Sólstafir - 'Endless Twilight of Codependent Love'
Review por Shantal Gómez
Sólstafir es de esas bandas poco conocidas que merecen más seguidores en el mundo del metal, si aún no has tenido oportunidad de escuchar a esta banda Islandesa de post metal, su séptimo y nuevo disco “Endless Twilight of Codependent Love” es tu oportunidad para conocerla. Nosotros ya lo escuchamos y aquí te decimos si debes adquirirlo ahora mismo.
Si algo ha distinguido a Sólstafir desde sus inicios es su interés por preservar sus raíces islandesas, haciendo casi todas sus canciones en su idioma natal y, en el caso de este álbum, poniendo con orgullo en su portada la imagen de “La mujer de la montaña”, una pintura emblemática que es la personificación femenina de Islandia.
Sin embargo, contrario a la belleza que la portada del álbum transmite, la lírica contenida es cruda, realista, repleta de muerte, amor y desamor, suicidios, letras oscuras, del alma, que reflejan el mood por el que muchos hemos pasado durante esta pandemia; demostrándonos que indudablemente la música es universal y retrata los vicios más escondidos pero latentes de la sociedad.
Es sorprendente que toquen de una manera tan auténtica temas tan espinosos y tan actuales como la violencia de género, siendo que les brindan ese empoderamiento a las mujeres dentro de canciones como “Drysill” o “Rökkur” donde historias de violencia terminan en mujeres que se atreven a encarar a sus agresores (spoiler alert: los matan).
Este disco comienza con “Akkeri” que, con 10 minutos de duración, nos lleva por un viaje de géneros desde post metal hasta hard rock pero que en ningún momento se vuelve tediosa. “Dionysus” es totalmente una vuelta al black metal de la vieja escuela, “Or” es una mezcla interesante de metal y blues, “Úlfur” te recuerda totalmente material de los Deftones... una travesía por los más variados géneros musicales que encajan perfectamente con el estilo propio que Sólstafir ha creado desde hace casi 30 años.
Es un álbum oscuro, realista, que utiliza desde los sintetizadores propios del post punk así como su naturaleza gótica hasta el black metal nórdico junto con sus letras crudas y repletas de violencia. Un viaje musical es lo que podría definir a este disco, de una banda que indudablemente merece más reconocimiento y seguidores pues engloban mucho que otros carecen: talento musical, letras auténticas y reales, no tienen miedo de experimentar con otros géneros y, sobre todo, poseen sentido de identidad propio y muy marcado.
Estrenamos ‘Cuando Los Demonios Danzan’ de CARIE, en lucha contra tus demonios internos
El día de hoy, el cuarteto mexicano de punk-rock CARIE está dando inicio a la segunda etapa de su carrera musical con el lanzamiento de ‘Cuando Los Demonios Danzan’, un nuevo tema que llega en exclusiva para Summa Inferno y que funge como el primer adelanto de su álbum debut, mismo del cual tendremos noticias muy pronto.
Tras haberse ganado la atención de los escuchas interesados en las vertientes más agresivas del rock nacional con ‘Engranjados’, una pieza divertida seccionada en tres facetas temáticas e instrumentales en la cual sus integrantes profundizaron en su salud emocional y psicológica al quedar atrapados en una granja debido a la cuarentena, hoy los chicos llevan sus intenciones al siguiente nivel con una pieza densa en donde vierten todo el miedo que tienen de perder su identidad, presos de la paranoia a causa de problemas relacionados con su depresión.
Como si se tratara de un relato de H.P. Lovecraft, el vocalista expone la soledad que siente al cuestionar su propia cordura, temeroso de que sus seres queridos lo juzguen por necesitarlos como base emocional. La ansiedad lo atrapa y tras acrecentarse el miedo social, se da cuenta de que no le queda de otra más que enfrentarse a sí mismo, tal como declararon en entrevista “lo importante entonces es enfrentar tus defectos o tus peores recuerdos, lo cual nunca es fácil, pero es la única manera de hacerlo”.
De acuerdo a lo declarado, la canción “retrata perfecto el miedo, el enojo y la locura de no saber quién eres, pero al mismo tiempo tiene una identidad tan sólida que disfrutas sufrir y vivir ese limbo”. Es por ello que la intención de la pieza es de apoyar a todo aquel que este en proceso de desarrollo y de lucha contra sí mismo, puesto que “nuestros demonios nunca dan la cara a menos de que les cantes un tiro y si ese tiro tuviera una banda sonora, seguramente sería esta canción”.
Al final, siempre “llegamos al punto donde empieza a parecer que todo es absurdo y no queda más que seguir bailando lo más cerca de la fogata posible, llena de espontaneidad y de fuerza que sólo se puede sentir mientras siga prendida”.
Devildriver - 'Dealing with Demons'
Review por Shantal Gomez
“Escribir música ayuda a que pueda purgar los demonios que tengo” Mike Spreitzer
Devildriver regresa este 2 de octubre con su material inédito “Dealing with demons”, el cual es un ejemplo claro de los subgéneros de metal (groove metal/death metal melódico) que desde sus inicios pretendieron presentar pero con un toque de frescura y un importante diferenciador con con respecto a sus álbumes anteriores.
