Monolord - 'No Comfort'
Hablar de Monolord, es hablar de estridencia, densidad y potencia. Un ente oscuro te envuelve al escuchar las melodías poderosas, lentas y ruidosas, creadas por el trío de Otemburgo, Suecia, quienes hoy han lanzado su nuevo material llamado "No Comfort", bajo el sello de Relapse Records.
Seis tracks lóbregos son los que conforman éste nuevo álbum, el cuál con sus casi 50 minutos de duración, nos atrapa y se adentra lentamente en nuestras entrañas, bajo un extraño sentimiento de querer que eso no acabe, y es una dosis del mejor "estupefaciente sonoro" que todo fanático del stoner/doom pudiera pedir.
Todo inicia con "The Bastard Son", el mismo que también fue lanzado como primer sencillo cuando se dio a conocer la noticia del "No Comfort", y funciona como una buena introducción y preparación para todo lo que se viene después.
"The Last Leaf" fue el segundo sencillo lanzado previo al estreno del material, y contó con video oficial, un gran trabajo que nos lleva directamente a explorar las sensaciones de soledad y de destrucción, uno de los temas favoritos del álbum (personalmente). Se sabe que este tema fue escrito en los tiempos en los que componían su anterior material, pero que consideraron no encajaba en ese momento, y quizá esperar fue la mejor decisión.
A continuación llega "Larvae", un tema que ligeramente baja la intensidad que hasta el momento reinaba, pero que es una verdadera y grata sorpresa dentro del álbum, destaca muy fácilmente, es de ese tipo de canciones que sin su presencia, el material no sería el mismo, pues tiene vida propia y a su vez le da más sentido al trabajo completo.
Mantiene el tema de la muerte, de los tormentos o conflictos personales, del engaño, la pérdida de fe y de la llegada a la conclusión, en la que todo parará cuando llegue el final de la vida: "Tired of truth in disguise, It's all gone when you die..."
"Skywards" aparece después y nuevamente la música sube su intensidad y como su nombre lo dice, trata de elevarnos al cielo, mientras nos habla de la libertad propia, del fluir y hacer a un lado los sentimientos o preocupaciones que nos frenan o nos mantienen preocupados.
"Alone Together" es el track más corto y sereno del "No Comfort", y es el que nos prepara para el final, tal vez de la misma manera en que la letra nos dice "Caminando muy despacio, moriremos"
Hemos llegado al final, acompañados de "No Comfort", mismo que le da nombre al disco y el cuál es el track de mayor duración dentro del mismo.
Estamos llenos de terror, de penas y oscuridad, la lenta melodía y su letra nos lleva a pensar en todos estos sentimientos y en lo que pasará cuando llegue el día de nuestra muerte.
Un cierre perfecto para un material estupendo, que mantiene su esencia y nos muestra a un Monolord que ha evolucionado de una manera magistral, que nuevamente nos tiene estupefactos ante su obra musical.
No Comfort, el cuarto material de la banda, es una verdadera joya, por decirlo de alguna manera, y nos demuestra que Monolord no hace discos sólo por hacerlos, sino que se toman muy en serio su labor de hacernos explotar la cabeza y viajarnos por ese mundo "mágico" y oscuro que generan sus riffs, y es una excelente continuación de su anterior placa "Rust", la cuál fue también un magnífico material, y merecía tener un sucesor del mismo calibre.
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Tool - 'Fear Inoculum'
Trece años tuvieron que pasar para que por fin pudieramos tener un álbum de Tool. 'Fear Inoculum' es apenas el quinto álbum de una banda que a pesar de tener más de 3 décadas de carrera musical es bien conocida por tomarse su tiempo en la creación y experimentación de su música y que sin embargo, se sigue manteniendo fiel -tal vez demasiado fiel- a su sonido logrando un balance perfecto entre evolución y respeto a su identidad.
Por obvias razones, las expectativas que el mundo generó alrededor de 'Fear Inoculum' fueron gigantescas y podemos decir que la banda supo sortearlo con grandeza y entregar un trabajo sobresaliente donde todas las canciones se van cociendo a fuego lento para ir incorporando poco a poco los elementos que hacen que Tool, sea Tool. Hay que recordar que ninguna de las siete canciones que conforman este trabajo tiene menos de 10 minutos de duración, por lo que la paciencia es una virtud que tienes que usar para comprender a la banda y su arte.
