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Heartagram - 'Gothica Fannica Vol.1'

Ville Valo, quien fuera líder de la banda finlandesa HIM, dio señales de vida con el sorpresivo lanzamiento del EP “Gothica Fennica vol. 1” que compila tres canciones bajo lo que parecer ser el nuevo plan del músico de 43 años, un proyecto que se firma simplemente con las iniciales de su nombre: VV.

La madrugada de este 20 de marzo, VV utilizó las redes digitales de su extinta banda para colgar oficialmente los tres tracks que componen esta producción: “Salute The Sanguine", "Run Away From The Sun" y "Saturnine Saturnalia".

En medio de la emergencia sanitaria mundial por un virus de alto nivel de contagio, estas tres canciones cayeron como bálsamo para los seguidores de HIM alrededor del mundo, y es que son tres canciones que podemos ubicar perfectamente en la línea musical que colocó a esta agrupación en el gusto de su base de fans: un rock suave, oscuro, melódico y pegadizo.

"Salute the Sanguine" danza entre lo último de HIM (su octavo disco “Tears on Tape”) y el álbum que les dio fama a nivel mundial, el Dark Light. Una pieza que suena al más puro estilo HIM, mezclando su vieja y nueva escuela, con coros rítmicos, una batería consistente y una lírica que, sin duda, viene de la vena de Valo. Salute the Sanguine cierra entre susurros y una rítmica en descenso que se apaga para dar paso a "Run Away From the Sun".

"Run Away From the Sun" pareciera una pieza perdida del Screamworks, uno de los discos de HIM más ricos en letras, más suaves y menos apreciados; con esta canción, VV hace alarde de su habilidad de contar historias en forma de baladas, con las palabras más simples de amor, dolor, melancolía y redención, todo con esa clase de elegancia finlandesa que lo dibuja. Run Away from the Sun se arriesga en su clímax con un toque de synth pop que se rompe de pronto con los rasgueos característicos de la música HIMezca.

El EP cierra de manera magistral con "Saturnine Saturnalia", una pieza que nos lleva más hacia la era de Venus Doom; VV echa mano aquí de su habilidad vocal, yendo de graves a altos, pasando por ecos, latidos, coros y una base musical en la que se adivina el bajo de su compañero de HIM: MIkko Paananen. El remate de esta canción es lo más metal que vas a encontrar en este EP.

Con Gothica Fennica Vol. 1, Ville Valo explora sus capacidades de compositor llevándonos a paisajes nostálgicos, con historias poéticas, melodiosas, brillantemente oscuras. VV obtiene así la mención honorífica en la graduación de su propia escuela: el Love Metal.

Reseña por Karina Coss


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Hell and Heaven 2020: Saliendo adelante a pesar del miedo y la incertidumbre

Vivimos en tiempos de terror. Las noticias sobre la pandemia de COVID-19 inundan los medios electrónicos y no hay un momento en que las publicaciones en nuestras redes sociales no nos hablen sobre los cientos de muertos e infectados no aparezcan ante nuestros ojos. Sin duda necesitamos un descanso y el fin de semana pasado tuvimos uno de los últimos descansos mentales que tendremos en las próximas semanas.

A pesar de todo y en un remolino de cancelaciones culpa de la pandemia, se llevó a cabo la edición de décimo aniversario de Hell and Heaven, el festival de metal más importante de Latinoamérica en el Foro Pegaso de Toluca. A pesar de estar anunciadas, bandas como Megadeth, King Diamond, Cypress Hill, Fleshgod Apocalypse y varias más se vieron obligadas a bajarse del barco debido a las restricciones en vuelos y viajes impuestos en sus respectivos países a tan solo unas horas del inicio de sus vuelos.

Fotografías por Rodrigo Cerda

Un ambiente de tensión se sentía en el ambiente, ¿qué sucedería con el festival? ¿Se pospondría? ¿Las autoridades decidirían evitar eventos masivos? ¿Se quedaría sin bandas? Sin embargo, todo eso se fue disipando en cuanto las puertas del Pegaso se abrieron. La gente, aunque en cantidad mermada a lo esperada por todo lo acontecido y por supuesto, el miedo a un contagio, empezó a llegar y ver que todo estaba bien. En los cuatro escenarios que el festival colocó para esta ocasión comenzaron a desfilar las bandas una tras otra con un público que comenzaba dudoso y apagado pero que terminó en éxtasis.

El festival no tuvo una cantidad numerosa de actividades extramusicales. No vimos las grandes activaciones de marcas reconocidas, pero en cambio vimos lo que un festival de música debe ofrecer: grandes conciertos, sobre todo el sábado que fue el día que se vio menos golpeado por la pandemia. El debut de Powerwolf fue impresionante, con la gente coreando al unísono todas sus canciones. Jinjer cerrando el festival de forma poderosa y estrenando su nuevo álbum, 'Macro'. Los legendarios Deep Purple haciendo lo que mejor han sabido hacer por los últimos cincuenta años y además, con la participación especial de Jordan Rudess, ¡una delicia! Amon Amarth demostrando con gran magnificencia porque son uno de los actos de metal más vanagloriados del planeta, con un poder aplastante y que muchos consideran fue la mejor banda del planeta. Los hermanos Cavalera y Static X hicieron retumbar Toluca con sus grandes éxitos. ¡Que alguien se atreva a decir que no fueron grandes noches!

