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En Minor - 'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out'

Phil Anselmo es uno de los músicos más polífacéticos dentro de la escena del metal; su nombre aparece en infinidad de proyectos y bandas, tantas que es difícil recordar todo en lo que está envuelto el ex-vocalista de Pantera.

Sin embargo, su nuevo proyecto, En Minor, es totalmente distinto a todo lo demás. Catalogado como "depression-core" tanto como por Anselmo como por su compañía discográfica en un intento por definir su estilo musical, debuta con 'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out', el cual llegará a los estantes en septiembre.

Con En Minor, Anselmo se aleja de la furia que lo ha caracterizado durante su extensa carrera musical, para entregarnos un disco muchísimo más experimental y "tranquilo" desde cierto punto de vista, concentrando su voz en una faceta mucho más suave, narrando historias de tristeza y melancolía.

En 'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out', Phil se mete en los zapatos de músicos como Johnny Cash o Leonard Cohen, creando atmósferas que aunque están lejos de ser metal, son densas y pesadas, lo cual se puede notar en temas como 'Blue', 'Mausoleums' o 'Black Mass'.

La música de En Minor no es algo nuevo, sino que es algo que Anselmo estuvo manteniendo dentro de su cabeza desde hace casi treinta años. “Es algo muy oscuro, pero no es heavy metal. Es distinto. La realidad es que En Minor es probablemente la música más vieja en la que he trabajado, la llevo arrastrando desde antes de la existencia de Pantera. Hace muchísimo que la tengo, pero nunca supe cuál era el momento de publicarla o si despertaría algún interés.“ dijo en una entrevista.

Y es tal vez ese añejamiento lo que dio pie al gran cúmulo de sensaciones, texturas y el sentimiento de fatalidad, abatimiento y melancolía que podemos encontrar a lo largo de todas y cada de las canciones del disco. ¿Estás triste después de lo que ha pasado este año? Este disco te pondrá aún más triste, pero vale la pena.

'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out' es un viaje a la parte más oscura y deprimente de la menta de Phil Anselmo y tal vez uno de los mejores trabajos que ha realizado en los últimos diez años. Totalmente recomendable.


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Seether - 'Si vis pacem, para bellum'

“Si vis pacem, para bellum” (Si quieres paz, preparate para la guerra) es el octavo disco de la banda de origen sudafricano compuesta por Shaun W. Morgan, Dale Stewart, John Humphrey y su nuevo miembro Corey Lowery.

Producido por Morgan, y mezclado por Matt Hyde (Defotnes, AFI) el nuevo disco grabado desde el 2019 cuenta con un sonido grande, 13 canciones, y letras muchas veces muy intimas para el mismo Morgan, algo que ya es común en esta banda y que ha dejado plasmado en sus previas entregas.

Al iniciar este disco lo primero que alcanzamos a notar es ese sonido agresivo que ha caracterizado a la banda junto con la voz tan identificable de Morgan mostrando una definición impresionante del bajo y la batería en combinación de las guitarras distorsionadas y un beat perfecto, haciendo este un deleite para el oido, y que nos recuerda mucho la crudeza que la banda tenia desde su primer disco Disclaimer.

Y una vez que este disco inicia uno no lo puede parar con canciones que seguramente se van a volver un vicio para cualquier persona que guste de este genero y más para los que han sido seguidores de la banda por ya dos décadas.

Wasteland mantiene una perfecta combinación entre una parte melódica de verso “tranquila” y un poco mas de agresividad en los coros con un subyacente muy especial de una guitarra líder demostrando la habilidad y la combinación perfecta entre una base rítmica y una melodía dando una canción que sin duda se volverá un rápido favorito de muchos.

Dangerous es el primer sencillo desprendido de este nuevo disco mostrando un sonido mas maduro de parte de la banda, creando un sonido infeccioso al oido que si uno se descuida un poco puede traerlo sonando todo el día en la cabeza. Con un beat claro de parte de la batería que soporta todo mientras la voz, la guitarra y el bajo revuelven alrededor de él muestran a la perfección la clase de trabajo que se realizo en la mezcla del disco.