El álbum abre con la canción que le da título, envuelto en un aire tribal que le dan los ritmos de la batería de Danny Carey siguiendo la voz de Maynard J. Keenan quien ha dejado para otra ocasión la rabia que pudimos escuchar en trabajos como 'Ænima' o 'Lateralus', para reemplazarla por una voz suave y sigilosa que nos va llevando a lo largo del viaje.
Esto puede ser para algunas personas el punto más débil del disco, pues si bien es cierto que nos podríamos deshacer en elogios a la parte instrumental de 'Fear Inoculum', Maynard ha decidido permanecer detrás del telón dandole total protagonismo a sus compañeros. Ahora, con 55 años de edad, el cantante se pone a si mismo en un papel secundario, lejos de los reflectores y de los desgarradores gritos de antaño que hacían se nos enchinara la piel.
'Descending' es uno de los puntos más sobresalientes del disco, desafiando al escucha en una creciente progresiva que termina desatándose a la mitad de la canción y demostrando que además de música, Tool es discurso. Keenan te grita a la cara que el rumbo que ha tomado la humanidad nos está llevando a la destrucción. "Come, our end, suddenly / All hail our lethargy / Concede suddenly". Una joya.
Si alguien merece un reconocimiento especial en 'Fear Inoculum' es sin duda Danny Carey. Ya todos sabíamos que estamos frente a uno de los mejores bateristas del mundo; sin embargo en esta ocasión ha puesto el pedestal aún más arriba dándose el lujo de crear y armar a su antojo con mención honorífica en 'Chocolate Chip Trip', una cosa tan extraña como magnífica y que debe ser admirada como una oda de Danny Carey a si mismo y su habilidad.
Para darle un cierre digno al disco, Tool nos golpea en la cara con '7empest', una de las mejores canciones que la banda haya creado en toda su carrera. A lo largo de casi 20 minutos de duración, el cuarteto nos conduce a una tormenta de riffs tan diversos como creativos, con un Adam Jones totalmente inspirado y que junto a las agresivas líneas de bajo de un Justin Chancellor en su mejor momentos hacen que el tiempo no parezca pasar. Después de semejante revolcada, no te queda de otra más sonreír totalmente extasiado.
Tool con 'Fear Inoculum' ha logrado mantener el cetro que les ha pertenecido desde hace muchos años, con un álbum redondo, lleno de misterio, misticismo, mensajes ocultos que tal vez nadie fuera de la banda pueda descifrar jamás.
Bien dice el dicho, "si algo no está roto, no lo arregles" y es bajo esta premisa que Tool continúa evolucionando su sonido, pero sin renunciar a lo que les ha dado un lugar de privilegio en la escena musical a nivel mundial. Pasaron 13 años para tener un nuevo álbum de Tool y no sabemos cuanto tiempo pasará para tener otro si es que sucede. ¿Valió la pena? Sí, totalmente.
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Slipknot - 'We Are Not Your Kind'
Tras cinco años de silencio musical, Slipknot hace su regreso triunfal con 'We Are Not Your Kind', un disco que deja bien claro de donde viene la banda y hacia donde quiere ir a partir de ahora tras veinte años de carrera.
El álbum abre de forma misteriosa y lenta con 'Insert Coin', que da paso al primer sencillo del disco, 'Unsainted', una canción sólida y que pega directamente a quien escucha, construida por los guitarreos constantes de Mick Thomson y Jim Root. Gran forma de comenzar.
En este nuevo álbum, Corey Taylor hace gala de su estilo y la dualidad de su voz, pasando de una furia incontenible a suaves coros totalmente melódicos en canciones como 'Nero Forte', 'Critical Darling' o 'Not Long for This World'. Esta dualidad es lo que mejor podría describir la esencia misma del nuevo trabajo: el fuego y la potencia de ese Slipknot que todos recordamos en 'Iowa' o 'Subliminal Verses' en una perfecta mezcla con los sonidos más melancólicos y ligeros comunes en sus más recientes producciones.
A lo largo de todo el álbum, se pueden escuchar reminiscencias obvias de la intención de Slipknot que retomar el sonido que los hizo famosos en el ya nombrado 'Iowa'; desbordando agresión, ira y poder por todos lados en temas como 'Red Flag', o el segundo sencillo, 'Solway Firth' que estamos totalmente seguros harán las delicias de los moshpits en los shows que la banda dará a lo largo de su nueva gira.
