículo

El gran sueño de prácticamente cualquier persona es poder vivir de lo que ama. En el caso de los músicos, esto no es distinto y por ello, al comenzar una banda buscan la forma de llegar a más personas y lograr que su proyecto sea reconocido, viable y sobre todo, económicamente redituable. El dinero mueve al mundo, baby. Con dinero puedes permitirte dejar cualquier otra distracción y concentrarte exclusivamente a crear, desarrollar y potenciar tu arte sin estar preocupado si tendrás un plato de comida caliente sobre tu mesa el día de mañana.

Lamentablemente, los "metaleros" son una de las criaturas más lloronas que existen. Llora por todo y todo les arde, nada les parece y de todo se quejan. Pero entre todas las cosas por las que hacen berrinche una muy especial es que su banda favorita - o la que intenta denostar - "se volvió muy comercial". O sea, para ellos, el hecho de que una banda tenga un éxito dentro del mercado, es alguna especie de pecado que le priva de cualquier clase de respeto e incluso le quita la mayor parte -o todo, depende del individuo en cuestión, del talento y potencial que podría llegar a tener.

No hay que olvidar que la música, incluyendo al rock y al metal, forma parte de algo llamado "industria del entretenimiento" que mueven miles de millones de dólares anualmente y es el sustento y forma de vida de millones de personas en todo el planeta incluyendo por supuesto a esos músicos que tanto admiras, no importa sí son extremadamente famosos o son artistas de nicho conocidos solo por un puñado de personas.

Hay que preguntarnos, ¿de qué y de quien vive y como subsiste esa "industria del entretenimiento"? La respuesta es lógica. La industria vive de aquellas bandas y artistas que le generan dinero, así de simple. Metallica, Iron Maiden, Rammstein, Black Sabbath, AC/DC, U2 y una no tan larga lista son las que generan los billetes suficientes para que todo se mueva y permanezca más o menos estable. Es por estas bandas gigantescas, que las disqueras, los medios, las marcas, los servicios de streaming, los promotores y mucho más, pueden tener los recursos para mantenerse activos y poder apoyar a los engranes más pequeños de la maquinaria. Sin ellos, no habría como mover las cosas, dales las gracias.

Incluso en cuestión de tendencias y fases iniciales para que a alguna persona le guste cierto género musical tienen un papel fundamental. Te aseguro que tú, quien esté leyendo esto, comenzó a escuchar rock con Pantera, Korn, Linkin Park o Limp Bizkit. ¿O me vas a venir a decir que desde que eras un niñito escuchabas a Darkthrone, Burzum, Nargaroth o Death? ¡Vamos! Deja de lado tu ridícula pose y acepta las cosas como son.

Metallica

¿Por qué te arde? ¡Es simple mercado! Metallica es muy comercial y sin duda es mucho más importante que Megadeth, Anthrax, Slayer o Havok. Iron Maiden es muy comercial y es mucho más relevante que Saxon, Hammerfall, Anvil o los mismísimos Judas Priest. Rammstein es muy comercial y ha dejado más huella a nivel mundial que Kreator, Sodom, Helloween o Oomph. Black Sabbath es -o era- muy comercial y no hay quien dude su superioridad sobre Motörhead, Overkill o Death Angel. Y con decir que son bandas relevantes e importantes, nos referimos al contexto general de la cultura mundial, no a tus gustos personales y los de tus cinco amigos que buscan desesperadamente un poco de aceptación o sentirse especiales por "escuchar música que pocos han oído". Eso no te hace especial, te hace patético y lo que tú necesitas no es escuchar música, sino terapia.

Arriba ya te nombramos bandas que seguramente están dentro de tu repertorio diario y que son extremadamente comerciales. ¿Qué te parece hablar de los cientos de millones de dólares que generan Tool, Iron Maiden, Ozzy Osbourne o AC/DC? ¡O aún mejor! Hablemos de los miles y miles de dólares que bandas como Emperor, Immortal, Venom, King Diamond o Behemoth cobran por cada presentación? Porque a la hora de cobrar, se les quita lo trve, por supuesto.

SAN ANTONIO, TX - JULY 31: Singer-songwriter King Diamond performs onstage during the 2015 Rockstar Energy Drink Mayhem Festival at Alamo City Music Hall on July 31, 2015 in San Antonio, Texas. (Photo by Rick Kern/WireImage)

Una banda comercial no es mala solo por serlo. La calidad no va peleada con el número de discos que vendas, el número de boletos que compren para verte o la cantidad de dinero que inviertas para promover tu banda. La "calidad" es un ente infinitamente subjetivo que va atado a un sin fin de cosas que difícilmente alguien podría definir de manera coherente. El hecho de que una banda sea "mejor que otra", tampoco es algo que podamos afirmar porque depende de muchas aristas, incluyendo el gusto propio de cada persona que la escucha. Para un amante del death, siempre será mejor banda Cannibal Corpse que Def Leppard.

Cada banda que existe, es un producto, quieras aceptarlo o no. Aún la banda más "underground" que nos puedas nombrar vende entradas a sus shows, vende mercancía, cobra regalías por su música y un largo etcétera. O bueno, al menos lo intentan. El hecho de que lo logren o no, dependerá exclusivamente si su producto es del interés del público o no. ¿O me van a venir a decir que existe alguna banda en el mundo que no quiere que su creación sea visto, escuchada -y comprado, claro- por el público masivo? Ay, por dios, no seas tan crédulo, McFly.