Punto aparte se merece la primera vez de Manowar en México. Tal vez no hayan tenido la reacción que generaron bandas como Amon Amarth o Powerwolf en el público. Tal vez no tengan la conexión con el público de los Cavalera o Rhapsody (otra gran concierto, por cierto). Tal vez no tengan la relevancia actual de Jinjer. Pero Manowar es una banda legendaria a nivel mundial e igual de histórico fue el show que dieron en Hell and Heaven. Sí, llegan a ser tediosos después de un rato de "Victoria", "Odin", "Metal" y "Valhallas" (sí, sí, ya te entendimos) pero su espectáculo es genial. Una excelente producción en conjunto con una gran banda que sabe entretener, grandes músicos como Joey DeMaio y el impresionante nivel vocal de Eric Adams fueron la formula del éxito. ¡Ah, por cierto! Quedó grabado para la posteridad y será lanzado en Bluray próximamente.

Fotografías por Rodrigo Cerda

A nivel de producción, el festival cumplió con creces. Buenas instalaciones, buenos escenarios, buenas -aunque no tan variadas- opciones de comida, los baños estuvieron bien -y además con lavabos para que te pudieras lavar las manos con agua y jabón y evitar un contagio-, la cerveza estaba fría, la seguridad fue correcta, el audio fue bueno - excepto con un par de casos como Phil Anselmo y Static X por momentos. Eso es todo lo que se necesita para tener una buena experiencia.

De seguir con este camino, el futuro de Hell and Heaven luce brillante. Sí, todavía hay cosas por pulir, la empresa promotora tiene todavía que aprender a no caer en los mismos errores del pasado, pero sin duda ha sido un buen inicio rumbo a la consolidación y sobre todo, hacia un renacimiento, con un nuevo rostro y una nueva actitud.

Dicen que después de la tormenta, viene la calma. Y después del tremendo tormentón que sufrió el festival para poderse llevar a cabo, se merece un buen tiempo de tranquilidad. ¡Y que venga el 2021!

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Less Than Jake en Guadalajara: La banda que revolucionó al ska-punk

La noche del 31 de enero, por fin pudimos ver a Less Than Jake en Guadalajara, una de las bandas más icónicas de la escena del Ska-Punk en Estados Unidos, originarios de Gainesville, Florida y formados desde 1992 por Chris DeMakes. 

El evento inició en punto de las 9 PM en el C3 Stage, las bandas encargadas de abrir fueron NO NEIM y Rikita Banana, una banda originaria de Mérida, Yucatán con canciones como “Te Rogué”, “Tal Vez Mañana” y “La playa”, dieron inicio a una noche épica para el ska-punk en Guadalajara.

¡Eran momentos de ansiedad ya que el equipo de Less Than Jake estaba preparando el escenario para poder escuchar al “Ska-Punk de Florida”! Momentos después, salieron Roger Lima y Chris DeMakes ¡En esos momentos la gente explota! 

El set comenzó con “Gainesville Rock City”, canción de su cuarto álbum “Borders & Boundaries” (2000),  seguida de “Johnny Quest Thinks We're Sellouts”, de su álbum “Losing Streaks” (1996).

La química entre Roger Lima y Chris DeMakes era sublime con su público, ya que se les notaba la emoción de estar tocando en tierras aztecas, al estar lanzado chistes durante el show, y comentarios de cuán agradecidos estaban de presentarse en Guadalajara.

La noche siguió con sus clásicos y éxitos como “Magnetic North”, con un público alarido coreando cada una de las canciones que tocaban, la fiesta del Ska-Punk en Guadalajara siguió con “Dopeman”, “Plastic cup Politics” y “History of a Boring Town”, entre otros éxitos de la noche, con una entrega total de parte de sus fans quienes estaban presentes en un venue casi a su máxima capacidad.

Sin duda, fue una de las mejores noches que personalmente he tenido, esta banda ha marcado época en la historia del género,  sus letras enérgicas y su excelente vibra hace que Less Than Jake, sin dudarlo un poco, sea una de las mejores bandas de la escena punk en la actualidad,y esperemos nos sigan regalando este sonido tan particular que la banda tiene, y recuerden ¡Punk is not dead!

Reseña por: Rogelio Bricio

Fotografías: Rodrigo Cerda

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Suffocation e Incantation: Entrega total para un público que quedó a deber

La noche del domingo 26 de enero se llevó a cabo el final de la gira  Devastating México 2020, liderada por la banda Suffocation y secundada por Incantation, ambas de origen norteamericano. El tour que constó de 10 fechas en diferentes ciudades de nuestro país tuvo como cierre de la gira el Foro Indie Rocks! en la Ciudad de México. La cita para entrar y atascarse de puro Death Metal fue a las 19:30 hrs, donde alrededor de 200 personas ya esperaban entrar para matear hasta romperse el cuello y agregarse en el moshpit para desechar el estrés de la semana, mismas que hicieron  que las bandas estelares terminaran satisfechas después de la pequeña vuelta a territorio mexicano.