Este disco y el orden de sus canciones es simplemente una maestría entre cosas “tranquilas” y sonidos grandes que llenaran y superaran las expectativas de los admiradores de la banda y no solo de ellos sino de gente que no conoce a la banda o que se han quedado con la idea solo de una canción como Broken que llevo a la banda a un nivel mas popular al salir en el soundtrack de la película Punisher a inicios de los 2000.

Siguiendo con el disco hay joyas que destacan por diferentes elementos como Buried in the Sand, canción que desde el inicio muestra influencias de bandas legendarias o sonidos legendarios como el de Jon Bonham de Led Zeppelin en la batería.

Ya para este punto vamos a la mitad y el disco no muestra señas de disminuir sus sonidos grandes y completos o alguna canción que decepcione con esas guitarras con distorsión y la clara presencia de una guitarra líder que durante alguna época parecía un poco faltante en la banda mostrando lineas melódicas sublimes para acompañar las letras y la voz a veces desgarradora de Shaun Morgan.

Este disco definitivamente tiene algo para todos desde canciones pesadas “soft” si podríamos llamarle de alguna manera hasta canciones que nos llevan a un grito de guerra con potencia como el caso de Beg, con su coro “Hey Motherfucker” que nos influye a hacer un headbanging total con un gusto que puedo decir tenia un buen tiempo sin sentir.

Como bien era esperado este disco no faltan canciones llegadoras como en algún momento tuvimos con Rise above this (inspirada en el suicidio del hermano de Morgan), y Drift Away es la muestra perfecta de ello, donde la letra realmente lo lleva a uno a un lugar especial y que puede dar una gran muestra de la madurez que ha adquirido Shaun Morgan como escritor y de una canción que si realmente escuchamos puede darnos incluso una enseñanza no solo un gran sonido.

Pride Before The Fall es posiblemente la canción que mas muestra un trabajo de producción perfecto desde el momento que abre la canción con guitarras respondiéndose en estéreo, y solo creciendo que al igual que muchas de las canciones que incluye el disco es seguro muchos seguidores esperaran con ansias verlas en vivo por el ritmo tan contagioso y esos momentos de liberación que tiene durante sus coros.

Y después de toda una montaña rusa que lo mantiene a uno atado al disco Written in Stone viene a buscar darnos una salida perfecta de un disco que recomiendo mucho escuchar desde el principio, que si bien cada canción puede como se diría en ingles “hold on its own” soportarse ella sola, tienen una coerción tan especial cuando se oye el disco todo seguido, posiblemente Written In Stone si es la canción mas tranquila del álbum y logra de una manera impresionante volvernos a bajar a una vida cotidiana después de toda la adrenalina y la energía que este disco puede llevar a uno durante su casi hora de duración.

En conclusión este es posiblemente uno de los mejores álbumes que este 2020 podrá entregar en especial dentro de este genero, balanceado, con grandes letras y un sonido impresionante, costara trabajo que muchos seguidores asiduos de la banda no consideren este como uno de sus mejores discos (nunca me gusta catalogar una obra de trabajo como su mejor trabajo solo porque es el nuevo material) pero si muestra una gran maestría de composición así como un toque de ingeniería y mezcla que cualquiera puede disfrutar. Me encantaría dar una lista de canciones que recomiende pero siendo honestos me ha gustado mucho como para poder dar una lista especifica y si vale la pena que cada quién descubra sus favoritas. 

En particular recomiendo mucho este disco en un par de escenarios covidianos, (ya que es justo en medio de la pandemia que nos esta tocando escucharlo y dudo se pueda escuchar prontamente en una situación en vivo):  En algún recorrido o paseo en el carro (creanme será un gran soundtrack para cualquier salida) o simplemente a un buen volumen para descargarse de todo y tener un gran momento melomano con una sencilla joya musical.

Review por Leonardo Treviño.

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Lamb Of God - 'Lamb Of God'

Lanzar un disco homónimo tras una extensa discografía representa un compromiso fuerte: la gente espera que al llevar el nombre de la banda será un disco especial y muy diferente a cualquier otro lanzado de forma casual. Este compromiso es el que esperábamos de Lamb Of God con su disco nombrado de la misma forma. ¿Lo logró?