Así que la próximo vez que piensas en usar la frase "esa banda se volvió muy comercial" para intentar denostar el trabajo de cualquier banda, recuerda que esa banda que tanto amas también está tratando de serlo pero simplemente no lo ha logrado. Mejor ayúdales a lograr su sueño y compra una playerita de su marca.


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Corona Capital 2019: denuncian cientos de robos, sobrecupo, fallas y falta de organización

Pasados los dos días del festival Corona Capital 2019 , cientos de personas se ha quejado a través de las redes sociales acusando a la organización del otrora impecable Ocesa de graves fallas en la planeación y ejecución del festival.

El problema más recurrente dentro del festival encabezado por bandas como The Strokes, Keane o Billie Ellish es sin duda el robo de carteras y celulares dentro del venue, algo que ya se ha hecho una insana costumbre dentro de los festivales al menos en la ciudad de México y sobre todo en el Foro Sol donde eventos como el mencionado Capital, Vive Latino, EDC o Domination han hecho las delicias de la delincuencia. Sólo hace falta entrar a cualquier red social para encontrar una gran cantidad de denuncias debido a esto.

De hecho, se ha detectado que desde hace ya varios años, dentro del lugar opera una celula delictiva que Ocesa no ha podido o querido controlar. Ya es normal escuchar a los asistentes a estos festivales quejarse de haber sido víctimas de este tipo de delito o leer los encabezados de personas detenidas con decenas de teléfonos en su poder en las inmediaciones de este lugar.

Lamentablemente, estos problemas no fueron los únicos que se suscitaron dentro de Corona Capital 2019. Además, de los robos, los asistentes tuvieron que soportar fallas en el sistema cashless y filas interminables para poder recargar sus pulseras, tal vez a causa del evidente sobrecupo que pudimos encontrar en la sede y que fue notado por más de una persona.

Las salidas del festival fueron caóticas y lentas, superando por mucho las ediciones pasadas del Capital, además de ser imposible pedir un Uber o tener que aguantar horas para poder salir del estacionamiento debido a la falta de organización.

Esperemos que futuras ediciones del festival puedan corregir estas fallas y que Ocesa utilice su experiencia en realizar eventos masivos para hacer de estos una experiencia agradable y no el día oficial del robo del teléfono en la Ciudad de México.


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Parque Oceanía y el plan de Live Talent para enfrentar el monopolio de Ocesa

Hubo bastante gente sorprendida cuando hace algunos meses, Live Talent anunciaba con bombo y platillo que inauguraría un nuevo venue dentro de la Ciudad de México para poder realizar su nuevo proyecto: Knotfest meets Force Fest. Ante la evidente ruptura de la compañía originaria de Guadalajara con la gigantesca OCESA dejándola imposibilitada de utilizar el famoso Autódromo Hermanos Rodriguez y el error cometido el año pasado de elegir Teotihuacán como sede de Force Fest - en una historia que ya todos conocemos - era obvio que si Live Talent quería continuar con sus eventos masivos, debía buscar una nueva opción. Y al parecer la encontró.

Situada en el centro/oriente de la Ciudad de México, el Deportivo Oceanía - ahora llamado Parque Oceanía, fue fundado en 1964 y hasta ahora había estado semi-abandonado por gobiernos anteriores, teniendo un nivel de deterioro que si bien no es severo, si fue bastante importante. Es precisamente esto lo que Live Talent busca cambiar a través de una serie de mejoras al lugar, las cuales incluirán en una primera fase el reemplazo total de la valla perimetral del lugar, la cual cuenta con casi 3 kilómetros de extensión para cubrir los más de 250,000 metros cuadrados que el Parque tiene como superficie - en comparación, la curva 4 del Autodromo cuenta con 130,000 metros cuadrados - y dentro de la cual se planea albergar tanto el mencionado Knotfest meets Force Fest como a su hermano mayor, Hell and Heaven que se llevará a cabo en marzo.

Otra de las grandes ventajas que el Parque Oceanía tiene en contra de otras sedes son las opciones de movilidad. El parque está situado sobre la avenida Oceanía y a solo unos metros del Circuito Interior; a unos pasos los asistentes al lugar pueden encontrar dos estaciones de metro, 'Deportivo Oceanía' de la Linea B y 'Oceanía' de la Linea 5. También es una gran ventaja la cercanía con el centro histórico de la ciudad y por supuesto, el Aeropuerto Internacional Benito Juarez a tan solo 5 minutos, por lo que si viajas de alguna otra parte, sin duda esto te será de gran importancia.

Si la queja es que el Oceanía no estaba destinado originalmente para la realización de conciertos, ciertamente la curva 4 del autódromo, tampoco. Como su nombre lo indica, es un autodromo, no un foro. Sin embargo, con buenas adecuaciones, una logística adecuada para llevar a cabo los conciertos y darle el tiempo suficiente a la gente para que se acostumbre y conozca esta nueva sede, pinta para ser un espacio de encuentro para los amantes de la música en la Ciudad de México.