'A Liar`s Funeral' es la canción encargada de bajar un poco las revoluciones después del brutal inicio. Un intento de balada al más puro estilo de la etapa 'All Hope Is Gone' bien estructurada y que hace lucir a Taylor en su faceta más "delicada", que solo se rompe por momentos con un grito desesperado.
Mención aparte deberemos hacerle a 'Spiders', tema inusual y que parece no encajar con las demás pero que tiene su encanto propio al parecer sacada de una película de terror. Incluso, nos recuerda al tema principal de la serie cinematográfica 'Halloween'. "The spiders come in side by side / Two by two and night by night / Who is food and who is thrown away?"
'We Are Not Your Kind' es un guiño al pasado, a las raíces más duras y potentes de Slipknot, pero con un estilo revitalizado y fresco, totalmente balanceado con las tonalidades más suaves que la banda ha agregado a su sonido en los últimos discos; una evolución que demuestra una perfecta madurez sin perder ni un ápice de lo que el nombre de Slipknot significa para el mundo.
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Batushka - ‘Hospodi’
Batushka es una banda de Black Metal que de inmediato se convirtió en un fenómeno de culto dentro de la escena metalera por sus discos litúrgicos llenos de grandes pasajes sonoros oscuros y místicos, así como por su imagen y concepto arriba del escenario. Tristemente el Diablo obró para mal y puso punto y aparte a esta historia, y dividió a Batushka en 2 partes: una con Krzysztof Drabikowski, guitarrista y fundador del grupo; y otra comandada por Bartłomiej Krysiuk, probablemente la parte “mala” de la historia al menos ante los ojos de la gran mayoría de los fans. Es esta última parte la que en julio lanzó su nuevo trabajo “Hospodi” vía Metal Blade Records. ¿Resultado? El nombre no hace al talento, sino al contrario..
Para resumir la nota podemos contestar 2 preguntas: ¿Es un mal disco? No: si hubiera sido hecho por cualquier otra banda de sonido parecido podríamos hablar de un trabajo bien logrado por lo menos dentro de la media habitual. ¿Es un buen disco? Tampoco, porque es un disco lanzado con el nombre de Batushka; y la calidad sonora del trabajo le queda corta al nombre que revolucionó a la escena del metal hace unos cuantos años.
Es notable la ausencia detrás de este nuevo Batushka de Drabikowski, ya que pese a que las vocales y ciertas atmósferas
recuerdan al sensacional “Litourgiya”,
de inmediato se nota que la búsqueda de mantenerse vigente y con un sonido que
atrape fue infructuosa. Este nuevo Batushka
insistió mucho en declaraciones previas que este trabajo sería distinto a
lo que estábamos acostumbrados, pero al parecer más que por gusto fue por incapacidad
de lograr redondear una entrega con el atrapante magnetismo del primer Batushka. Para mí es como emprender un
viaje por el desierto de noche, entrando a través de “Wosglaz” y emprendiendo el caminar con el primer título como tal
de larga duración “Dziewiatyj czas”. Mencionaba
al desierto oscuro porque esa es la sensación: vacío, yermo y desoladamente
igual levantando la vista al horizonte. Porque puedes echar a andar por “Wieczernia”, “Powieczerje” y “Polunosznica” y sigues con el mismo
sabor de boca arenoso y tedioso en
espera de un oasis musical que nunca llega. Al black metalero de cepa acostumbrado a discos que todas las canciones
suenan iguales podría no molestarle, pero para quienes nos enganchamos con Batushka por ser un concepto sorpresivo
y muy original la verdad hasta aburrido puede parecernos.
“Utrenia” pasa de largo sin nada que comentar ya que lo que pudo ser una buena canción queda ahogado en una interminable laguna sonora que se vuelve tediosa, y “Pierwyj Czas” es quizá el track que con sus coros sacros acentuados se acerca un poco al Batushka que uno esperaba escuchar.”Tretij Czas” me da la idea de un mero puente musical de nuevo monótono para cruzar a “Szestoj Czas” que es un buen tema; quizá uno de los que pueden conseguir aunque sea por un momento ese palpitar de piel que en un show de la banda se mantenía en las venas cada instante. “Litourgiya” cierra el trabajo y al final uno se queda decepcionado de haber recorrido un camino tan largo en línea recta, para nada. Sin duda el nombre está, las voces y ciertos aspectos están; pero el talento y la originalidad se quedó allá, en la otra mitad de Batushka.