El disco abre con un tema que da fuertes esperanzas de ello: "Memento Mori" es un buen tema potente y que desde su entrada te intriga, y de principio a fin te gusta. "Checkmate" , "Gears" y "Reality Bath" a continuación son temas totalmente dentro del conocido estilo LOG, quizá un problema para los que ya se hartaron de que la banda parece no innovar y salir de lo mismo desde años, quizá una virtud para quienes es justo lo que les atrae de este grupo. "New Colossal Hate" entonces nos recuerda que hay otro LOG que no podían dejar atrás: el que pisa el acelerador y te pone a repartir golpes en el moshpit; un gran tema con mucha fortaleza y velocidad. En un polo muy opuesto "Ressurection Man" es una de las canciones con más vena hardcore de todo el álbum; ideal para quienes gustan tirar patadas voladoras y puñetazos al aire bailando en medio de la pista.

Lamb of God

En esta parte del álbum aparecen las colaboraciones con invitados especiales, y la primera es "Poison Dream" con Jamey Jasta de Hatebreed. La verdad es que teniendo a un invitado así de rabioso uno esperaba algo más violento, pero el track es de nuevo un corte más del LOG que no nos gusta por ser lineal y repetitivo. En "Routes" en cambio si entendieron que teniendo de invitado a Chuck Billy de Testament el tema debía tener adrenalina y velocidad, y la verdad es que es un track por demás disfrutable y con un solo de guitarra que pocas veces escucharas en un tema de esta banda. El disco cierra primero con "Bloodshot Eyes" que es más melódico pero va bien complementado con una fuerte batería en las partes rudas; y luego ya al último tenemos "On The Hook" con interesantes cambios de ritmo y atmósferas durante todo el track.

Si hemos de responder a la pregunta inicial de si el disco está a la altura de ser el disco que lleve el estandarte de homónimo de una carrera ya antaña, podríamos decir que si. Claro, si tomamos en cuenta que LOG es una banda que le gusta no salirse de su fórmula y repetir su estilo a veces incluso de forma desesperante; este disco queda como un buen ejemplo para decirle a alguien "mira: esto es Lamb Of God".


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Mushroomhead - 'A Wonderful Life'

Mushroomhead regresa este 2020 con "A Wonderful Life", su octavo disco de larga duración y el primero sin la presencia de Jeffry Nothing, quien durante toda la carrera de la banda se había encargado de las voces limpias hasta su partida en el año 2018 en no muy buenos términos. También es el primero con la ausencia de Tom Schmitz, quien fue el amo de los teclados desde el inicio de la banda hasta el año 2015.

El disco abre muy bien con "A Requiem For Tomorrow", en la que una entrada con sonidos sacros detona un track absolutamente del estilo de la vieja escuela de Mushroomhead. "Madness Within" tiene un sonido oscuro pero burlesque mucho más cercano a lo que hacía Marilyn Manson en los tiempos cumbre de su carrera, con un coro pegajoso y para cantar en vivo una y otra vez. A continuación viene el primer sencillo "Seen It All", quizá uno de los temas más básicos y un poco lineal del trabajo, y luego viene "The Heresy" que es el segundo sencillo de este disco, y cuenta con la marcada presencia de la voz femenina de Jackie Laponza como estandarte: un track mucho más oscuro y dramático que fue muy bien recibido por la crítica en esta nueva evolución de Mushroomhead.

https://www.youtube.com/watch?v=PJKjFSyAHKw
https://www.youtube.com/watch?v=_-zWpdq3_2s

El sonido circense de pesadilla que ha marcado la carrera de la banda por años se hace presente de inmediato en "What A Shame" y el piano macabro de "Pulse". De nuevo Laponza tiene un gran protagonismo en este último tema y la alternancia con la voz de J Mann y el nuevo cantante Steve Rauckhorst aunado al sonido más comercial de la canción me hace indudablemente compararlo con lo que hacen bandas como Lacuna Coil: habrá que ver como toman los fans de la banda esta evolución. En "Carry On" la formula se repite, aunque por momentos el rapeo de Steve es mucho más marcado, recordándonos a temas pasados del grupo; si me dijeran que es un nuevo tema de Cristina Scabbia y compañía, a la primera oída podrían hacerme dudar por el parecido con ese estilo. "The Time Has Come" se sale de ese estilo y retoma ese sonido de oscuridad susurrante y una presencia gutural de J Mann bien alternada, de los mejores temas hasta el momento sin duda.