El hecho de contar con una nueva opción para realizar eventos de este tipo y que no estén bajo el control de una sola empresa como sucedía hace unos años es un beneficio no solo para Live Talent, sino para otras promotoras que intenten hacer algo nuevo, lo cual antes era prácticamente imposible, pues Ocesa ejercía con puño de hierro su peso como el gran y poderoso monopolio frente al gobierno en turno, quien le otorgaba concesiones, contratos y favores al por mayor. Ahora, con su evidente perdida de control - debemos recordar que gran parte de la propiedad de Ocesa era de Grupo Televisa, empresa conocida por sus conexiones no muy legales con las altas esferas del poder, las oportunidades para nuevos emprendedores dentro de la Ciudad de México se empiezan a abrir con más frecuencia. Recordemos el caso de Zignia Live y su hermosa Arena en Azcapotzalco, por ejemplo.

Por supuesto, Live Talent tiene mucho trabajo por delante para que el Parque Oceanía cuente no solo con las instalaciones más adecuadas para sus eventos, sino la confianza del público, la cual deberá ganarse de forma paulatina. Todo será cuestión de un buen plan de inversión, estrategia y la correcta planeación en cada una de las etapas de mejoramiento y mantenimiento. El lugar ciertamente tiene potencial, pues cuenta con un tamaño más que suficiente para albergar los festivales planeados y tiene la ubicación perfecta para hacerlo viable.


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Leprous - Pitfalls

Si hay algo por lo que los noruegos de Leprous se caracterizan es por el hecho de que no encasillan el sonido de su música en ningún género, pese a que usualmente se les categoriza dentro del llamado “rock/metal progresivo”. Prueba fehaciente de esto es su sexto álbum, “Pitfalls”, el cual fue lanzado este 25 de octubre.

Leprous Band photography

Desde su material anterior, “Malina” (2017), se notó que Leprous iban encaminados a tomar un nuevo rumbo musical, una evolución natural para una banda que no quiere copiarse a sí misma ni a nadie. Antes de la salida de “Pitfalls” la agrupación nos dijo que “esperáramos lo inesperado.” Cosa que lograron, sin duda alguna. Y a eso es lo que personalmente llamo ser “progresivo”.

Además, algo que también diferencia a “Pitfalls” de lo previo de Leprous es que éste es más personal y directo, sin filtros y sin metáforas, ya que trata abiertamente de la lucha con la depresión y ansiedad de Einar Solberg (voces/teclados).

El disco comienza con el que fue el primer single, “Below”, con un sonido melancólico de teclado y la suave voz de Solberg; pasado el primer minuto hay una explosión de guitarras, bajo y batería, así como la inclusión del violonchelo del canadiense Raphael Weinroth-Browne (quien también fue pieza clave en el álbum “Malina”). Este tema fácilmente podría formar parte de la banda sonora de James Bond.

“I Lose Hope” inicia con un beat de bajo y batería que suena muy setentero… y al añadir esas guitarras, batería, cuerdas y sintetizadores, le da cierto toque pop/dance… imagínense bailando, pero en una triste pista de baile. Sin duda de los temas más extraños de estos noruegos, con un ritmo bastante pegadizo.

En “Observe The Train” podemos escuchar una de las mejores interpretaciones vocales de Einar Solberg. Pese a que el tema va lento, es notable la presencia de la batería del prodigioso Baard Kolstad, ya que supo añadir el elemento que te hace pensar en el momento en el que va pasando el tren de tus pensamientos… pero déjalo pasar… no te subas… “keep on breathing, observe the train, see it leaving… breathe in, breathe out, release, let it all out” (sigue respirando, observa el tren, ve que se vaya… inhala, exhala, libera, deja salir todo). Te quedará una sensación de tranquilidad cuando termine el tema.

Y vamos de regreso a la pista de baile con “By My Throne”; aquí sin duda son notables las guitarras de Tor Oddmund Suhrke y Robin Ognedal, así como el potente bajo de Simen Børven al inicio del tema. La orquestación y batería dan el complemento perfecto a esta hipnotizante canción.

A continuación, nos presentan otro track familiar, “Alleviate”, el cual fue su segundo sencillo. Su estreno fue algo controversial y dividió las opiniones de los seguidores de la banda, ya que una mitad opinó que sonaban muy pop y que con eso ponían el último clavo a la tumba de lo que fue el sonido metal de Leprous, y la otra mitad de los fans recibió con los brazos abiertos el cambio de sonido de la banda. La voz de Solberg en su punto, alcanzando notas impresionantes. Líricamente, es uno de los temas más positivos.

“At The Bottom” tiene obviamente una influencia ochentera con el intro en sintetizador y la batería electrónica. Sin duda, en los 7:21 minutos que dura esta canción, Leprous muestra claramente lo que representa el cambio en su sonido; las capas que van añadiendo, la interpretación vocal, el énfasis que dan a cada instrumento – porque aquí todos brillan de manera exuberante, pero sin llegar a exagerar… la manera en la que se va construyendo hasta alcanzar el clímax. Asimismo, hay que destacar al violinista invitado Chris Baum (de la banda estadounidense Bent Knee, con la que Leprous estuvo de gira por Estados Unidos y Canadá).