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Abbath - 'Outstrider'
Tal parece que los dioses del invierno del norte se han vuelto a poner de buenas porque apenas hace unos días Abbath ha hecho su entrada triunfal con su nuevo álbum 'Outstrider', mismo que trae de vuelta al exvocalista de la banda de Black Metal Immortal.
Publicado por Season of Mist, 'Outstrider' muestra a un Abbath con sed de venganza, luego de que en 2014 disputara legalmente los derechos de Immortal contra los integrantes Horgh y Demonaz quienes se quedaron con el nombre y el año pasado publicaron un nuevo disco. Con ello, Abbath se separó del grupo y debutó como solista en 2016 con su álbum homónimo.
Este nuevo álbum presenta el sonido clásico que Abbath ha manejado en sus composiciones. En cuanto a la voz es la misma que se ha conjugado siempre con los fuertes e incesantes riffs que caracterizan al experimentado músico noruego.
Por un momento, el inicio 'Calm in Ire (Of Hurricane)' tiene tintes que se asemejan a All shall fall, mientras que el sonido en general del disco es muy parecido al que presenta el álbum At the Heart of Winter. Mientras que en Bridge of Spasms se puede encontrar a una de las piezas más potentes y contundentes de toda la producción. Desde el comienzo se escuchan constantes riffs (algunos al más puro estilo de Abbath) con el sello de la casa. No cesa.
Por otro lado, hay algunas rolas en las que se pueden escuchar solos de guitarra que se adhieren a la perfección a la composición. Claro está que Abbath nunca ha sido de ejecutar tantos solos, pro en esta ocasión lo hace bien jugando con las características de su música.
La furia de Abbath se puede percibir desde el título de algunos temas, llenos de odio sin perder el clásico estilo del guitarrista noruego que, desde la década de los noventas, le ha dado cierto prestigio dentro de la escena del Black Metal. Ejemplo claro de ello es el cover a Pace 'till Death de Bathory que cierra el álbum con metal negro puro.
Si, los dioses del invierno del norte se han vuelto a poner de buenas porque Abbath muestra su músculo con esta nueva oportunidad que le da la música de poder reivindicarse ante quienes le hicieron mala jugada. La opción ahí está, falta poder apreciarla y hacer un juicio adecuado de ella.
Además, la cerecita del pastel: Para alegrar a sus fans en México, Abbath anunció una fecha para el próximo 02 de noviembre en el Circo Volador, como parte de la gira mundial de presentación de Outstrider, que ya se encuentra disponible en el canal oficial de Youtube de Season of mist, así como en las diferentes plataformas streaming. Si eres fan de la vieja escuela del Black Metal que practicó Immortal por muchos años, vale la pena escucharlo.
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Anathema trajo su lado más acústico a México
Anathema es una banda que se ha transformado a lo largo de su carrera y ha experimentado de diversas maneras, logrando su música haya recorrido un camino de muchas variaciones y cambios.
Los originarios de Liverpool, volvieron a Guadalajara el pasado 23 de enero, en esta ocasión, ofreciendo un show en formato acústico, para celebrar los 20 años del "Alternative 4", uno de sus albums más emblemáticos. La fila lucía larga a las afueras del C3 Stage y el entusiasmo de la gente se notaba al ingresar al foro, donde ahora se creaba una nueva fila, para surtirse de cerveza previo a tomar sus lugares para presenciar un show que pintaba para ser especial, emotivo y lleno recuerdos.
Sin banda o proyecto telonero, Daniel Cavanagh (quien en repetidas ocasiones le pidió silencio al público) fue el primero en pisar el escenario y hacer sonar los acordes iniciales alrededor de las 21:00hrs, uniéndose Vincent minutos después, listos y decididos a juntos dar comienzo a su acto "para verdaderos fans" (como se estuvo anunciando) y así satisfacer al numeroso público asistente en el lugar, quienes entusiasmados coreaban canción tras canción.