Afortunadamente no se tuvo que esperar tanto para que el primer madrazo de poder se hiciera presente hacia el público, pues, con un horario bien establecido, comenzó a tomar el escenario Medical Negligence. Oriundos de Guadalajara, la joven pero no por ello limitada banda, aprovechó sus casi 50 minutos para ofrecernos gran cantidad de canciones de sus álbumes Odium in Venas e Eaten by Spiders hasta presentar el tema de su más reciente EP El Charro donde cada uno de sus integrantes entregaba todo con cada nota. Canciones como Relación canina y Fetal Death fueron las más reconocidas de parte de la gente que poco a poco se iba sumando hasta que no cupiera ni un cuerpo más. A pesar de ello, la gente aún requería algo, pues no se mostraban muy convencidos con el show, caso que duró toda la noche en al menos el 70% de ellos. No es nuevo decir que a un telonero o banda mexicana le falla el audio. Una vez más ocurrió. Medical se estaba rifando como los grandes a pesar de que al menos en las primeras 5 rolas no se le distinguiera un carajo a menos que le pusieras minuciosa atención y, como siempre, hasta el final de su turno gozaron de buena ecualización. Su set no se limitó al sonido extremo del Brutal Death, también tenía su buena dosis de “tupa tupas” bien puercos y negligentes como su nombre.

No
pasaron más de 15 minutos para que Incantation,
liderada por John Mcentee, se
“echara a la bolsa” el respeto de las ya casi 800 personas del Indie Rocks! desatando con ello el furor
de aquellos que se amontonaban en la zona más cercana al escenario hasta que
por fin se abrió el circle pit. La
banda originaria de Pennsylvania inició a cortar cabezas con “Entrainment of
Evil
“ el “Onward of Golgotha” para dar paso a “Carrion Prophecy”
y así continuar la masacre. La noche apenas comenzaba y los
estadounidenses no se guardaron nada para otra ocasión. Mcentee se tomó un breve descanso para así mismo agradecer el apoyo
mexicano a lo largo de la gira que cubría territorios como Monterrey,
Guadalajara, León y Querétaro, entre otros. Posterior a ello, destacaron “Dying Divinity”, “Oath of Armaggedon” y “Impending
Diabolical conquest”, que fue de las más veneradas por los
presentes. Incantation sin duda alguna dejaba la vara muy alta para aquellos
que osaran quitarles el show de la noche, 12 temas de cruda y brutal música lo
respaldaba con creces.

Una vez más, el concierto era visto con dos perspectivas distintas, entrega de aquellos que no se cansaban de abalanzarse hacia adelante, con el único y fiel propósito de retribuir el esfuerzo de los músicos y, por otro lado, la falta de entusiasmo de poco más de la tercera parte del aforo. El calor corporal de los desquiciados de en frente, sumado al de los apáticos con chamarras de cuero de la parte posterior comenzaba a inundar el ambiente del foro cual hervidero en el infierno, misma situación que elevaba las ansias de ver a Frank Mullen, Terrance Hobbs y compañía.

22:05 hrs las luces se apagan para dar entrada a “Thrones of Blood”, tema del Pierced for Within del ’95. Suffocation hace vibrar el escenario con riffs machacantes y solos de guitarra perfectamente ejecutados por Hobbs, interpretando clásicos de su etapa de los 90 como Liege of Inveracity y Funeral Inception en el primer bloque de su setlist. Jesus Wept simplemente hizo que absolutamente todos se volvieran locos, unos con un buen headbanging, otros levantando los cuernos al aire y hasta el pequeño pero efectivo crowd surfing en la parte más cercana a los estadounidenses. Apenas iba la tercera parte de lo que nos deparó la noche de ayer y la banda no daba tregua para descansar unos minutos, pues volvieron a atacar con “Breeding The Spawn” y “Surgery of Impalement” por si quedaba duda de a  quién le pertenecía la noche.

Los tarolazos de “Blind Torture Kill” combinaban perfecto con la sensación de un taladro perforando el cráneo de todo aquel que escuchaba esos casi 6 minutos de disturbio que eran la antesala de las canciones finales del show. Luego, volvíamos al “Human Waste” del’91con “Infecting The Crypts” para después dar un salto de década con “Abomination Rebor”n y así concluir con alrededor de 70 minutos de atascadero visceral. Pero ninguna, ninguna de las casi 36 canciones prendió más que aquella con la que el concierto llegaba a su fin, nada más y nada menos que La Chona sonó a tope con los miembros de las 3 bandas ejecutoras bailando en el escenario mientras los Trues cantaban a todo pulmón. Así fue como el Devastating México 2020 llegó a su fin, el metalero mexicano quedó saciado por tiempo indefinido, hasta que la música brutal vuelva a sonar en alguna sede de la capital del país.