“Distant Bells” es otro de los tracks más extensos (7:22) y fue el último single que nos presentaron antes de lanzar el disco, el cual es totalmente diferente a los otros dos sencillos lanzados por el quinteto noruego. Hay que remarcar que el bajista Simen Børven es el responsable de muchas de las melodías de este tema. El piano, las cuerdas y la voz de Einar son lo predominante mayormente, hasta que el clímax se alcanza poco antes de llegar a los 6 minutos, y vaya que suena desgarradora la voz de Solberg.

“Foreigner” es uno de los temas que más podrían recordarnos al viejo Leprous con esas guitarras más pesadas, los beats en la batería y el bajo… e inclusive con ciertas líneas líricas, como al inicio donde dice “my Congregation is in flames”, o “trapped within my own fence” (ambas referencias al álbum “The Congregation”), al igual que la voz de Einar y ese grito al final. ¿Será que están despidiéndose de ese sonido “prog metal” o nos están dando a entender que no se ha ido del todo?

Y para cerrar con broche de oro: “The Sky Is Red”. ¡Vaya tema! Me ha volado la cabeza desde la primera escucha… con ese intro en guitarra y el coro clásico, sí, leyeron bien, un coro. Quién lo hubiera imaginado. La canción mas prog, por decirlo así. En los 11:21 minutos que dura este track, los noruegos demuestran su capacidad para componer temas complejos, pero sin exagerar. Y justo cuando pensaba que la canción estaba por terminar, veo el contador de tiempo, y casi llegando a los 7 minutos comienza un extraño riff (?) en guitarra, seguido por la batería, el precioso coro… y un orgasmo auditivo, si me permiten la expresión.  La monstruosidad que es Leprous puede ser resumida en este track… y no es fácil de explicar sin llegar a sonar redundante. Tienen que escucharlo por ustedes mismos.

Reseña por: Viry Abernethy [penci_review]


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¡El metal tiene futuro! Diez bandas que debes seguir desde ya

Renovarse o morir. Bajo esa premisa, todo lo que quiera subsistir deberá ir evolucionando para evitar que la ley de la selección natural actúe y lo entierre en el olvido. Por supuesto, la música -y en este caso particular, el metal, también es objeto de ese cambio tan necesario en el circulo de la vida.

Te presentamos diez bandas que representan el futuro para el metal y que debes seguir desde ya.

AVATAR


Suecia es conocida cuna de algunas de las más grandes glorias del metal en su historia. Fundada en el año 2001 en Gotemburgo es una de esas bandas que ha adquirido gran relevancia en los últimos años, sobre todo por la gran calidad que infunde en sus trabajos, destacando su más reciente material, 'Avatar Country' de 2018. Seguramente los veremos escalando posiciones dentro de la escena mundial.

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JINJER


Comandados por la poderosa voz de Tatiana Shmaylyuk, estos ucranianos han logrado situarse entre los favoritos del público que gusta del metal más contemporaneo pues tienen apenas una década de existencia. Con un sonido que va entre el groove y el progresivo más agresivo, sin duda es una banda a seguir en los próximos años pues no nos sorprendería verlos empezando a encabezar sus propias giras e incluso festivales.

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TRIBULATION


Nuevamente Suecia se da cita en esta lista, en esta ocasión con una banda que si bien no tiene demasiados reflectores sobre ellos, si que se han ganado a la crítica especializada y un montón de premios, incluso el Grammy como mejor álbum de metal en la pasada edición 2019 por 'Down Below'.

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UADA


El black metal melódico se hace presente en la lista directamente desde Portland, Oregon con UADA, quienes con apenas poco más de cinco años de carrera y dos discos en su haber, ya dan muestras de gran potencial y su nombre aparece cada vez más frecuentemente en los carteles de los grandes festivales del mundo. Si quieres saber de que hablamos, escucha su más reciente producción, 'Cult of a Dying Sun'

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LIGHT THE TORCH


Anteriormente conocidos como Devil You Know, Light the Torch es el proyecto que tomó el vocalista Howard Jones tras su salida de Killswitch Engage, siguiendo su vena dentro del metalcore. Hasta la fecha cuentan con tres discos, los dos primeros bajo el nombre anterior (que se debió cambiar tras la salida del baterista John Sankey en 2016) y únicamente uno pero muy recomendable ya como Light the Torch y que fue lanzado en 2018.

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ALIEN WEAPONRY


Oceanía nos ha dado grandes exponentes del heavy metal a lo largo de la historia, tal es el caso de AC/DC, Airbourne o más reciente a Parkway Drive; y no nos decepcionó con Alien Weaponry. Dueños de una fiereza bárbara, la banda fue fundada en Auckland, Nueva Zelanda en el 2010 por tres chamacos de origen Māori que querían honrar sus raíces a través de la música y es por eso que sus canciones están escritas en el idioma de sus ancestros; todo esto plasmado en su hasta ahora única producción discográfica, 'Tü' de 2018.

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DEAFHEAVEN


Los californianos Deaheaven han enamorado a los amantes del blackgaze y el shoegaze con apenas una década de existencia. A lo largo de cuatro producciones llenos de sonidos densos, donde las emociones se ven amplificadas hasta el infinito, la banda ha logrado una nutrida base de fans que además se incrementó tras su nominación al Grammy en la categoría de "Mejor Interpretación de Metal" en 2019 por 'Honeycomb'.