Ya entrados más en el show, cerca de 40 minutos después de comenzado, Duncan Patterson con su bajo, hizo su aparición en escena y se unió a los Cavanagh para dar continuidad al set especial para la ocasión. El conjunto de voces de los hermanos Cavanagh, guitarras acústicas, loops, bajo, teclados, etc, hicieron sonar canciones como “Untouchable Pt.I & Pt. II”, “Thin Air”, “Temporary Peace”, “Fragile Dreams”, “Angelica”, por mencionar algunas, se disfrutaron de principio a fin, y fue al finalizar el tema “Hope” (cover de Roy Harper), cuando el trío dio las buenas noches y se retiró del escenario, al parecer demostrando que no son fans del “Encore”, ya que algunas luces del sitio se encendieron y la música de fondo comenzó a sonar, ante la expectativa y extrañeza de los asistentes, y así fue durante varios minutos, hasta que Daniel regresó al escenario a interpretar “High Hopes” de Pink Floyd, para después tocar un par de temas más al lado de Vincent, y así poner punto final al concierto y a una noche especial en la que se tuvo un evento que dejó satisfechos a todos y que a más de alguno le hizo brotar diversas emociones y sentimientos.
DIMMU BORGIR - 'Eonian'
Han pasado 24 largos años desde que la fortaleza oscura de una banda se hizo presente en la escena del black metal noruego de los noventas. Con energía, sapiencia y mucho talento, Dimmu Borgir supo abrirse paso entre la entonces voraz generación de black metal en Escandinavia. La ola musical absorbió a muchas bandas, no a Dimmu Borgir, que se supo colocar en el atril del black metal sinfónico.
Ese estilo único que pocos dominan como Dimmu Borgir es lo que lo hizo posicionarse como un emblema entre sus fanáticos. Abrahadabra vio la luz en 2010. Desde entonces la banda no publicó ningún material, aunque si realizaron diversas giras a nivel mundial hasta el año de 2014 que realizaron una serie de conciertos al lado de una orquesta sinfónica en vivo.
Una ilusión de tiempo de casi siete años de sequía oscura y, en 2018, para celebrar su 25 aniversario, presentan Eonian, un álbum que da a conocer una faceta desarrollada de aquel Abrahadabra. En esta ocasión llegan con un toque melódico muy marcado. Los elementos sinfónicos están más presentes, aunque en ocasiones ciertos pasajes recuerdan al glorioso In sorte diaboli, el ambiente que logran en sus melodías es interesante ya que logra establecer un particular vínculo con el oyente. El trabajo artístico de la portada corrió a cargo del diseñador Zbigniew Bielak.
Como parte de la promoción del disco lanzaron los sencillos “Interdimensional Summit” y “Council Of Wolves And Snakes “, mismos que cuentan con videoclip. “The unveiling” Abre el telón para mostrar la primer canción del repertorio.
Parece que el disco fuera una sola rola partida en diez. En realidad encontramos diversos elementos que hacen que el álbum se disfrute con el paso de cada track. El característico sonido de guitarra de la banda, que solo Galder y Silenoz son capaces de crear, se manifiesta a lo largo del disco; para ejemplo: “The empyrean Phoenix” y “Lightbringer”. La voz de Shagrath, el mejor factor en las melodías.
Por momentos se identifican rasgos del sonido propio de la vieja escuela del black metal, acompañado de un peculiar sonido de sintetizados que suele acompañar las piezas. Esto se puede escuchar en el track “Archaic correspondence”. El cierre corre a cargo de un tema instrumental bien logrado llamado “Rite of passage”. Un perfecto final para la obra que la banda ofrece a sus fans.
Claro está que lejos quedaron aquellas épocas de sus clásicos Enthrone Darkness Triumphant, Puritanical Euphoric Misanthropia e Insorte Diaboli pero la fortaleza oscura de la banda se transformó, y en Eonian encontramos un Dimmu Borgir más filosófico y racional.
NUCLEAR CHAOS - 'Unite'
Nuclear Chaos es una banda de death metal melódico radicada en la Ciudad de México, la cual ha ido subiendo su fama como la espuma y es un invitado cada vez frecuente en los carteles de festivales con lo más selecto del metal nacional. Suelen también figurar al lado de figuras reconocidas del ámbito como invitados de lujo llevando el alto el metal mexicano. Tuvimos la oportunidad de tener la pre-escucha de su más reciente trabajo “Unite” y aquí te contamos con que te vas a encontrar.