Todas las fotos por Alfredo ALV [penci_review]


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Deja de llorar porque una banda es "muy comercial", ridículo

El gran sueño de prácticamente cualquier persona es poder vivir de lo que ama. En el caso de los músicos, esto no es distinto y por ello, al comenzar una banda buscan la forma de llegar a más personas y lograr que su proyecto sea reconocido, viable y sobre todo, económicamente redituable. El dinero mueve al mundo, baby. Con dinero puedes permitirte dejar cualquier otra distracción y concentrarte exclusivamente a crear, desarrollar y potenciar tu arte sin estar preocupado si tendrás un plato de comida caliente sobre tu mesa el día de mañana.

Lamentablemente, los "metaleros" son una de las criaturas más lloronas que existen. Llora por todo y todo les arde, nada les parece y de todo se quejan. Pero entre todas las cosas por las que hacen berrinche una muy especial es que su banda favorita - o la que intenta denostar - "se volvió muy comercial". O sea, para ellos, el hecho de que una banda tenga un éxito dentro del mercado, es alguna especie de pecado que le priva de cualquier clase de respeto e incluso le quita la mayor parte -o todo, depende del individuo en cuestión, del talento y potencial que podría llegar a tener.

No hay que olvidar que la música, incluyendo al rock y al metal, forma parte de algo llamado "industria del entretenimiento" que mueven miles de millones de dólares anualmente y es el sustento y forma de vida de millones de personas en todo el planeta incluyendo por supuesto a esos músicos que tanto admiras, no importa sí son extremadamente famosos o son artistas de nicho conocidos solo por un puñado de personas.

Hay que preguntarnos, ¿de qué y de quien vive y como subsiste esa "industria del entretenimiento"? La respuesta es lógica. La industria vive de aquellas bandas y artistas que le generan dinero, así de simple. Metallica, Iron Maiden, Rammstein, Black Sabbath, AC/DC, U2 y una no tan larga lista son las que generan los billetes suficientes para que todo se mueva y permanezca más o menos estable. Es por estas bandas gigantescas, que las disqueras, los medios, las marcas, los servicios de streaming, los promotores y mucho más, pueden tener los recursos para mantenerse activos y poder apoyar a los engranes más pequeños de la maquinaria. Sin ellos, no habría como mover las cosas, dales las gracias.

Incluso en cuestión de tendencias y fases iniciales para que a alguna persona le guste cierto género musical tienen un papel fundamental. Te aseguro que tú, quien esté leyendo esto, comenzó a escuchar rock con Pantera, Korn, Linkin Park o Limp Bizkit. ¿O me vas a venir a decir que desde que eras un niñito escuchabas a Darkthrone, Burzum, Nargaroth o Death? ¡Vamos! Deja de lado tu ridícula pose y acepta las cosas como son.

Metallica

¿Por qué te arde? ¡Es simple mercado! Metallica es muy comercial y sin duda es mucho más importante que Megadeth, Anthrax, Slayer o Havok. Iron Maiden es muy comercial y es mucho más relevante que Saxon, Hammerfall, Anvil o los mismísimos Judas Priest. Rammstein es muy comercial y ha dejado más huella a nivel mundial que Kreator, Sodom, Helloween o Oomph. Black Sabbath es -o era- muy comercial y no hay quien dude su superioridad sobre Motörhead, Overkill o Death Angel. Y con decir que son bandas relevantes e importantes, nos referimos al contexto general de la cultura mundial, no a tus gustos personales y los de tus cinco amigos que buscan desesperadamente un poco de aceptación o sentirse especiales por "escuchar música que pocos han oído". Eso no te hace especial, te hace patético y lo que tú necesitas no es escuchar música, sino terapia.

Arriba ya te nombramos bandas que seguramente están dentro de tu repertorio diario y que son extremadamente comerciales. ¿Qué te parece hablar de los cientos de millones de dólares que generan Tool, Iron Maiden, Ozzy Osbourne o AC/DC? ¡O aún mejor! Hablemos de los miles y miles de dólares que bandas como Emperor, Immortal, Venom, King Diamond o Behemoth cobran por cada presentación? Porque a la hora de cobrar, se les quita lo trve, por supuesto.

SAN ANTONIO, TX - JULY 31: Singer-songwriter King Diamond performs onstage during the 2015 Rockstar Energy Drink Mayhem Festival at Alamo City Music Hall on July 31, 2015 in San Antonio, Texas. (Photo by Rick Kern/WireImage)

Una banda comercial no es mala solo por serlo. La calidad no va peleada con el número de discos que vendas, el número de boletos que compren para verte o la cantidad de dinero que inviertas para promover tu banda. La "calidad" es un ente infinitamente subjetivo que va atado a un sin fin de cosas que difícilmente alguien podría definir de manera coherente. El hecho de que una banda sea "mejor que otra", tampoco es algo que podamos afirmar porque depende de muchas aristas, incluyendo el gusto propio de cada persona que la escucha. Para un amante del death, siempre será mejor banda Cannibal Corpse que Def Leppard.