Llegamos ya a la parte media del trabajo (contando los "bonus tracks") e "11th Hour" podemos considerarla como una balada retorcida y de melancolía enfermiza. Retorcida y enferma es también "I Am The One", pero esta por la majestuosa combinación de ritmos que de verdad parecen el soundtrack de un viaje de pesadilla en tu cerebro: otro gran acierto en este álbum sin duda. "The Flood" a continuación presenta un sonido mucho más progresivo y digerible que rompe el ritmo del disco, pero quienes conocemos la carrera de Mushroomhead sabemos que estos breaks melódicos sublimados suelen ser el sello de la casa, y este bache aletargado se extiende incluso al siguiente tema "Where The End Begins", que con sus siete minutos de duración la verdad es que se hace desesperante y lo que quieres es un poco más de potencia. El disco cierra el tracklist básico como lo abre: con la presencia de los coros sacros que despiden el álbum en forma de una homilía dentro de algún templo.

Llegamos al momento de los "bonus tracks" y esta sección se abre con la instrumental "To The Front" que lo único que aporta es algo así como el ser el intro a los otros tres temas. Como suele pasar con las canciones de bonus, hay algunas joyas que uno se pregunta porqué no formaron parte del disco en su esqueleto principal, tal es el ejemplo sin duda de "Sound Of Destruction" y "Another Ghost" que nos regalan un golpe de nostalgia a los primeros trabajos de la banda. De nuevo, los coros sacros de "Lacrimosa" son los encargados de ahora si, dar el cierre de telón a esta placa.

En resumen podríamos decir que aunque estamos frente a un típico álbum de Mushroomhead, hay notorias diferencias con sus trabajos anteriores particularmente en la inclusión de sonidos más enfocados al metal gótico dejando su vena industrial mucho más de lado. Jeffrey Nothing si se extraña pues aun y cuando era el portador de las voces más limpias del grupo su tono era mucho más enfermo y demencial, mientras que la incursión de la voz femenina de Jackie Laponza le dio un toque mucho más melódico al grupo. Tal vez este nuevo giro no le agrade del todo a muchos fans, pero también es cierto que Mushroomhead es una banda caracterizada por hacer lo que le viene en gana al experimentar con sus sonidos. Juzgue usted mismo a partir del próximo 19 de junio que se lanza el disco.

Mushroomhead A Wonderful Life Review

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Operus - 'Score Of Nightmares'

Operus es una banda de metal sinfónico originaria de Canadá con grandes influencias del estilo de grupos como Kamelot, Nightwish y Symphony X. Se han abierto paso gracias no solo a su gran calidad musical sino a su performance dramático y lleno de teatralidad que los ha puesto en el gusto del público. Su disco debut "Cenotaph" fue muy bien recibido por la crítica y ahora la banda se encuentra en plena promoción de su segundo trabajo de larga duración "Score of Nightmares" el cual tiene como fecha de lanzamiento el 19 de junio de este año a través del sello alemán Pride and Joy Music.

"Overture Of Madness" como su nombre lo indica es la entrada a este material que con "Phantasia" nos asalta con un metal sinfónico de altas hechuras y un sonido hechizante desde el inicio. Una titánica apertura anuncia "Lost", con un sonido veloz y lleno de cabalgantes riffs, que luego tiene un contrapeso muy marcado con el sonido melodioso de "Dance With Fire", tema que hay que admitir le rompe el ritmo al disco con un sonido un poco monótono en general, aunque cuando pisan un poco el pedal suena agradable.