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CONJURER


Si lo tuyo son los sonidos densos del doom, los encontrarás en los británicos Conjurer. Aunque todavía no son muy reconocidos de este lado del Atlántico, la banda ya ha logrado el reconocimiento de una buena parte del público europeo e incluso ya grabó su primer disco en vivo lo cual te puede dar una idea de que su calidad y talento les da para mucho. Conjurer se fundó en 2014 y tiene hasta el momento un solo álbum de estudio, 'Mire' de 2018.

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MYRKUR


Desde la oscuridad de Escandinavia surgió Myrkur, un proyecto de dark folk / black metal ideado por la multiinstrumentista y actriz danesa Amalie Bruun, quien en su idea de cambiar la idea preconcebida que todos tenemos de este género ha intentado agregar una serie de matices bastante interesantes, sobre todo en su segundo álbum, 'Mareridt'. Si bien es cierto que Myrkur ha recibido tantos halagos como gritos de odio -sobre todo de gente que no cree que lo que ella hace sea metal - se ha ganado a pulso su lugar en grandes festivales como Roskilde o Hellfest (aunque tuvo que cancelar de última hora).

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CODE ORANGE


Aunque Code Orange no sea banda ya no sea taaaaan joven -se fundaron en 2008- su nombre ha empezado a brillar con fuerza en los últimos años, sobre todo por el apoyo que han recibido por parte de otras grandes de la escena como System of a Down y por supuesto, su nominación al Grammy por 'Forever' el año pasado. El sonido hardcore punk que proyectan se ha desarrollado y vuelto más rasposo a lo largo de sus tres producciones discográficos y también debemos destacar la enorme presencia escénica de Reba Meyers.

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¿Qué pasó afuera del show de Guns N´Roses en Guadalajara?

Muchos chismes, dimes y diretes se han expuesto en los últimos días sobre lo que pasó afuera del show de Guns N´Roses en el Estadio Jalisco de Guadalajara el pasado viernes 18 de octubre. Desde gente que se quedó afuera con boleto pagado, hasta fotocopias de boletos -que jamás existieron-, largas filas y un aún más largo etcétera. Esa es una realidad a medias.

Es cierto que hubo varios fallos en la logística, errores compartidos entre Live Talent, Royal House Society - la otra promotora del evento - e incluso la boletera del evento, StubHub. Por ejemplo, el hecho de tener una sola entrada para todas las personas del área general fue un error de cálculo por parte de alguien de las promotoras, lo cual ocasionó que las filas fueran lentas y la entrada un tanto fastidiosa. Falta de señalización no existió, pues no solo se subieron las puertas de entrada de cada tipo de boleto a las redes sociales, sino que afuera de cada puerta había un gigantesco tótem y mantas que también lo indicaban. La gente no lee.

Por otro lado, la hora de entrada marcada en el boleto, eran las 5:30 de la tarde; si embargo hubo gente que intentó ingresar incluso aún comenzado el show, gente que se metía en las filas y queriéndose meter más rápido, lo cual generó un cuello de botella en las entradas del estadio y alentando aún más la entrada. ¡Ah, que falta de civilidad!

Un grupo de personas que no tenían boleto llegaron alrededor de las 8 de la noche, intentando entrar por la fuerza en una de las puertas laterales del estadio lo cual provocó que la policía y protección civil ordenaran cerrar las puertas del Estadio Jalisco para resguardar a las personas que ya se encontraban dentro del recinto. Esto ocasionó que personas que sí contaban con boleto pagado, se quedaran afuera del show se quedaran momentáneamente afuera; sin embargo, las puertas fueron reabiertas después de que los disturbios fueran calmados y pudieron acceder nuevamente. Hemos leído algunos casos de personas que por la confusión y la desinformación de la misma policía local, se quedaron afuera. Lamentablemente no se conoce el dato de cuantos son reales y cuantos no.

Al final, la entrada reportada para el show fue de 43 mil personas que pudieron disfrutar de un tremendo show por parte de Guns N Roses. Puedes leer nuestro review, aquí.


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Samael y su regreso triunfal a la ciudad de México

El pasado 17 de octubre, tras 5 años de ausencia la banda suiza SAMAEL, regresaron a tierra Azteca para conmemorar los 25 años de su disco “Ceremony of Opposites”; la cita fue en EL SALA PUEBLA de la Ciudad de México, donde hordas de fans se conglomeraron afuera del recinto desde muy temprano evidenciando el sold out del evento.

Alrededor de las 9 PM las puertas del infierno se abrirían iluminando de rojo todo el recinto, de esta forma Vorph y compañía harían su entrada triunfal al escenario dando inicio al show que constataría de dos partes. La primera parte inicio con la celebración del 25 aniversario de su disco” Ceremony of Opposites” donde interpretaron uno a uno todos los temas de este álbum. Canciones como 'Celebration of the Fourth', 'Son Earth' y 'Flagellation' encendieron al público, pero fue en 'Baphomet's Throne' cuando el público enloquecería y uno que otro se subiría eufórico al escenario demostrando sus intenciones de ser el elegido al trono.

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Por su parte Drop, quien es el guitarrista de la banda, no dejaba de regalar plumillas a los fans más eufóricos que estaban cerca de él. La segunda parte del show contó con nueve de sus éxitos, dándonos un recorrido por los álbumes 'Hegemony', 'Passage', 'Lux Mundi', 'Eternal' , 'Reign of Light' y 'Solar Soul'.