Cada banda que existe, es un producto, quieras aceptarlo o no. Aún la banda más "underground" que nos puedas nombrar vende entradas a sus shows, vende mercancía, cobra regalías por su música y un largo etcétera. O bueno, al menos lo intentan. El hecho de que lo logren o no, dependerá exclusivamente si su producto es del interés del público o no. ¿O me van a venir a decir que existe alguna banda en el mundo que no quiere que su creación sea visto, escuchada -y comprado, claro- por el público masivo? Ay, por dios, no seas tan crédulo, McFly.

Así que la próximo vez que piensas en usar la frase "esa banda se volvió muy comercial" para intentar denostar el trabajo de cualquier banda, recuerda que esa banda que tanto amas también está tratando de serlo pero simplemente no lo ha logrado. Mejor ayúdales a lograr su sueño y compra una playerita de su marca.


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Corona Capital 2019: denuncian cientos de robos, sobrecupo, fallas y falta de organización

Pasados los dos días del festival Corona Capital 2019 , cientos de personas se ha quejado a través de las redes sociales acusando a la organización del otrora impecable Ocesa de graves fallas en la planeación y ejecución del festival.

El problema más recurrente dentro del festival encabezado por bandas como The Strokes, Keane o Billie Ellish es sin duda el robo de carteras y celulares dentro del venue, algo que ya se ha hecho una insana costumbre dentro de los festivales al menos en la ciudad de México y sobre todo en el Foro Sol donde eventos como el mencionado Capital, Vive Latino, EDC o Domination han hecho las delicias de la delincuencia. Sólo hace falta entrar a cualquier red social para encontrar una gran cantidad de denuncias debido a esto.

De hecho, se ha detectado que desde hace ya varios años, dentro del lugar opera una celula delictiva que Ocesa no ha podido o querido controlar. Ya es normal escuchar a los asistentes a estos festivales quejarse de haber sido víctimas de este tipo de delito o leer los encabezados de personas detenidas con decenas de teléfonos en su poder en las inmediaciones de este lugar.

Lamentablemente, estos problemas no fueron los únicos que se suscitaron dentro de Corona Capital 2019. Además, de los robos, los asistentes tuvieron que soportar fallas en el sistema cashless y filas interminables para poder recargar sus pulseras, tal vez a causa del evidente sobrecupo que pudimos encontrar en la sede y que fue notado por más de una persona.

Las salidas del festival fueron caóticas y lentas, superando por mucho las ediciones pasadas del Capital, además de ser imposible pedir un Uber o tener que aguantar horas para poder salir del estacionamiento debido a la falta de organización.

Esperemos que futuras ediciones del festival puedan corregir estas fallas y que Ocesa utilice su experiencia en realizar eventos masivos para hacer de estos una experiencia agradable y no el día oficial del robo del teléfono en la Ciudad de México.


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Parque Oceanía y el plan de Live Talent para enfrentar el monopolio de Ocesa

Hubo bastante gente sorprendida cuando hace algunos meses, Live Talent anunciaba con bombo y platillo que inauguraría un nuevo venue dentro de la Ciudad de México para poder realizar su nuevo proyecto: Knotfest meets Force Fest. Ante la evidente ruptura de la compañía originaria de Guadalajara con la gigantesca OCESA dejándola imposibilitada de utilizar el famoso Autódromo Hermanos Rodriguez y el error cometido el año pasado de elegir Teotihuacán como sede de Force Fest - en una historia que ya todos conocemos - era obvio que si Live Talent quería continuar con sus eventos masivos, debía buscar una nueva opción. Y al parecer la encontró.

Situada en el centro/oriente de la Ciudad de México, el Deportivo Oceanía - ahora llamado Parque Oceanía, fue fundado en 1964 y hasta ahora había estado semi-abandonado por gobiernos anteriores, teniendo un nivel de deterioro que si bien no es severo, si fue bastante importante. Es precisamente esto lo que Live Talent busca cambiar a través de una serie de mejoras al lugar, las cuales incluirán en una primera fase el reemplazo total de la valla perimetral del lugar, la cual cuenta con casi 3 kilómetros de extensión para cubrir los más de 250,000 metros cuadrados que el Parque tiene como superficie - en comparación, la curva 4 del Autodromo cuenta con 130,000 metros cuadrados - y dentro de la cual se planea albergar tanto el mencionado Knotfest meets Force Fest como a su hermano mayor, Hell and Heaven que se llevará a cabo en marzo.

Otra de las grandes ventajas que el Parque Oceanía tiene en contra de otras sedes son las opciones de movilidad. El parque está situado sobre la avenida Oceanía y a solo unos metros del Circuito Interior; a unos pasos los asistentes al lugar pueden encontrar dos estaciones de metro, 'Deportivo Oceanía' de la Linea B y 'Oceanía' de la Linea 5. También es una gran ventaja la cercanía con el centro histórico de la ciudad y por supuesto, el Aeropuerto Internacional Benito Juarez a tan solo 5 minutos, por lo que si viajas de alguna otra parte, sin duda esto te será de gran importancia.