El piano de "Echoes" es el intermedio instrumental que da pie a "Where Falcons Fly", que de inmediato retoma ese sonido de power metal de bandas como Hammerfall, con un momento de buena locura sinfónica en la parte media de la canción. "Nightmares" es una canción más sublimada y que juega de manera ingeniosa con los ritmos y los coros estilo batalla medieval lo que la hace un gran tema. "Book Of Shadows" es un tema mucho más oscuro y que evoca de buena manera a aquellas piezas dedicadas a alabar a la noche y sus criaturas. Enseguida las percusiones casi tribales de "The Mirror" te hacen pensar que viene un tema que te pondrá a agitar el esqueleto sin embargo, el tema parece perderse en un tono algo lineal y termina por dar mucho menos de lo que prometía en un inicio. Pero el camino se recompone con "Run" que desde el principio con una batería trepidante y un ritmo constante pero potente, vuelve a hacer retomes el interés en este gran trabajo. El disco cierra con "La Llorona" una pieza de más de siete minutos épica y muy bien elaborada que sirve para dar fe del poderío que Operus tiene para ofrecer.


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Beyond The Black - 'HØRIZØNS'

Banda alemana de symphonic metal conformada en 2014 y liderada por Jennifer Haben, estrenarán su nuevo álbum de estudio 'HØRIZØNS' el próximo 19 de junio, y tuvimos la oportunidad de escuchar como exclusiva. Este nuevo álbum está conformado por trece canciones, y te contaremos lo que puedes esperar de este lanzamiento.

Iniciamos con 'Horizons', título del álbum, quien desde el primer segundo nos sorprende con la melodiosa voz de Jennifer Haben. que te atrapa desde el primer segundo que le da apertura a lo que nos espera en el álbum. Y nos da la bienvenida a este lanzamiento con una canción bastante alegre, tanto voces como riffs.

'Misery' inicia muy pop, típica canción que podemos escuchar en algún bar fresa, algo inesperado de una banda de symphonic metal, pero tan solo es el intro, luego recupera el subgénero con el paso de la canción, aunque con riffs bastante génericos, se podría decir que es la balada del álbum. Seguimos con 'Wounded Healer', ahora sí sinfónico a todo lo que da, además de contar con colaboración de la magnífica Elize Ryd (Amaranthe).

'Some Kind Of Monster', es un poco más de lo mismo, con letras un poco genéricas y predecibles. Recuperamos la fuerza del álbum con 'Human', la que considero una de las mejores canciones del álbum. El hype va en aumento, 'Golden Pariahs' se suma como otra de las mejores piezas de este lanzamiento, así es la linea que esta banda debe de mantener.

'Marching On' nos recibe con la voz de  Chris Hermsdofer, guitarrista de la banda, sin duda hace una variable bastante amigable en el álbum al dejarlo como protagonista principal de la canción con apoyo en el coro de Jennifer. Continuamos con 'You're Not Alone', cada vez se pone mejor el álbum y se va notando más el rumbo y estilo de la banda.

Continuamos con otra balada del álbum con 'Out Of The Ashes'. Con 'Paralyzed' recuperamos la fuerza del álbum, una buena elección para después de una balada, además de ser una de las canciones más pegajosas del disco.

'Coming Home', otra de las fuertes del álbum para darle pie a una balada más 'I Won't Surrender' con unos hermosos toques de violín. Y para cerrar el álbum 'Welcome to my Wasteland' acumula TODA al energía que esperamos recibir con esta banda defendiendo el estandarte del sinfónico.


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Trivium - What The Dead Men Say

Después de su último álbum The Sin And The Sentence (2017), Trivium logró un disco más maduro, desde lo más pesado a las perfectas baladas, incluso fueron nominados al Grammy por la canción 'Betrayer', y sin dudarlo, el crecimiento de la banda ha sido gigante desde sus inicios hasta el momento. Así lo demostraron con su nuevo álbum 'What The Dead Men Say' ¡qué discazo! Con este trabajo, Trivium demuestra de lo que está hecho, logrando definir en su totalidad su estilo.

Iniciamos con IX, una pieza instrumental que nos trae nostalgia al escuchar un fragmento de 'Leaving This World Behind' (In Waves, 2011), 'The End Of Everything' (Ascendancy, 2005) y un intro que preparó Matt Heafy anteriormente, bajo el nombre de 'Shroud Of Chaos', que si eres seguidor de su canal de Twitch, en algún momento te habrás percatado de la creación de esta canción, después, este intro se transforma en una pieza que le dará entrada al título homónimo del álbum 'What The Dead Men Say', el cuál fue el segundo single que salió a la luz, destacando en su inicio pick scrapes que fueron inspirados en Joe de Gojira (y él se inspiró en Morbid Angel), y es un elemento que Trivium implementa por primera vez en una de sus canciones, además de ser un tema con una letra sencilla pero consistente, con un coro que no dejará de sonar en tu cabeza.