El cierre de esta mitad se llevó acabo de manera brutal con el tema “Black Supremacy”, las luces del venue empezaban a iluminar la pista anunciándonos el final del evento, pero de repente todo se oscurecería y la banda regreso al escenario brindándonos un outro compuesto de dos canciones, 'Year Zero' y 'My Savior'.

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Sin duda, el concierto de Samael en la ciudad de México fue todo un éxito y contó con uno de los mejores setlist que podríamos imaginar. Una excelente producción y logística por parte de Orion Productions, quienes lograron satisfacer a sus fans como cada concierto.

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«Hablamos sobre ideas y conceptos de oscuridad y luz de la versión romántica del arte»: Society of the Silver Cross

Cuando la música nace de una densa introspección se nota a primera escucha, tal es el caso de el trabajo de Joe Reineke y Karyn Gold-Reineke, un matrimonio con años de trayectoria en diversos proyectos, un sello discográfico a su cargo, y ahora un nuevo proyecto más personal bajo el nombre de Society of the Silver Cross. Esta pareja originaria de seattle nos presentó a mediados de este año 1 Verse, disco inspirado en su travesía por la India y por la búsqueda de encontrarse con ellos mismos.

Tuvimos la oportunidad de hablar con el talentosísimo Joe Reineke, quien nos contó sobre este nuevo proyecto y su relación más íntima y personal con el álbum 1 Verse; sin más preámbulos, les dejamos la entrevista con esta extraordinaria persona.


¿Qué crees que caracteriza a Society of the Silver Cross?  ¿Cómo definirías tu proyecto?

Para definir el proyecto tendríamos que hablar sobre las ideas y conceptos de oscuridad y luz de la versión romántica del arte puro, sin seguir un libro de reglas de sonidos o composición.  Las formas en que tejemos el tapiz de las melodías convirtiéndolas en lo que el oyente quiere escuchar; realmente queremos que el oyente experimente en lugar de etiquetarlo como un tipo u otro.

Creo que lo que nos caracteriza es solo ese zumbido distintivo del armonio que naturalmente suena dulce y triste al mismo tiempo, y nuestra sensación de espacio que creamos para permitir que suceda la "ola".

¿Cómo se refleja su relación romántica al momento de escribir música?

Tanto Karyn como yo tenemos un profundo respeto mutuo, y ambos sabemos cuando algo se siente bien y es genial para nosotros. Nos gusta estar en la naturaleza para escribir y apagar todas las luces, excepto algunas velas, y dejar que pase lo que pase a través de nosotros, como una sesión musical. Somos amantes pero cuando tocamos y cantamos juntos nos leemos el uno al otro o sintonizamos la misma frecuencia de radio.

¿Cuál fue la experiencia más espiritual que vivieron en la India?

Hemos estado en India varias veces, pero diría que en Rishikesh (una ciudad en las faldas del Himalaya, al lado del río Ganges). Fuimos a un templo en las montañas del Himalaya al que tardé horas en llegar, estaba lleno de humo oscuro e incienso; fue una experiencia energéticamente intensa. La mayoría de las otras cosas fueron muy alegres; del tipo de cosas como “realmente no sabes si estás en un sueño”, monos y vacas caminando por todas partes.  Realmente tuvimos muchísimas nuevas experiencias en una parte espiritual del mundo, más que una especie de "zarza ardiente".

Society of the Silver Cross, es una banda de folk de un matrimonio originarios de Seattle ¡Conoce un poco más de su proyecto en la entrevista!

 ¿Qué álbumes o canciones te influenciaron más al crear 1 Verse?

De hecho, escuchamos (y todavía lo hacemos) mucha música devocional tradicional de la India. Teníamos títulos de trabajo para algunas de nuestras canciones como "neato India jam 1 and 2" que también nos inspiraron.  A veces ni siquiera sé cómo llegaron las canciones a nuestros dedos y oídos.

¿Con qué canción del álbum te sientes más identificado a nivel personal?

Debe ser "When You’re Gone", es tan simple, de hecho, es el mismo riff que aparece en diferentes formas y se trata de la naturaleza transitoria de la vida, que es una metáfora de quiénes somos todos como personas.

 ¿Tienen planes de visitar México?

Sí, estamos planeando un viaje allá en invierno y estamos muy emocionados de compartir nuestra música, ¡es realmente especial y algo muy cool!

¿Cuáles son los planes futuros para SOTSC?  ¿Ya están trabajando en un álbum nuevo?

Sí, ya tenemos alrededor de más de 20 canciones nuevas en proceso y algunas que están por terminar; son tan hermosas en tantos niveles. ¡Tocaremos algunas cuando estemos ahí!

Ya pueden escuchar 1 verse en Spotify, y les recomendamos seguirlos en sus redes sociales para estar al tanto de nuevos lanzamientos

https://open.spotify.com/album/3apbq0T52D5uQ5vGcFqQmp?si=dkJyPTvqQPSnfcOwq0KLpg

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Korn - The Nothing

El pasado viernes 13 de septiembre Korn lanzó su disco número 13, el cual lleva por título “The Nothing” y el cual cuenta con 13 canciones. Algunos lo verán como una cuestión de superstición, sin embargo, eso fue algo que no nos extrañó a quienes hemos seguido a la banda californiana durante mucho tiempo: esa fascinación que Jonathan Davis (líder y vocalista), tiene por lo oscuro y lo oculto.