Si la queja es que el Oceanía no estaba destinado originalmente para la realización de conciertos, ciertamente la curva 4 del autódromo, tampoco. Como su nombre lo indica, es un autodromo, no un foro. Sin embargo, con buenas adecuaciones, una logística adecuada para llevar a cabo los conciertos y darle el tiempo suficiente a la gente para que se acostumbre y conozca esta nueva sede, pinta para ser un espacio de encuentro para los amantes de la música en la Ciudad de México.

El hecho de contar con una nueva opción para realizar eventos de este tipo y que no estén bajo el control de una sola empresa como sucedía hace unos años es un beneficio no solo para Live Talent, sino para otras promotoras que intenten hacer algo nuevo, lo cual antes era prácticamente imposible, pues Ocesa ejercía con puño de hierro su peso como el gran y poderoso monopolio frente al gobierno en turno, quien le otorgaba concesiones, contratos y favores al por mayor. Ahora, con su evidente perdida de control - debemos recordar que gran parte de la propiedad de Ocesa era de Grupo Televisa, empresa conocida por sus conexiones no muy legales con las altas esferas del poder, las oportunidades para nuevos emprendedores dentro de la Ciudad de México se empiezan a abrir con más frecuencia. Recordemos el caso de Zignia Live y su hermosa Arena en Azcapotzalco, por ejemplo.

Por supuesto, Live Talent tiene mucho trabajo por delante para que el Parque Oceanía cuente no solo con las instalaciones más adecuadas para sus eventos, sino la confianza del público, la cual deberá ganarse de forma paulatina. Todo será cuestión de un buen plan de inversión, estrategia y la correcta planeación en cada una de las etapas de mejoramiento y mantenimiento. El lugar ciertamente tiene potencial, pues cuenta con un tamaño más que suficiente para albergar los festivales planeados y tiene la ubicación perfecta para hacerlo viable.


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Leprous - Pitfalls

Si hay algo por lo que los noruegos de Leprous se caracterizan es por el hecho de que no encasillan el sonido de su música en ningún género, pese a que usualmente se les categoriza dentro del llamado “rock/metal progresivo”. Prueba fehaciente de esto es su sexto álbum, “Pitfalls”, el cual fue lanzado este 25 de octubre.

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Desde su material anterior, “Malina” (2017), se notó que Leprous iban encaminados a tomar un nuevo rumbo musical, una evolución natural para una banda que no quiere copiarse a sí misma ni a nadie. Antes de la salida de “Pitfalls” la agrupación nos dijo que “esperáramos lo inesperado.” Cosa que lograron, sin duda alguna. Y a eso es lo que personalmente llamo ser “progresivo”.

Además, algo que también diferencia a “Pitfalls” de lo previo de Leprous es que éste es más personal y directo, sin filtros y sin metáforas, ya que trata abiertamente de la lucha con la depresión y ansiedad de Einar Solberg (voces/teclados).

El disco comienza con el que fue el primer single, “Below”, con un sonido melancólico de teclado y la suave voz de Solberg; pasado el primer minuto hay una explosión de guitarras, bajo y batería, así como la inclusión del violonchelo del canadiense Raphael Weinroth-Browne (quien también fue pieza clave en el álbum “Malina”). Este tema fácilmente podría formar parte de la banda sonora de James Bond.

“I Lose Hope” inicia con un beat de bajo y batería que suena muy setentero… y al añadir esas guitarras, batería, cuerdas y sintetizadores, le da cierto toque pop/dance… imagínense bailando, pero en una triste pista de baile. Sin duda de los temas más extraños de estos noruegos, con un ritmo bastante pegadizo.

En “Observe The Train” podemos escuchar una de las mejores interpretaciones vocales de Einar Solberg. Pese a que el tema va lento, es notable la presencia de la batería del prodigioso Baard Kolstad, ya que supo añadir el elemento que te hace pensar en el momento en el que va pasando el tren de tus pensamientos… pero déjalo pasar… no te subas… “keep on breathing, observe the train, see it leaving… breathe in, breathe out, release, let it all out” (sigue respirando, observa el tren, ve que se vaya… inhala, exhala, libera, deja salir todo). Te quedará una sensación de tranquilidad cuando termine el tema.

Y vamos de regreso a la pista de baile con “By My Throne”; aquí sin duda son notables las guitarras de Tor Oddmund Suhrke y Robin Ognedal, así como el potente bajo de Simen Børven al inicio del tema. La orquestación y batería dan el complemento perfecto a esta hipnotizante canción.

A continuación, nos presentan otro track familiar, “Alleviate”, el cual fue su segundo sencillo. Su estreno fue algo controversial y dividió las opiniones de los seguidores de la banda, ya que una mitad opinó que sonaban muy pop y que con eso ponían el último clavo a la tumba de lo que fue el sonido metal de Leprous, y la otra mitad de los fans recibió con los brazos abiertos el cambio de sonido de la banda. La voz de Solberg en su punto, alcanzando notas impresionantes. Líricamente, es uno de los temas más positivos.