El álbum abre con “Remain in the darkness” con uno de esos intros prolongados y de riffs desoladores en los que luego la segunda guitarra imprime poder para dar paso a la guturación. Si eres fan de sonidos estilo Arch Enemy (sobre todo en la época Angela Gossow) este track es para ti. “Trough the trail” continua con esta tendencia en cuanto al sonido, aunque la montaña rusa de aceleración y pausa melódica para volver a subir de manera posterior es mucho más marcada. “Mi guerra” es un tema en español que arranca con esos sonidos tribales mas emparentados con bandas como De La Tierra, con un excelente acompañamiento de voces femeninas con las vocales de Driven, otro excelente proyecto nacional. Las colaboraciones continúan, y ahora es turno de Andrei Pulver (Lack of remorse) y Mao Kanto (S7N), 2 de las voces más reconocidas y que van en ascenso dentro de la escena metal-hardcore en el que es por mucho de los mejores tracks hasta este momento.
Para armar el slam llega entonces a la mitad del camino “No Salvation”, un tema bestial de esos que parecen diseñados para matarse en el moshpit y con la colaboración de Punch Craven que lo convierte en el que sería sin duda el himno de quienes le tiran a matar o morir en los agujeros de golpes y empujones. Después del sonido animal del último track, hay que tomar aire y para eso llega “Ashes”, mucho más melódico que su predecesor pero sin perder pesadez. ¡Pero agárrate!, porque ese receso se va al carajo de inmediato con “Pain is an illusion”, otro verdadero mazo de velocidad y poder con un coro más sublime eso sí, pero que de inmediato es devorado por el ritmo metrallante que predomina en la canción.
El disco va llegando a su fin y “Desolate” como su nombre permite asociar, nos lleva a matices mucho más relajados y yermos, lo cual va dándole un excelente balance y pluralidad de melodías final a toda la producción. Para cerrar el disco, la banda decide dar el cerrojazo con “Revenge”, una excelente decisión porque es de esas canciones que sin saber como explicarlo, sabes fueron diseñadas para cerrar el disco; porque son buenas y fuertes pero hay un algo indescriptible con palabras que te dice que no habrá nada mas adelante. Y el cierre de telon es con una melodía brutal y agresiva, bien hecha y con mucha potencia que te deja muy satisfecho al final de la escucha.
En conclusión, “Unite” es un trabajo fuerte, completo y muy bien hecho y producido. Con el balance perfecto entre guturales y voces melódicas, y un orden de canciones que matan por completo cualquier linealidad y te sorprenden en cada track.
Nuclear Chaos se ha sacado un álbum de esos que ponen el alto el nombre de México en cuanto a metal de alta manufactura se refiere. Esperamos de verdad la gente lo escuche pues no le pide nada a lo que sacan bandas similares del género de otros países.
COVENANT: baile y ritmos etéreos en el Plaza
Creo que los eventos de este género en nuestro país han evolucionado de forma tal que no les pide nada a los de países Europeos. Tal es el ejemplo con la magistral velada de la noche del pasado 16 de Septiembre en el Plaza Condesa gracias al esfuerzo de Eyescream Productions de dos grandes de la escena electro-underground: Aesthetic Perfection y Covenant.
En punto de las 8 de la noche, sin ningún tipo de retraso, se deja escucha "Open Wound" para "derramar un poco de sangre" y empezar formalmente el acto con "Antibody". La presencia de Daniel Graves ataviado con una mezcla muy interesante entre lo "chic" y lo industrial, hacen conceptualizar visualmente lo "Industrial Pop" término con que el mismo Graves define su estilo músical
A pesar que es considerado el "opening act" del estelar Covenant, los fans de Aesthetic Perfection se hacen notar y no es para menos ya que Graves es un gran showman, con una energía abrasadora que temas como "Inhuman", "The Siren","Forever" el clásico de la agrupación de Daniel previa a Aesthetic perfection: Necessary Response; hicieron vibrar todo el recinto de la condesa
Un aspecto interesante es como la música resalta con la inclusión de percusiones, que a diferencia de las interpretaciones de estudio, dan un realce en vivo que a más de uno hace estremecerse.