Habría que empezar señalando la magnífica portada de este CD, un arte refleja por completo el título y contenido del álbum teniendo como protagonista a la muerte contendiendo con los demonios de las profundidades del infierno, es una imagen cruda, directa y que te invita a ser parte de esa historia a través de la lírica de cada canción.
El disco es un sonido sine qua non para la banda pues como han comentado en diversas entrevistas “lo que queríamos era alentar todo un poco, respecto a lo que hemos hecho en el pasado, enfocándonos en los tempos” lo cual no implica precisamente que sean baladas, pero si se nota más melodioso con respecto a álbumes previos como Beast (2011).
Empieza de forma precisa con “Keep away from me” pues desde el inicio sabes que lo que viene es casi por completo distinto a lo que Devildriver nos tenía acostumbrados, pero no en el mal sentido, de hecho esa “lentitud” hace que ésta y otras canciones como “Iona”, “Wishing” o “Nest of Vipers” suenen incluso más heavy, más profundas.
Sin embargo, no abandonan ese estilo que los ha caracterizado y el segundo track “Vengeance is clear” pues la presencia del bajo y la batería son notables, así como la guitarra rápida que carga casi todo el peso de la canción. Mientras tanto llega “You give me a reason to drink” que si bien es, probablemente, la canción más lenta de todas, tiene una letra sumamente cruda, oscura y que culmina con un solo espectacular de guitarra que hace que sea una de nuestras favoritas por su ambigüedad tan bien llevada a cabo.
La canción que da título al álbum es posiblemente la mejor y la que más nos hace añorar un Wall of death de un enorme festival de metal; “Dealing with demons” tiene unos solos bastante remarcables y la voz de Fafara es destacable.
Es importante señalar que este disco se terminó casi por completo antes de la pandemia, sin embargo pareciera ser una profecía de lo que estaba por venir pues nos detalla canción por canción todas las ansiedades, frustraciones, miedos, furia que atravesamos y que nos hacen sentir que, definitivamente, estamos lidiando con nuestros peores demonios.
Un álbum recomendable para tener ese momento de introspección tan necesario en los tiempos que estamos viviendo, pues purgar a nuestros demonios sea posiblemente uno de las mayores beneficios que la música (mas no la pseudo música) nos otorga.
Indudablemente vale la pena adquirirlo, es el DevilDriver que nos encanta pero con un toque novedoso, distinto, disfrutable. Son bandas que vale la pena seguir apoyando porque son éstas el futuro de los grandes festivales de metal en el mundo.
Marilyn Manson - 'We Are Chaos'
Review por Shantal Gómez
El día de mañana, sale al mercado el onceavo álbum de Marilyn Manson “We are chaos” cuyo título pareciera describir el 2020 y, de paso, los sonidos, concepto y contenido de este nuevo material de la banda. Tuvimos la oportunidad de escuchar lo nuevo de Manson y aquí te dejamos nuestras primeras impresiones...
Empecemos por decir que no es su peor trabajo, mucho menos el mejor, pero si hay algo que destaca a primera vista de este álbum es el arte que lo enmarca; con una pintura en acuarela diseñada por el mismo Manson titulada “Infinite Darkness” (mismo título que el track #6 ) el álbum, en sus distintas versiones, bien merece ser adquirido si eres un melómano, un fan acérrimo de la banda o un amante del trabajo artístico de Brian Hugh Warner.
Cabe destacar que el material fue grabado y creado, en palabras del propio Marilyn Manson, totalmente en cuarentena por lo que representó un reto en todos los sentidos para la banda, pues como él mismo afirmó “Esto fue grabado hasta completarse sin nadie escuchando hasta que estuvo terminado. Es lo más definitivo a un lado A y un lado B en el sentido tradicional. Pero como un LP, es un círculo plano y corresponde al oyente colocar la última pieza del rompecabezas en la pintura de canciones.”
El disco comienza con “Red, black and blue”, que es un buen inicio para el material pues nos envuelve en una atmósfera siniestra e, inquietantemente, mucho más calma de lo que cualquiera podría esperar. “We are chaos” es el track que le sigue y que se convirtió en el primer sencillo de este álbum, una canción donde destaca la guitarra acústica, que parece no encajar con las demás canciones y que...tiene un buen video. Prosigue el disco con “Don’t chase the death” (segundo sencillo) con una lírica sencilla pero disfrutable y un sonido más familiar. Nada del otro mundo.
Definitivamente se nota la diferencia entre lo que llamó Manson “lado A y B”, pues al llegar a “Infinite Darkness” comienza un sonido más heavy, líricas más elaboradas con líneas interesantes y hasta memorables, pero que también llega a caer, después de cierto punto, en lo plano y que te hace perder el interés pasando el primer minuto y medio. Cierra el álbum con ”Broken needle” que pareciera ser la canción idónea para concluir pues es, de hecho, de las mejores 3 con un sonido acompañado nuevamente por guitarra acústica pero que encaja con la sensación que transmite la voz de Manson de estar cerrando un disco introspectivo, reflejo de su propia humanidad repleta de caos.