“At The Bottom” tiene obviamente una influencia ochentera con el intro en sintetizador y la batería electrónica. Sin duda, en los 7:21 minutos que dura esta canción, Leprous muestra claramente lo que representa el cambio en su sonido; las capas que van añadiendo, la interpretación vocal, el énfasis que dan a cada instrumento – porque aquí todos brillan de manera exuberante, pero sin llegar a exagerar… la manera en la que se va construyendo hasta alcanzar el clímax. Asimismo, hay que destacar al violinista invitado Chris Baum (de la banda estadounidense Bent Knee, con la que Leprous estuvo de gira por Estados Unidos y Canadá).

“Distant Bells” es otro de los tracks más extensos (7:22) y fue el último single que nos presentaron antes de lanzar el disco, el cual es totalmente diferente a los otros dos sencillos lanzados por el quinteto noruego. Hay que remarcar que el bajista Simen Børven es el responsable de muchas de las melodías de este tema. El piano, las cuerdas y la voz de Einar son lo predominante mayormente, hasta que el clímax se alcanza poco antes de llegar a los 6 minutos, y vaya que suena desgarradora la voz de Solberg.

“Foreigner” es uno de los temas que más podrían recordarnos al viejo Leprous con esas guitarras más pesadas, los beats en la batería y el bajo… e inclusive con ciertas líneas líricas, como al inicio donde dice “my Congregation is in flames”, o “trapped within my own fence” (ambas referencias al álbum “The Congregation”), al igual que la voz de Einar y ese grito al final. ¿Será que están despidiéndose de ese sonido “prog metal” o nos están dando a entender que no se ha ido del todo?

Y para cerrar con broche de oro: “The Sky Is Red”. ¡Vaya tema! Me ha volado la cabeza desde la primera escucha… con ese intro en guitarra y el coro clásico, sí, leyeron bien, un coro. Quién lo hubiera imaginado. La canción mas prog, por decirlo así. En los 11:21 minutos que dura este track, los noruegos demuestran su capacidad para componer temas complejos, pero sin exagerar. Y justo cuando pensaba que la canción estaba por terminar, veo el contador de tiempo, y casi llegando a los 7 minutos comienza un extraño riff (?) en guitarra, seguido por la batería, el precioso coro… y un orgasmo auditivo, si me permiten la expresión.  La monstruosidad que es Leprous puede ser resumida en este track… y no es fácil de explicar sin llegar a sonar redundante. Tienen que escucharlo por ustedes mismos.

Reseña por: Viry Abernethy [penci_review]


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¡El metal tiene futuro! Diez bandas que debes seguir desde ya

Renovarse o morir. Bajo esa premisa, todo lo que quiera subsistir deberá ir evolucionando para evitar que la ley de la selección natural actúe y lo entierre en el olvido. Por supuesto, la música -y en este caso particular, el metal, también es objeto de ese cambio tan necesario en el circulo de la vida.

Te presentamos diez bandas que representan el futuro para el metal y que debes seguir desde ya.

AVATAR


Suecia es conocida cuna de algunas de las más grandes glorias del metal en su historia. Fundada en el año 2001 en Gotemburgo es una de esas bandas que ha adquirido gran relevancia en los últimos años, sobre todo por la gran calidad que infunde en sus trabajos, destacando su más reciente material, 'Avatar Country' de 2018. Seguramente los veremos escalando posiciones dentro de la escena mundial.

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JINJER


Comandados por la poderosa voz de Tatiana Shmaylyuk, estos ucranianos han logrado situarse entre los favoritos del público que gusta del metal más contemporaneo pues tienen apenas una década de existencia. Con un sonido que va entre el groove y el progresivo más agresivo, sin duda es una banda a seguir en los próximos años pues no nos sorprendería verlos empezando a encabezar sus propias giras e incluso festivales.

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TRIBULATION


Nuevamente Suecia se da cita en esta lista, en esta ocasión con una banda que si bien no tiene demasiados reflectores sobre ellos, si que se han ganado a la crítica especializada y un montón de premios, incluso el Grammy como mejor álbum de metal en la pasada edición 2019 por 'Down Below'.

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UADA


El black metal melódico se hace presente en la lista directamente desde Portland, Oregon con UADA, quienes con apenas poco más de cinco años de carrera y dos discos en su haber, ya dan muestras de gran potencial y su nombre aparece cada vez más frecuentemente en los carteles de los grandes festivales del mundo. Si quieres saber de que hablamos, escucha su más reciente producción, 'Cult of a Dying Sun'

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LIGHT THE TORCH


Anteriormente conocidos como Devil You Know, Light the Torch es el proyecto que tomó el vocalista Howard Jones tras su salida de Killswitch Engage, siguiendo su vena dentro del metalcore. Hasta la fecha cuentan con tres discos, los dos primeros bajo el nombre anterior (que se debió cambiar tras la salida del baterista John Sankey en 2016) y únicamente uno pero muy recomendable ya como Light the Torch y que fue lanzado en 2018.