Este trabajo es uno de los más crudos y emocionales que han entregado estos pioneros del llamado “nu-metal”, ya que Davis escribió las letras como manera de tratarse a sí mismo ante el fallecimiento de su esposa (acontecido en agosto de 2018), y el cual es una forma en la que procesó su duelo: tristeza, enojo, frustración, resignación, etc.

Sin más, aquí describimos tema por tema este álbum.

El intro titulado “The End Begings” recuerda al Korn de la vieja escuela: ni bien comenzó y ya nos transportó a 1999 justo al intro de “Dead” (“Issues”) con esa gaita, el beat de la batería y el bajo, y Jonathan repitiendo lentamente una frase que eventualmente se vuelve un grito y un llanto desesperado. Sin duda hace que la piel se enchine desde el inicio.

Enseguida arranca “Cold” con toda la potencia característica – por cierto, éste fue el segundo single que la banda lanzó antes de la salida del disco. Menearás la cabeza sí porque sí: los growls y el scat únicos de los vocales de Jon, la pesadez de esas guitarras de siete cuerdas de Head y Munky, el sonido “crujiente” del bajo de Fieldy en sincronía con la batería de Ray Luzier… únicos e inimitables.

“You’ll Never Find Me” – el cual fue el primer sencillo – da la impresión de que estamos de vuelta a finales de los noventas… el ritmo contagioso tiene un aire al estilo de “Follow The Leader”, y la furia al final del tema vaya que recuerda a “Life Is Peachy”, pero todo con una producción impecable.

Al dirigirnos al tema “The Darkness Is Revealing” las guitarras del inicio dan la impresión de que estuviéramos escuchando una continuación de “Rotting In Vain” (incluido en el disco “The Serenity Of Suffering”, 2016), y después alrededor del primer minuto nos transportan a “Falling Away From Me” (de “Issues”, 1999). La voz de Jonathan con esos matices entre la dulzura melodiosa y la furia… Y justo cuando se alcanza el éxtasis… termina. Típico de Korn.

Pero no nos quedamos con ganas de nada, ya que hace su aparición uno de los temas más pesados no solo en este álbum, sino en toda su discografía, “Idiosyncrasy”. La armonía entre esas guitarras/batería es hipnotizante… la voz de Davis, los gritos al puro estilo death metal… Al momento de alcanzar la marca de los 3 minutos cuando viene esa pequeña parte en bajo sabemos que viene lo bueno: la parte coreada que posteriormente culmina en un lamento – en la parte donde grita “God is making fun of me, he’s laughing up there, I can see” (“Dios se está burlando de mí, se ríe allá arriba, puedo verlo”)… ¡uff!

“The Seduction Of Indulgence”, cuya duración es menos de dos minutos, podría verse como una especie de interludio donde solamente se oye un retumbe de tambores, batería, panderos, aplausos… las voces y guitarras comienzan con una hipnotizante melodía en crescendo… algo que posiblemente se escucharía en una película de suspenso.

Con unos extraños tonos de guitarra es como inicia “Finally Free”, séptimo track de esta entrega. Líneas vocales que rayan en lo melancólico y coros enormes, característicos del quinteto. Aunque el nombre de la canción pudiera comunicar un sentido de libertad encontrada, realmente se trata de lo opuesto: ese sentimiento de culpa de fallarle a un ser querido.

“Can You Hear Me” contiene elementos electrónicos a lo largo del tema, que hacen juego con las guitarras… tal vez algo no típico de Korn, pero que no están fuera de lugar. Esta canción es la que sin duda nos hace ver que “The Nothing” es EL ÁLBUM de Jonathan Davis.

“The Ringmaster” nos transporta a la época de “Untouchables” (2002) con ese golpeteo de guitarras/bajo/batería, y vocalmente Jonathan maneja una variedad de rangos, pasando por ese único scat en la parte final.

Con “Gravity Of Discomfort” seguimos con la sensación de sentirse atrapados en la era de “Untouchables”. Mucho groove y la pesadez que tantas bandas han querido imitar sin poder replicar.

Si la manera de escribir “[email protected]” te recuerda a “Life Is Peachy” vaya que eres un fan de hueso colorado de Korn. No obstante, este es uno de los temas más rápidos y técnicos – por decirlo así – instrumentalmente hablando, e inclusive el baterista Ray Luzier logró incluir un pequeño blast beat al final. Ya nos estamos imaginando lo maravilloso que sonaría en vivo. De lo mejor del disco.

Vamos con la recta final del álbum. “This Loss” es demasiado emocional en todos los sentidos. La potencia con la que arranca y una triste melodía tanto al comienzo como a lo largo del tema, juega con tus sentimientos y te deja con una sensación de que falta algo… que perdiste.

“Surrender To Failure” es la forma en la que Korn cierra este disco. Posiblemente el tema más lento del disco, pero no en el mal sentido de la palabra; no hay guitarras ni bajo retumbando, solamente un suave beat de batería y un ambiente sombrío a lo largo del breve tema… y un suspiro final donde hay resignación ante algo que no se puede cambiar. Se falló y no hay vuelta atrás.