A pesar de las limitaciones que implicó para la banda el grabar de forma remota, el álbum nos presenta un sonido totalmente diferente a sus trabajos previos llegando al punto en que realmente no sabrías si estás escuchando a Marilyn Manson, pues recurre a recursos poco explotados con anterioridad por ellos. Huelga decir, no es sorprendente, ni nuevo, mucho menos espectacular, pero sí es diferente a lo que nos tienen acostumbrados y es aplaudible si tomamos en cuenta el esfuerzo a pesar de las complicaciones.
No podemos afirmar que es un mal disco, porque tiene cosas bastante rescatables y disfrutables, pero definitivamente no es ni de cerca el sonido y concepto disruptivo, propositivo y que rayaba en la genialidad que el reverendo y su banda nos regalaron en algún momento de sus casi tres décadas de existencia.
"La música me ayudó a salir adelante en medio del encierro": Mathias "Vreth" Lillmåns, Finntroll
Entrevista por Mariana Valeria Ayala.
Siete largos años tuvieron que pasar para que Finntroll resurgiera y nos entregara un nuevo álbum, 'Vredesvävd', el cual llegará finalmente en un par de semanas.
Como parte de las actividades promocionales, pudimos platicar con el cantante de la banda, Mathias "Vreth" Lillmåns sobre las dificultades de realizar este nuevo álbum y el mundo para la banda durante los tiempos de pandemia.
En 2006, después de que Tapio Wilska fuera despedido ¿cómo fue tu proceso para incorporarte a Finntroll?
Fue algo así como una invitación. Yo no hacía música para vivir, no era un trabajo. De hecho yo fui a la escuela con Katjla (Jam Jämsen), el primer vocalista de la banda. Cuando los chicos despidieron a Wilska y lo llamaron para preguntarle si conocía a alguien que supiera cantar y hablara sueco, entonces yo fui su opción. Me preguntó si estaba interesado en ir a Helsinki a probar suerte y ver que podíamos hacer y por supuesto acepté. Le di un disco de mi vieja banda para que escuchara mi voz, luego nos fuimos a Helsinki un fin de semana... y aquí estamos, 14 años después.
La pandemia de COVID-19, ¿cómo le ha afectado a Finntroll como banda y a ti como persona?
Bueno, justo ahora deberiamos estar de gira por Europa central. Bueno, la habríamos terminado el pasado fin de semana o algo así. Eso no sucedió por obvias razones, pero movimos las fechas para dentro de seis meses y lo haremos en marzo y abril del próximo año.
De hecho, el álbum también debió salir hace algunas semanas (a finales de agosto) pero tuvimos que atrasarlo un mes, y ahora será hasta el 18 de septiembre. Perdimos un montón de conciertos. Realmente apesta el hecho de que sacamos un álbum por primera vez en siete años y pasa esto. El plan era estar de gira después de que el álbum saliera y ahora no nos queda de otra más que esperar casi medio año para que se haga realidad. Es un poco desalentador, pero la gente entenderá, creo.
Además apesta porque en estos tiempos el clima por aquí es terrible, se la pasa nevando. De verdad quisiera estar en México. Hace mucho calor y eso es grandioso para mi aunque sea unos cuatro días. Sería genial.
¿De qué manera está Finlandia retomando la vida social bajo esta nueva normalidad?
Tuvimos mucha suerte de no haber sido golpeados tan fuerte. Por supuesto tuvimos que cerrar por muchos meses pero ahora estamos volviendo a la normalidad. De hecho hace 2 fines de semana, tuve un festival de death metal aquí en Finlandia y toqué con mi otra banda . Había mucha gente y parece que será el único festival de este año, pero al menos fue algo. Pero ahora podemos tener pequeños eventos. También se ha hablado de una segunda ola de contagios, no será algo tan malo pero volverá a afectar los eventos. Creo que lo estamos haciendo bastante bien, pero seguramente pondrán más restricciones.
De hecho, creo que esas restricciones serán algo bueno, pues sin ellas entonces la segunda oleada será más dura. Por ejemplo, ahora la gente ya puede viajar en avión y cuando llegan, lo traen (el coronavirus). Si no recuerdo mal, ya existen algunos casos así, de gente que llegó infectada desde Macedonia, creo. Deberían existir más restricciones, especialmente cuando viajas. Pero bueno, afortunadamente vivo en una ciudad pequeña y no hubo muchos casos aquí.
El mundo seguirá con a incertidumbre si todo podrá regresar a la normalidad el próximo año ¿cómo ves el futuro de la industria de la música?
De verdad espero que podamos volver a un tipo de "normalidad" más cercano a lo que teníamos. Hemos estado planeando varios conciertos para el próximo año y realmente no vemos que existan muchos cambios hasta ahora; quizá una de las cosas es que muchos de los festivales, por ejemplo, te dirán que si quieres tocar en el evento, deberás transmitir el show también a través de internet. Creo que mucho se moverá hacia lo digital, lo cual no veo como algo malo, no me molesta.
Seguramente muchas personas están pasando por situaciones emocionales difíciles en estos momentos. Hay días donde uno no desea levantarse de la cama, te sientes apagado y triste. El estilo de música de Finntroll transmite mucha energía, ¿alguna vez imaginaron que estarían ayudando a personas en momentos de crisis con enfermedades mentales como la depresión y ansiedad?