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ALIEN WEAPONRY


Oceanía nos ha dado grandes exponentes del heavy metal a lo largo de la historia, tal es el caso de AC/DC, Airbourne o más reciente a Parkway Drive; y no nos decepcionó con Alien Weaponry. Dueños de una fiereza bárbara, la banda fue fundada en Auckland, Nueva Zelanda en el 2010 por tres chamacos de origen Māori que querían honrar sus raíces a través de la música y es por eso que sus canciones están escritas en el idioma de sus ancestros; todo esto plasmado en su hasta ahora única producción discográfica, 'Tü' de 2018.

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DEAFHEAVEN


Los californianos Deaheaven han enamorado a los amantes del blackgaze y el shoegaze con apenas una década de existencia. A lo largo de cuatro producciones llenos de sonidos densos, donde las emociones se ven amplificadas hasta el infinito, la banda ha logrado una nutrida base de fans que además se incrementó tras su nominación al Grammy en la categoría de "Mejor Interpretación de Metal" en 2019 por 'Honeycomb'.

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CONJURER


Si lo tuyo son los sonidos densos del doom, los encontrarás en los británicos Conjurer. Aunque todavía no son muy reconocidos de este lado del Atlántico, la banda ya ha logrado el reconocimiento de una buena parte del público europeo e incluso ya grabó su primer disco en vivo lo cual te puede dar una idea de que su calidad y talento les da para mucho. Conjurer se fundó en 2014 y tiene hasta el momento un solo álbum de estudio, 'Mire' de 2018.

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MYRKUR


Desde la oscuridad de Escandinavia surgió Myrkur, un proyecto de dark folk / black metal ideado por la multiinstrumentista y actriz danesa Amalie Bruun, quien en su idea de cambiar la idea preconcebida que todos tenemos de este género ha intentado agregar una serie de matices bastante interesantes, sobre todo en su segundo álbum, 'Mareridt'. Si bien es cierto que Myrkur ha recibido tantos halagos como gritos de odio -sobre todo de gente que no cree que lo que ella hace sea metal - se ha ganado a pulso su lugar en grandes festivales como Roskilde o Hellfest (aunque tuvo que cancelar de última hora).

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CODE ORANGE


Aunque Code Orange no sea banda ya no sea taaaaan joven -se fundaron en 2008- su nombre ha empezado a brillar con fuerza en los últimos años, sobre todo por el apoyo que han recibido por parte de otras grandes de la escena como System of a Down y por supuesto, su nominación al Grammy por 'Forever' el año pasado. El sonido hardcore punk que proyectan se ha desarrollado y vuelto más rasposo a lo largo de sus tres producciones discográficos y también debemos destacar la enorme presencia escénica de Reba Meyers.

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¿Qué pasó afuera del show de Guns N´Roses en Guadalajara?

Muchos chismes, dimes y diretes se han expuesto en los últimos días sobre lo que pasó afuera del show de Guns N´Roses en el Estadio Jalisco de Guadalajara el pasado viernes 18 de octubre. Desde gente que se quedó afuera con boleto pagado, hasta fotocopias de boletos -que jamás existieron-, largas filas y un aún más largo etcétera. Esa es una realidad a medias.

Es cierto que hubo varios fallos en la logística, errores compartidos entre Live Talent, Royal House Society - la otra promotora del evento - e incluso la boletera del evento, StubHub. Por ejemplo, el hecho de tener una sola entrada para todas las personas del área general fue un error de cálculo por parte de alguien de las promotoras, lo cual ocasionó que las filas fueran lentas y la entrada un tanto fastidiosa. Falta de señalización no existió, pues no solo se subieron las puertas de entrada de cada tipo de boleto a las redes sociales, sino que afuera de cada puerta había un gigantesco tótem y mantas que también lo indicaban. La gente no lee.

Por otro lado, la hora de entrada marcada en el boleto, eran las 5:30 de la tarde; si embargo hubo gente que intentó ingresar incluso aún comenzado el show, gente que se metía en las filas y queriéndose meter más rápido, lo cual generó un cuello de botella en las entradas del estadio y alentando aún más la entrada. ¡Ah, que falta de civilidad!

Un grupo de personas que no tenían boleto llegaron alrededor de las 8 de la noche, intentando entrar por la fuerza en una de las puertas laterales del estadio lo cual provocó que la policía y protección civil ordenaran cerrar las puertas del Estadio Jalisco para resguardar a las personas que ya se encontraban dentro del recinto. Esto ocasionó que personas que sí contaban con boleto pagado, se quedaran afuera del show se quedaran momentáneamente afuera; sin embargo, las puertas fueron reabiertas después de que los disturbios fueran calmados y pudieron acceder nuevamente. Hemos leído algunos casos de personas que por la confusión y la desinformación de la misma policía local, se quedaron afuera. Lamentablemente no se conoce el dato de cuantos son reales y cuantos no.

Al final, la entrada reportada para el show fue de 43 mil personas que pudieron disfrutar de un tremendo show por parte de Guns N Roses. Puedes leer nuestro review, aquí.