Temas como "Never Enough" y la gente coreando el estribillo de "The New Black" el originario de California agradeció al público mexicano y anunciaba que este show ha sido el más grande que ha dado en el país.
Parecía que todo había acabado para este acto inicial, pero ante la aclamación del público, se lanzó a un encore con las canciones más energéticas del grupo "The Great Depression" y "Spit It Out" de su álbum quizás más exitoso "A Violent Emotion".
Minutos más tarde, se deja escuchar "Death of Identity" acompañadas mediante un arreglo de lamparas estroboscopicas que parpadean al ritmo de esta melodía tal como si fuera una máquina que poco a poco empieza a encender su circuitería, en una versión extendida al tal punto que algunos empezaron a impacientarse, hasta que finalmente Eskil Simonsson, Daniel Myer y compañía salieron al escenario para empezar el show con un par de clásicos del álbum Northern Light "Monochrome" y "Bullet". Eskil con un look maduro, con la cabeza rasurada totalmente y lentes, nos deja entrever que esta agrupación ha pasado a otro nivel músical.
Y claro que lo es con los temas de su último de larga duración, "Blinding Dark" el tema "i close my eyes", "cold reading" que al compas de los efectos de la producción del juego de luces, hacen que más de uno alucine con los beats profundos de estos temas.
"Gracias México por la oportunidad de estar en el día de su independencia". Se dejan escuchar los temas como "Thy Kingdom Come" uno de los temas que aunque no es plenamente bailable la gente lo empieza a bailar con lenta cadencia.
Los temas que se han pedido dentro de la redes sociales "Figurehead" , "Edge Of Dawn" y "Wasteland" del disco "Dreams Of A Cryotank" fueron los temas elegidos por los fans y la banda para interpretar en esta velada, la cual continúa con tema más modernos y que se perfilan a ser un nuevo clásico de las presentaciones de los suecos/alemanes "The Beauty and the Grace" del disco "Modern Ruin".
"The Men" , "20 Hz", "Ritual Noise" para continuar con "Der Leiermann" como versión alterna de "Like tears in rain" como uno de los temas ya consagrados donde el concierto toma una dinámica, más allá de la contemplativa, al baile.
La velada sube de ritmo con temas "Morning Star" "Ignorance & Bliss" es en donde Eskil comenta al público mexicano que Daniel Myer esta esa noche con la banda, y con el Vocoder saluda a los asistentes. Daniel Myer es tal vez el productor más importante de música electrónica alternativa del momento con proyectos como Haubjobb y múltiples colaboraciones con excelentes músicos de la escena, es algo triste ver que mucha gente no tomó cuenta de este detalle.
Llega el momento del encore, cuando el ambiente se torna aún más rave con el tema que hizo explosión en la década de los 90's "Stalker". La energía se almacenó durante todo el el concierto se desborda con con el clásico "We stand alone" una de las canciones más coreadas por el público, es tal que Eskil repite más de una vez "vamos, más fuerte, todos juntos" y agradeciendo al público se retira unos minutos para dar paso a un segundo Encore.
A capella, Eskil comienza a cantar "Happy Man" se convierte en un momento emotivo, ya que toda la gente continúa cantando y aplaudiendo, por lo que Eskil continua por un par de minutos. Finalmente lo que parece un intro se convierte en un la consolidación de una catarsis entre el grupo y el público mexicano, francamente muy espontáneo y apreciado por la banda.
Con esto seguiría "Lightbringer" que hace bajar un poco la euforia del público pero sin frenar su energía a su vez que sirve como un respiro al tema que todo el mundo que es fan de esta banda espera.
De pronto "La marcha imperial" se escucha en el recinto y es que Eskil comenta, en un pequeño empate con el tema del tema de Star Wars, "esto es Dead Stars, para que la locura comienza y que mejor broche de oro con el tema icónico de esta banda: aquí nadie del público se ha salvado de al menos mover los pies ante tal himno del electrónico contemporáneo.
Pero no ha sido todo, el fin de este magnífico concierto se invita a Daniel Graves, para el tema final "One World, One Sky", que aunque este tema no tenga ciertamente muchas letras el angelino se veía un tanto desconcertado en las parte en donde debía cantar, sin embargo una gran ovación se llevó este gesto y francamente fue disfrutado por el asistente.