Bueno, de hecho jamás había pensado que mi música estaría ayudando de esa forma a las personas, pero sé que es real porque a mi me pasó. Cuando fue el cierre de emergencia y me vi forzado a estar en cuarentena voluntaria por casi cuatro semanas aquí en Finlandia, me refugié en la música. Buscaba información de bandas y que es lo que estaban haciendo. Escuché mucha música y descubrí sus beneficios terapéuticos.
Me hace realmente feliz saber que nuestra música también puede ayudar a otras personas y esa era una de las razones por las que no queríamos retrasar el álbum. Lo tuvimos que retrasar un mes por problemas de producción y cosas del estilo. Pero ese fue el límite; no queríamos retrasarlo seis meses o algo así. Queríamos darle a la gente nueva música para escuchar y darles la oportunidad de disfrutarlo, pues ya sabíamos que la música ayuda mucho, tanto como me ayudó a mi. Créeme, descubrí muchas nuevas bandas en esas cuatro semanas.
¿Porqué le tomo 7 años a la banda darnos un nuevo álbum? ¿Fue un duro proceso de producción?
¡Definitivamente! Por alguna razón podríamos haberlo terminado cuando acabamos la gira de Blodsvept, pero nos tomó mucho tiempo y fue algo raro, porque estuvimos escribiendo nuevo material a la misma velocidad que lo habíamos hecho antes pero es que ese material no nos llenaba. Algo le faltaba a la música y sentíamos que iba en una dirección en la que no encajaba, era terrible. Después de eso, nos pidieron que hiciéramos el tour de aniversario del álbum 'Nattfödd' por lo que estuvimos distraídos con eso y luego llegaron más y más cosas...
Creo que fue en 2016 que volvímos a intentar, pero algo seguía sin funcionar. Teníamos el mismo problema, no lográbamos hacer encajar la música dentro del concepto del álbum. Así que decidimos tomarlo con calma, tocar algunos conciertos más y dejar que el disco fluyera por sí mismo... pero tampoco funcionó.
El año pasado durante una entrevista, un chico nos preguntó "¿y cuando piensan regresar con Finntroll?" y le respondí, "No, nunca lo dejamos de lado". Pero por alguna razón comencé a pensar si la gente pensaba que la banda ya no existía, que nos habíamos separado o algo así... y que de verdad necesitábamos lanzar un disco en 2020. Así que le escribí a nuestra disquera y nos dieron una fecha límite para el álbum. Por alguna razón, tener esa fecha hizo que las cosas comenzaran a avanzar de forma más fácil. Creo que mentalmente, estábamos procastinando las cosas porque no teníamos la presión de una fecha límite, como cuando tienes que hacer algo y piensas "Oh, sí, lo hago la próxima semana". Con una fecha en mente, debíamos escribirlo y pensábamos que si no lo lográbamos, la gente se olvidaría de la banda, lo cual nos ayudo a ejercer presión. Unos días antes de entrar al estudio de grabación, ya lo teníamos todo listo.
Me parece que este nuevo albúm es más cercano al death y black metal ¿fue intencional el hecho de que su sonido haya evolucionado a algo más pesado y denso?
Algo así. Creo que siempre hemos tenido ciertos toques de death y el black metal; en algunos discos, si le quitas el teclado, podría ser cualquier álbum de alguna banda sueca de la vieja escuela del death metal. Sin embargo ,en todos los álbumes tratamos de encontrar nuevos giros. Por ejemplo el álbum 'Nifelvind' tiene grandes arreglos orquestales, 'Blodsvept' tiene partes de saxofón y en este nuevo álbum - por alguna razón - se siente como regresar en el tiempo, a finales de los 90 y al sonido del black metal de Europa del Norte, claro, con teclados agregados y eso; así que Trollhorn (Henri Sorvali) sentimos mucha nostalgia al escribirlo y grabarlo, recordando nuestros gustos musicales de 1998 o 1999. Y creo que la gente que escuche el disco, podrá sentirlo. Es algo que decidimos desde un inicio, sonar a la vieja escuela, sonar a los años 90.
La conexión con la naturaleza y sus elementos, incluyendo sus criaturas, es un tema recurrente en sus letras, y ahora con este álbum un tanto más espiritual (por lo del viaje del chamán y la fuerza que lo guía, el árbol de la vida en el vídeo, etc.). ¿Es esto parte de su vida regular o solo lo usan para Finntroll?
Nosotros como banda tratamos de incorporar esos elementos en todos los discos, pero este último es un poco más personal; tiene mucho de las experiencias propias de Katjla en el campo del chamanismo y todo este tipo de creencias de la naturaleza. Es definitivamente personal y espiritual. En los viajes no solo hablamos de viajes espirituales sino también otro tipo de viajes físicos. Pero sí este álbum tiene estos dos lados, los viajes espirituales y físicos.
¿Que planes tienen como Finntroll para el futuro cercano?
Ahora mismo estamos trabajando en el tercer sencillo del disco para lanzar otro video y por supuesto, todo lo relacionado al lanzamiento del disco y su posterior promoción. Y yo, bueno, hago entrevistas todos los días [risas].