Seguimos con Catastrophist, el primer single de la banda, que sin duda, demostró perfectamente la calidad que estábamos por recibir en este álbum, además ¡qué onda con esos riffs progresivos!

Trivium 2020

Para continuar, 'Amongst The Shadows And The Stones' llega a taladrar tu cerebro desde el primer segundo ¡qué brutalidad! De mis canciones favoritas del álbum sin duda, el mix de guturales y voz limpia está perfectamente balanceado, así como todos los elementos musicales, pero eso sí, la brutalidad está presente toda la canción, y para bajar un poco la euforia, sigue la balada del álbum 'Bleed Into Me', en esta pieza podemos apreciar los coros de Paolo Gregoletto, bajista de la banda.

'The Defiant' ¡qué canción! otra de las favoritas del disco, la influencia de Ascendancy (2005) está presente en todo momento, de los coros más catchy del álbum. 'Sickness Unto You' te acaricia desde los primeros segundos con la voz de Matt Heafy, para darle entrada a unos riffs muy blackers, unos blast beats monstruosos, coros oscuros en una parte de la canción, un bajo que sabe destacar y hasta un 'Blegh' de Heafy. Elementos que no habíamos visto tan persistentes en sus anteriores trabajos.

'Scattering The Ashes' muestra de las canciones más emotivas de todo el álbum y en esta canción más que en ninguna otra, podemos disfrutar del dúo que hacen Matt y Paolo en las vocales, además, hay una historia detrás de la letra, Corey eligió el título, perdió a su abuelo y fue con su familia en un bote a esparcir las cenizas en el mar, pero dirigieron la canción a una narrativa de un padre y un hijo con problemas sin resolver.

Vamos en la novena 'Bending The Arc To Fear', una pieza muy black/death metal también una ejecución perfecta de parte del cuarteto. Para cerrar tenemos 'The Ones We Leave Behind', esta canción se siente con vibras happy punk hasta metalcore, no quieres que termine, y cierra el álbum con unas armonías que te dejan ganas de más. Sin duda, un disco que te dejará muy buen sabor de boca.

Cabe destacar que durante todo el álbum hay solos súper largos, riffs muy originales y técnicos, blast beats perfectos, que sin duda, Alex Bent, ha sido el mejor baterista de Trivium en toda su historia.

En este álbum podrás experimentar la pasión de Trivium con la música, en diez canciones, implementaron elementos del thrash, melodic death metal, metalcore e incluso black metal y death metal, un disco bastante técnico, con muchos sentimientos en las letras, con una gran destreza en cada uno de los instrumentos, y más que nada, la pasión y el orgullo de decirle al mundo: ESTO ES TRIVIUM.


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Apocalyptica - 'CELL-0'

Después de cuatro años, los finlandeses Apocalyptica por fin se decidieron a grabar un nuevo álbum y además, volviendo a las raíces del proyecto, dejando de lado la idea de tener un cantante de planta como lo hicieron en 'Shadowmaker' de 2015 y concentrandose netamente en el sonido de sus instrumentos. El resultado de esto es 'Cell-0'.

El álbum abre grandiosamente con ' Ashes of the Modern World', una pieza magistral que con su solo nombre parece describir los tiempos que vivimos en estos momentos en plena tensión bélica. Inicia tranquila, formal, solemne para irse transformando poco a poco en una bestia llena de energía y marchas militares que anuncian el ansía de la humanidad por la destrucción.

Tras la explosión, pasamos a temas más calmados con la canción que le da nombre al disco, que en sus casi diez minutos de duración nos otorga un sube y baja de emociones dentro de un vórtice progresivo que se rompe con el inicio de 'Rise', un tema muchísimo más calmado y reflexivo, hecho para que te relajes en tu sillón mientras te tomas una copita de vino con las luces apagadas.