IN THIS MOMENT - 'Black Widow'
Opiniones muy extremas para la banda californiana dirigida por la cantante Maria Brink, desde los más contundentes que los califican de basura hasta sus fans que obviamente los ovacionan; no se ven puntos medios, o los adoran o los desprecian. Black Widow es el quinto álbum de estudio de In This Moment y posiblemente aquellos juicios de los detractores no cambien ni un poco, pese a que el quinteto parece haber encontrado más creatividad para su música con un estilo más industrial ya tomado en Blood (2012), dispar al Metalcore de sus primeras producciones.
Una característica del álbum es que alude en gran medida al metal industrial que hacía Marilyn Manson en la década de los 90 y al trabajo solista de Rob Zombie, al igual que a las secuencias de los Nine Inch Nails primigenios. Esto podría ser atractivo para la gente seguidora de ese sonido noventero, ya que hay una buena carga de éste a lo largo de Black Widow.
El disco cuenta con una introducción (‘The Infection’) de sonidos apocalípticos y voces en off en los que van añadiéndose elementos industriales que serán la constante de Black Widow, como las maquinarias, artilugios y bullicio circense de ‘Sex Metal Barbie’, título que delinea tan bien a Maria Brink. El tema es compuesto por estrofas meramente ambientales y de juegos sombríos que se intensifican en los coros con algunas voces robóticas por ahí.
El riff inicial de ‘Big Bad Wolf’ está notoriamente influenciado por el de ‘Iron Man’ de Black Sabbath, trae esa misma cadencia distorsionada que va de más a menos y hasta haría pensar a algunos que es una calca exacta del clásico riff creado por Tony Iommi en 1970. La forma de cantar de Brink en esta canción es semejante a como lo hizo Corey Taylor en el primer disco de Slipknot, además de unas líneas hacia el final que me recuerdan a los desgarres in crescendo de Zack de la Rocha (Rage Against the Machine) de temas como ‘Killing in the Name’ o ‘Freedom’.
La siguiente en sonar, ‘Dirty Pretty’, recae mucho más que las anteriores en lo industrial aunque sin el uso de guitarras pesadas, con una Maria Brink menos enfurecida para darle marcha a una más melodiosa. Tan industrial –y ya con guitarras más fuertes- va también ‘Black Widow’, la cual posee una introducción caricaturesca como de Looney Tunes.
Brent Smith de la banda Shinedown hace una participación en la balada ‘Sexual Hallucination’, una canción muy plana y convencional que no figura tan relevante en el disco; destaca el piano tocado por la vocalista que alterna entre voz dulce y rasposa. Desde aquí el álbum comienza a perder fuerza y, salvo un tema, lo demás es regular.
Algo pasa desde ‘Sick Like Me’ que las canciones se sienten faltas de inspiración en las partes que deberían ser las más enérgicas; la ya mencionada posee los riffs más heavy del disco pero en los coros descuidan la contundencia y se vuelve escueta, igual que ‘Bloody Creature Poster Girl’. Maria tiene que rescatar un poco el momento con su voz seductora en la primera y de muñeca malvada en la segunda.
Entre este declive se levanta ‘The Fighter’ como la mejor del disco, nuevamente con el uso del piano esta vez más acertado que en ‘Sexual Hallucination’. Maria Brink se expresa muchísimo más emotiva y con demasiada entrega vocal, mientras la canción crece alrededor de solamente ella y el piano. Su intensidad es tal que logra contagiar el ímpetu de exponer totalmente su esencia, sin ningún reparo de imperfección.
‘Bones’ sufre también de carencia de enganche para mantener lo interesante de su comienzo, y ‘Natural Born Sinner’ es más bien prescindible. Una especie de acto drama queen se escucha en la enteramente conversadora y solloza ‘Into the Darkness’, preámbulo a ‘Out of Hell’ que es la tercera canción de piano pero no es sobresaliente.
Black Widow tiene una duración de una hora y como producto final no tiene los suficientes argumentos para tal extensión, con 10 canciones pudiera haber tenido un mejor resultado. Sin duda hay cosas interesantes en este disco y en esta banda, pero hasta ahora continúan como una propuesta cuyo éxito se debe más a la imagen/parafernalia de Maria Brink que a la música, y que ella misma es el camino fácil para atraer al público. Esto no es algo peyorativo, pero hay otras bandas con cantantes hermosas en las que la música está a la par o habla más que la belleza.