También estamos en búsqueda de eventos donde tocar. Este año, eso nos representó un trabajo doble, porque empezamos a principio de año planeando la gira europea para el verano y ya todo estaba listo. Creo que tuvimos que tirar todos los planes a la basura unos tres días antes de que la pandemia llegara. Actualmente estamos planeando todo nuevamente y esperamos no tener que moverlo otra vez, porque fueron muchos meses para nada. Muchas cosas están pasando ahora mismo, todo se juntó en estos meses. Tenemos que trabajar lo que deberíamos hacer en seis meses en tan solo dos, pero bueno, esta bien, de todas formas se tiene que hacer.
Creo que las portadas de los álbumes de Finntroll son muy artísticas ¿Quién hizo esta última?
Siempre ha sido nuestro guitarrista el que hace las portadas de los álbumes. Ahm, creo que la primera no la hizo él, pero todas las demás son totalmente su arte. Realmente me encanta la nueva portada; si no es mi favorita, sí está dentro de mi top.
Todo en la portada va de la mano con las letras de las canciones, hay elementos de las letras en ella. Siempre han sido una gran parte de Finntroll, toda la parte visual. Todo está conectado y también es genial que las personas puedan interpretarlo en su propia manera. Todo en Finntroll está conectado.
¿Tienen planes para volver a México pronto?
Realmente quiero decirle a todos que estuvimos muy tristes de tener que cancelar el festival Domination de este año y se que nuestros fans estuvieron igual de tristes. De verdad espero que podamos reagendar y volver a México tan pronto las fronteras se abran. No sé cuándo sucederá, pero definitivamente los tenemos dentro de nuestra agenda. Amamos el clima y la audiencia, y siempre logramos hacer grandes conciertos ahí. Esperemos todas las piezas se unan muy pronto...
Septicflesh - 'Infernus Sinfonica MMXIX'
Pocos momentos en la vida consiguen marcarte, para bien o para mal; una buena película, un delicioso café, nuestro primer beso o un excelente concierto. Septicflesh lo hizo hace poco más de un año, dejando fascinados a prácticamente todos y cada uno de los asistentes que tuvimos la fortuna de presenciar su increíble show en compañía de una orquesta sinfónica que nos hizo experimentar un orgasmo audiovisual digno de los dioses griegos. ¿Habrá podido enamorarnos nuevamente el álbum grabado en esa ocasión? Te lo contamos en nuestra reseña.
El titulado "Infernus Sinfonica MMXIX', de manera homónima al DVD grabado en vivo el pasado 2 de febrero del 2019, cuenta con un listado de 15 canciones con sonido ambiental totalmente captado desde el Teatro Metropolitan aquella noche en la que el infierno fue desatado gracias a la armonía de los acordes que de manera bastante delicada y estudiada, la banda y la orquesta consiguieron. Esto no es para nada negativo, si tomamos en cuenta que la producción estuvo tan perfectamente que cuidada que aún con audífonos de alta calidad, lograrás percibir detalles de fidelidad máxima en un nivel increíble.
La duración del álbum de Septicflesh, tomando en cuenta que en cortes entre canción y canción han sido eliminados momentos "muertos" que llegan a ser percibidos, es de más o menos 65 minutos, y vaya que cada uno de estos es extremadamente disfrutable, intempestivo y épico por igual. El diseño sonoro está tan bien realizado que te será bastante sencillo discernir entre el ruido del emocionado público, los aplausos al final de cada interpretación y la potencia que caracteriza a la banda desde sus inicios. El misticismo y temáticas inspiradas en las epopeyas de la antigua Grecia están perfectamente plasmadas y la experiencia vivida aquél día ha sido muy bien trasladada hacia la comodidad de nuestras casas.
En 'Infernus Sinfonica MMXIX', Septicflesh interpreta una hermosa selección de éxitos que han repasado su larga trayectoria (iniciada por allá de 1990), dejándonos disfrutar de temas como “Prototype”, “Communion”, “The Vampyre from Nazareth” y “Pyramid God” donde por cierto se aprecia la interacción que tuvo la banda con el público, al alentarnos para gritar “Burn” al ritmo los acordes. La energía y efusividad que Spiros Antoniou transmitía en aquella flamante noche también está muy bien impresa en el álbum y el énfasis en reforzar que todos somos hermanos y hermanas se encuentra siempre presente.
Para nuestra fortuna, los coros conformados por niños y adultos que en ese momento lograron sincronizarse perfectamente con el Death Metal y aquellas letras que refieren temas míticos, épicos, y referencias a H.P. Lovecraft combinan perfectamente con los acabados neoclásicos del lugar elegido por Eyescream Productions y Symphonic Experience, teniendo como producto final un excelente disco que te transporta de vuelta hacia aquella noche inolvidable que no podemos hacer más que aplaudir.
En conclusión, 'Septicflesh - Infernus Sinfonica MMXIX', es uno de los momentos más apoteósicos que seguramente ha tenido oportunidad de presenciar el Teatro Metropólitan, y de los mejores a los que todos los presentes podremos haber acudido y que por medio del álbum / DVD logrará llegar a un público todavía más grande alrededor del mundo. Una experiencia sonora que gracias a su calidad y producción logra ponerse al mismo nivel de aquel concierto irrepetible del que seguramente te arrepentirás por no haber ido.