A pesar de tener más de 20 años de trayectoria, Korn ha demostrado que pueden ser una banda que sigue transmitiendo todo tipo de emociones a través de su música, conservando su sonido único, pero al mismo tiempo añadiendo texturas y experimentando. Han demostrado que a veces entre lo más oscuro uno puede crear algo hermoso. Un disco que llenará de nostalgia a los antiguos fans de la banda, y al mismo tiempo podría cautivar a una nueva audiencia.

Reseña por: Viry Abernethy [penci_review]


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Ocho bandas que no te debes perder en Knotfest Meets Force Fest

De entre toda la selección de bandas que formarán la primera edición del festival conjunto Knotfest meets Force Fest, hay un puñado de bandas que tienes que ver de manera obligatoria si es que no quieres arrepentirte después.

Ya sea por su trayectoria, calidad, su importancia dentro de la escena contemporánea o porque te harán recordar tu adolescencia, estas son ocho bandas que sí o sí deberás ver dentro del evento.

GODSMACK


Una de las bandas más esperadas en los últimos años en nuestro país y que a pesar de contar con una legión de fans bastante importante, jamás habían tenido la oportunidad de llegar a tierras mexicanas.

Sully Erna y compañía llegarán a México para presentar su más reciente trabajo, 'When Legends Rise' lanzado apenas el año pasado.

https://www.youtube.com/watch?v=OYjZK_6i37M

BELPHEGOR


Directamente desde Austria, Belphegor volverá a México con casi tres décadas de carrera bajo el brazo y con el título de unos de los favoritos del público nacional dentro del espectro del black metal.

Su más reciente material, 'Totenritual', data de 2017, pero la banda ya trabaja en un nuevo disco que verá la luz muy probablemente a inicios del próximo año. ¿Será que nos den un adelanto en Knotfest?

https://www.youtube.com/watch?v=tyDaEXtnYIo

TOTAL CHAOS


Los amantes del hardcore punk podrán disfrutar de una leyenda con la actuación de los veteranos Total Chaos, banda formada en 1989 en Pomona, Californa y que con sus tres décadas de carrera se ha vuelto todo un emblema del movimiento punk / Oi! en los Estados Unidos. Imperdible para los amante de los chingadazos.

https://www.youtube.com/watch?v=JHhVUpZMlUs

W.A.S.P.


Fundada a finales de los 80 y contemporánea de  Mötley Crüe, Ratt, Guns N' Roses o Quiet Riot; W.A.S.P ha sabido abrirse un lugar en el Olimpo del hard rock de la mano de su líder Blackie Lawless.

Con una trayectoria que incluye más de una docena de discos (el más reciente 'Golgotha' de 2015) y más de 12 millones de copias vendidas, la banda vuelve a México tras una larga ausencia para complacer a los miles y miles de seguidores que ansían verlos de nuevo.

https://www.youtube.com/watch?v=TsoLb-E7oy8

EVANESCENCE


No engañas a nadie haciendo como que los odias. Si tienes entre 25 y 35 años, creciste con Evanescence y ya es momento de que lo aceptes.

A pesar de que la banda semi-inactiva por algunos años entre problemas y los deseos de Amy Lee de probar nuevos horizontes, es innegable que Evanescence se encuentra actualmente en gran forma y tras lanzar 'Synthesis' hace dos años con nuevas versiones de sus viejas canciones, ahora la agrupación originaria de Little Rock se encuentra en la pre-producción de un nuevo disco inédito el cual todavía no tiene fecha de salida pero hará las deliciosas de sus fans después de una larga espera sin nuevo material. Recuerda, no solo tienen 'Bring me to Life'.

https://www.youtube.com/watch?v=7_XoKJP1XK4

BEHEMOTH


Si alguien ha sabido renovar el sonido y la imagen del blackened death metal, ese ha sido Nergal. El líder de Behemoth puso la carta sobre la mesa y logró que su banda pasara de ser una más en la escena a ser uno de los actos más reconocidos, pedidos y esperados dentro de los festivales en la actualidad, sobre todo después de la publicación de ‘The Satanist’ (2014), álbum que los posicionó y les dio un renombre que no habían tenido en años previos.

Ahora, después de tres años de ausencia en México podrás disfrutar de sus más grandes éxitos y su más reciente material, 'I Loved you at your Darkest'.

https://www.youtube.com/watch?v=Dhfy9TPga-c

IN FLAMES


Una de las mejores bandas de death metal melódico en el mundo y dignos representantes del llamado 'sonido de Gotemburgo' se harán presentes en Force Fest 2019.

Fundados en 1990, la agrupación encabezada por Anders Fridén se ha posicionado dentro del gusto de la escena mexicana y ha tenido múltiples visitas a lo largo de su ya larga historia y seguramente te pasarás un excelente rato escuchando los temas de su nuevo disco, 'I, The Mask' que lanzaron en marzo.

https://www.youtube.com/watch?v=l73dBYukz0I

ACCEPT


Una leyenda total del heavy metal alemán, no hay nadie que le pueda decir que no a Accept. Con su sonido veloz y martillante ya tienen más que ganado un lugar de privilegio entre las bandas del género a nivel mundial. ¡Además vienen celebrando 40 años de carrera! Es una parada obligada durante tu visita a Force Fest 2019. ¡Imperdible!

https://www.youtube.com/watch?v=req-oDf2ZRc
Knotfest Mexico Force Fest 2019