Review por Victor Sánchez Juarez
Seether - 'Si vis pacem, para bellum'
“Si vis pacem, para bellum” (Si quieres paz, preparate para la guerra) es el octavo disco de la banda de origen sudafricano compuesta por Shaun W. Morgan, Dale Stewart, John Humphrey y su nuevo miembro Corey Lowery.
Producido por Morgan, y mezclado por Matt Hyde (Defotnes, AFI) el nuevo disco grabado desde el 2019 cuenta con un sonido grande, 13 canciones, y letras muchas veces muy intimas para el mismo Morgan, algo que ya es común en esta banda y que ha dejado plasmado en sus previas entregas.
Al iniciar este disco lo primero que alcanzamos a notar es ese sonido agresivo que ha caracterizado a la banda junto con la voz tan identificable de Morgan mostrando una definición impresionante del bajo y la batería en combinación de las guitarras distorsionadas y un beat perfecto, haciendo este un deleite para el oido, y que nos recuerda mucho la crudeza que la banda tenia desde su primer disco Disclaimer.
Y una vez que este disco inicia uno no lo puede parar con canciones que seguramente se van a volver un vicio para cualquier persona que guste de este genero y más para los que han sido seguidores de la banda por ya dos décadas.
Wasteland mantiene una perfecta combinación entre una parte melódica de verso “tranquila” y un poco mas de agresividad en los coros con un subyacente muy especial de una guitarra líder demostrando la habilidad y la combinación perfecta entre una base rítmica y una melodía dando una canción que sin duda se volverá un rápido favorito de muchos.
Dangerous es el primer sencillo desprendido de este nuevo disco mostrando un sonido mas maduro de parte de la banda, creando un sonido infeccioso al oido que si uno se descuida un poco puede traerlo sonando todo el día en la cabeza. Con un beat claro de parte de la batería que soporta todo mientras la voz, la guitarra y el bajo revuelven alrededor de él muestran a la perfección la clase de trabajo que se realizo en la mezcla del disco.
Este disco y el orden de sus canciones es simplemente una maestría entre cosas “tranquilas” y sonidos grandes que llenaran y superaran las expectativas de los admiradores de la banda y no solo de ellos sino de gente que no conoce a la banda o que se han quedado con la idea solo de una canción como Broken que llevo a la banda a un nivel mas popular al salir en el soundtrack de la película Punisher a inicios de los 2000.
Siguiendo con el disco hay joyas que destacan por diferentes elementos como Buried in the Sand, canción que desde el inicio muestra influencias de bandas legendarias o sonidos legendarios como el de Jon Bonham de Led Zeppelin en la batería.
Ya para este punto vamos a la mitad y el disco no muestra señas de disminuir sus sonidos grandes y completos o alguna canción que decepcione con esas guitarras con distorsión y la clara presencia de una guitarra líder que durante alguna época parecía un poco faltante en la banda mostrando lineas melódicas sublimes para acompañar las letras y la voz a veces desgarradora de Shaun Morgan.
Este disco definitivamente tiene algo para todos desde canciones pesadas “soft” si podríamos llamarle de alguna manera hasta canciones que nos llevan a un grito de guerra con potencia como el caso de Beg, con su coro “Hey Motherfucker” que nos influye a hacer un headbanging total con un gusto que puedo decir tenia un buen tiempo sin sentir.
Como bien era esperado este disco no faltan canciones llegadoras como en algún momento tuvimos con Rise above this (inspirada en el suicidio del hermano de Morgan), y Drift Away es la muestra perfecta de ello, donde la letra realmente lo lleva a uno a un lugar especial y que puede dar una gran muestra de la madurez que ha adquirido Shaun Morgan como escritor y de una canción que si realmente escuchamos puede darnos incluso una enseñanza no solo un gran sonido.
Pride Before The Fall es posiblemente la canción que mas muestra un trabajo de producción perfecto desde el momento que abre la canción con guitarras respondiéndose en estéreo, y solo creciendo que al igual que muchas de las canciones que incluye el disco es seguro muchos seguidores esperaran con ansias verlas en vivo por el ritmo tan contagioso y esos momentos de liberación que tiene durante sus coros.
Y después de toda una montaña rusa que lo mantiene a uno atado al disco Written in Stone viene a buscar darnos una salida perfecta de un disco que recomiendo mucho escuchar desde el principio, que si bien cada canción puede como se diría en ingles “hold on its own” soportarse ella sola, tienen una coerción tan especial cuando se oye el disco todo seguido, posiblemente Written In Stone si es la canción mas tranquila del álbum y logra de una manera impresionante volvernos a bajar a una vida cotidiana después de toda la adrenalina y la energía que este disco puede llevar a uno durante su casi hora de duración.
En conclusión este es posiblemente uno de los mejores álbumes que este 2020 podrá entregar en especial dentro de este genero, balanceado, con grandes letras y un sonido impresionante, costara trabajo que muchos seguidores asiduos de la banda no consideren este como uno de sus mejores discos (nunca me gusta catalogar una obra de trabajo como su mejor trabajo solo porque es el nuevo material) pero si muestra una gran maestría de composición así como un toque de ingeniería y mezcla que cualquiera puede disfrutar. Me encantaría dar una lista de canciones que recomiende pero siendo honestos me ha gustado mucho como para poder dar una lista especifica y si vale la pena que cada quién descubra sus favoritas.
En particular recomiendo mucho este disco en un par de escenarios covidianos, (ya que es justo en medio de la pandemia que nos esta tocando escucharlo y dudo se pueda escuchar prontamente en una situación en vivo): En algún recorrido o paseo en el carro (creanme será un gran soundtrack para cualquier salida) o simplemente a un buen volumen para descargarse de todo y tener un gran momento melomano con una sencilla joya musical.
Review por Leonardo Treviño.
Heartagram - 'Gothica Fannica Vol.1'
Ville Valo, quien fuera líder de la banda finlandesa HIM, dio señales de vida con el sorpresivo lanzamiento del EP “Gothica Fennica vol. 1” que compila tres canciones bajo lo que parecer ser el nuevo plan del músico de 43 años, un proyecto que se firma simplemente con las iniciales de su nombre: VV.
La madrugada de este 20 de marzo, VV utilizó las redes digitales de su extinta banda para colgar oficialmente los tres tracks que componen esta producción: “Salute The Sanguine", "Run Away From The Sun" y "Saturnine Saturnalia".
En medio de la emergencia sanitaria mundial por un virus de alto nivel de contagio, estas tres canciones cayeron como bálsamo para los seguidores de HIM alrededor del mundo, y es que son tres canciones que podemos ubicar perfectamente en la línea musical que colocó a esta agrupación en el gusto de su base de fans: un rock suave, oscuro, melódico y pegadizo.
"Salute the Sanguine" danza entre lo último de HIM (su octavo disco “Tears on Tape”) y el álbum que les dio fama a nivel mundial, el Dark Light. Una pieza que suena al más puro estilo HIM, mezclando su vieja y nueva escuela, con coros rítmicos, una batería consistente y una lírica que, sin duda, viene de la vena de Valo. Salute the Sanguine cierra entre susurros y una rítmica en descenso que se apaga para dar paso a "Run Away From the Sun".
"Run Away From the Sun" pareciera una pieza perdida del Screamworks, uno de los discos de HIM más ricos en letras, más suaves y menos apreciados; con esta canción, VV hace alarde de su habilidad de contar historias en forma de baladas, con las palabras más simples de amor, dolor, melancolía y redención, todo con esa clase de elegancia finlandesa que lo dibuja. Run Away from the Sun se arriesga en su clímax con un toque de synth pop que se rompe de pronto con los rasgueos característicos de la música HIMezca.
El EP cierra de manera magistral con "Saturnine Saturnalia", una pieza que nos lleva más hacia la era de Venus Doom; VV echa mano aquí de su habilidad vocal, yendo de graves a altos, pasando por ecos, latidos, coros y una base musical en la que se adivina el bajo de su compañero de HIM: MIkko Paananen. El remate de esta canción es lo más metal que vas a encontrar en este EP.
Con Gothica Fennica Vol. 1, Ville Valo explora sus capacidades de compositor llevándonos a paisajes nostálgicos, con historias poéticas, melodiosas, brillantemente oscuras. VV obtiene así la mención honorífica en la graduación de su propia escuela: el Love Metal.
Reseña por Karina Coss
Hell and Heaven 2020: Saliendo adelante a pesar del miedo y la incertidumbre
Vivimos en tiempos de terror. Las noticias sobre la pandemia de COVID-19 inundan los medios electrónicos y no hay un momento en que las publicaciones en nuestras redes sociales no nos hablen sobre los cientos de muertos e infectados no aparezcan ante nuestros ojos. Sin duda necesitamos un descanso y el fin de semana pasado tuvimos uno de los últimos descansos mentales que tendremos en las próximas semanas.
A pesar de todo y en un remolino de cancelaciones culpa de la pandemia, se llevó a cabo la edición de décimo aniversario de Hell and Heaven, el festival de metal más importante de Latinoamérica en el Foro Pegaso de Toluca. A pesar de estar anunciadas, bandas como Megadeth, King Diamond, Cypress Hill, Fleshgod Apocalypse y varias más se vieron obligadas a bajarse del barco debido a las restricciones en vuelos y viajes impuestos en sus respectivos países a tan solo unas horas del inicio de sus vuelos.
Un ambiente de tensión se sentía en el ambiente, ¿qué sucedería con el festival? ¿Se pospondría? ¿Las autoridades decidirían evitar eventos masivos? ¿Se quedaría sin bandas? Sin embargo, todo eso se fue disipando en cuanto las puertas del Pegaso se abrieron. La gente, aunque en cantidad mermada a lo esperada por todo lo acontecido y por supuesto, el miedo a un contagio, empezó a llegar y ver que todo estaba bien. En los cuatro escenarios que el festival colocó para esta ocasión comenzaron a desfilar las bandas una tras otra con un público que comenzaba dudoso y apagado pero que terminó en éxtasis.
El festival no tuvo una cantidad numerosa de actividades extramusicales. No vimos las grandes activaciones de marcas reconocidas, pero en cambio vimos lo que un festival de música debe ofrecer: grandes conciertos, sobre todo el sábado que fue el día que se vio menos golpeado por la pandemia. El debut de Powerwolf fue impresionante, con la gente coreando al unísono todas sus canciones. Jinjer cerrando el festival de forma poderosa y estrenando su nuevo álbum, 'Macro'. Los legendarios Deep Purple haciendo lo que mejor han sabido hacer por los últimos cincuenta años y además, con la participación especial de Jordan Rudess, ¡una delicia! Amon Amarth demostrando con gran magnificencia porque son uno de los actos de metal más vanagloriados del planeta, con un poder aplastante y que muchos consideran fue la mejor banda del planeta. Los hermanos Cavalera y Static X hicieron retumbar Toluca con sus grandes éxitos. ¡Que alguien se atreva a decir que no fueron grandes noches!
Punto aparte se merece la primera vez de Manowar en México. Tal vez no hayan tenido la reacción que generaron bandas como Amon Amarth o Powerwolf en el público. Tal vez no tengan la conexión con el público de los Cavalera o Rhapsody (otra gran concierto, por cierto). Tal vez no tengan la relevancia actual de Jinjer. Pero Manowar es una banda legendaria a nivel mundial e igual de histórico fue el show que dieron en Hell and Heaven. Sí, llegan a ser tediosos después de un rato de "Victoria", "Odin", "Metal" y "Valhallas" (sí, sí, ya te entendimos) pero su espectáculo es genial. Una excelente producción en conjunto con una gran banda que sabe entretener, grandes músicos como Joey DeMaio y el impresionante nivel vocal de Eric Adams fueron la formula del éxito. ¡Ah, por cierto! Quedó grabado para la posteridad y será lanzado en Bluray próximamente.
A nivel de producción, el festival cumplió con creces. Buenas instalaciones, buenos escenarios, buenas -aunque no tan variadas- opciones de comida, los baños estuvieron bien -y además con lavabos para que te pudieras lavar las manos con agua y jabón y evitar un contagio-, la cerveza estaba fría, la seguridad fue correcta, el audio fue bueno - excepto con un par de casos como Phil Anselmo y Static X por momentos. Eso es todo lo que se necesita para tener una buena experiencia.
De seguir con este camino, el futuro de Hell and Heaven luce brillante. Sí, todavía hay cosas por pulir, la empresa promotora tiene todavía que aprender a no caer en los mismos errores del pasado, pero sin duda ha sido un buen inicio rumbo a la consolidación y sobre todo, hacia un renacimiento, con un nuevo rostro y una nueva actitud.
Dicen que después de la tormenta, viene la calma. Y después del tremendo tormentón que sufrió el festival para poderse llevar a cabo, se merece un buen tiempo de tranquilidad. ¡Y que venga el 2021!
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Less Than Jake en Guadalajara: La banda que revolucionó al ska-punk
La noche del 31 de enero, por fin pudimos ver a Less Than Jake en Guadalajara, una de las bandas más icónicas de la escena del Ska-Punk en Estados Unidos, originarios de Gainesville, Florida y formados desde 1992 por Chris DeMakes.
El evento inició en punto de las 9 PM en el C3 Stage, las bandas encargadas de abrir fueron NO NEIM y Rikita Banana, una banda originaria de Mérida, Yucatán con canciones como “Te Rogué”, “Tal Vez Mañana” y “La playa”, dieron inicio a una noche épica para el ska-punk en Guadalajara.
¡Eran momentos de ansiedad ya que el equipo de Less Than Jake estaba preparando el escenario para poder escuchar al “Ska-Punk de Florida”! Momentos después, salieron Roger Lima y Chris DeMakes ¡En esos momentos la gente explota!
El set comenzó con “Gainesville Rock City”, canción de su cuarto álbum “Borders & Boundaries” (2000), seguida de “Johnny Quest Thinks We're Sellouts”, de su álbum “Losing Streaks” (1996).
La química entre Roger Lima y Chris DeMakes era sublime con su público, ya que se les notaba la emoción de estar tocando en tierras aztecas, al estar lanzado chistes durante el show, y comentarios de cuán agradecidos estaban de presentarse en Guadalajara.
La noche siguió con sus clásicos y éxitos como “Magnetic North”, con un público alarido coreando cada una de las canciones que tocaban, la fiesta del Ska-Punk en Guadalajara siguió con “Dopeman”, “Plastic cup Politics” y “History of a Boring Town”, entre otros éxitos de la noche, con una entrega total de parte de sus fans quienes estaban presentes en un venue casi a su máxima capacidad.
Sin duda, fue una de las mejores noches que personalmente he tenido, esta banda ha marcado época en la historia del género, sus letras enérgicas y su excelente vibra hace que Less Than Jake, sin dudarlo un poco, sea una de las mejores bandas de la escena punk en la actualidad,y esperemos nos sigan regalando este sonido tan particular que la banda tiene, y recuerden ¡Punk is not dead!
Reseña por: Rogelio Bricio
Fotografías: Rodrigo Cerda
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