El hecho de que los cellos sean el instrumento principal dentro de las arcas de Apocalyptica, no deja fuera la brutalidad -bajo los preceptos de la banda, claro - en su música y lo refleja en temas como 'En Route to Mayhem' que fungió como primer sencillo del disco. Sin embargo, la potencia no dura mucha y las revoluciones vuelven a descender en 'Call My Name' un tema un tanto repetivo y no demasiado sobresaliente si lo comparamos con las demás obras del disco.

'Fire & Ice' es una oda a la dualidad de la vida e incluye la participación de Troy Donockley de Nightwish, empezando tranquilo y sutil hasta que estalla más o menos a mitad de la canción, pero volviendo a caer un poco después, todo lo contrario de 'Scream for the Silent' o 'Catharsis' que tienen consigo una potencia mucho más notoria. El álbum cierra tremendamente con 'Beyond The Stars', del cual solo podemos decir que es el tema más épico que la banda ha realizado en toda su carrera.

Apocalyptica ya no es una banda nueva. Con más de dos décadas de carrera en su haber, por lo que su música ya es - por decirlo de alguna manera - sorprendete. Ya sabemos lo que podemos esperar de ellos, pero también sabemos que lo que podemos esperar de ellos puede ser maravilloso como en el caso de 'Cello-0', un disco lleno de melodías abrumadoras e hipnotizantes que vale la pena escuchar.

'Cell-0' se lleva las palmas y nos demuestra que no es necesaria una voz para lograr captar nuestra atención.


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BABYMETAL - 'Metal Galaxy'

Después de varios lanzamientos durante el año y la separación oficial de Yui-Metal a finales del 2018, Sue-metal y Moa-metal se han mostrado en las últimas giras más fuertes que nunca, y ahora con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio 'Metal Galaxy', las niponas consentidas lograron un disco con una combinación -como bien lo dice su nombre- galáctica entre colaboraciones y estilos del metal que lograron congeniar perfectamente con su kawaii metal.

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Aunque a muchos les pareció trillado y genérico el nombre del álbum, ya que lo escuchas por completo todo cobra sentido al transportarte al universo al que pertenecen estas chicas, y esa bienvenida la da el intro 'Future Metal', que te da un feeling de estar en un videojuego, sonidos muy djent y riffs precisos que dan paso a la voz de Sue-metal, dando la bienvenida: 'WELCOME TO THE WORLD OF BABY METAL', seguido de de sonidos tradicionales japoneses junto al toque djenty-galáctico, el cual será persistente en 'Metal Galaxy'.

El intro da pie a 'DA DA DANCE', ¡me siento en un ánime! qué manera de empezar, cabe destacar que es un álbum con muchas colaboraciones con iconos importantes del metal y de otras ramas, y en esta canción se unió Tak Matsumoto, un conocido guitarrista proveniente de Osaka.

Seguimos con una canción que conocimos anteriormente, 'Elevator Girl', en inglés. Después 'Shanti, Shanti, Shanti', es el último single que BABYMETAL reveló antes del lanzamiento del disco, con una vibra muy hindú desde el título a los arreglos musicales. Y de estar en la India, nos pasamos a un feeling sueco con 'Oh! MAJINAI', canción que realizaron con el vocalista de Sabaton: Joakim Bordén ¡mucho bagaje culutal en este álbum! y si te gusta el djent de excelentes exponentes del género, llegó tu canción favorita; Tim Henson y Scott LePage de Polyphia se unieron a 'Brand New Day'.

y bueno, seguimos emprendiendo un viaje a distitnos países, ahora con 'Night Night Burn!', canción con feeling español, el 'olé, olé' ¡viene incluído!

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Ahora unos cantos gregorianos inician en 'IN THE NAME OF', seguido de pesados riffs y una voz masculina haciendo guturales, misma que fue la protagonista de toda la canción. Sin duda, prepara muy bien el terreno para recibir a 'DISTORTION' junto a Alissa White-Gluz, quien es la encargada de hacer los coros.

Nos salimos un poquito de las colabroaciones metaleras con 'PA PA YA!!', que fue uno de los singles más controversiales y hasta eso bien aceptados con el rapero tailandés F. Hero.

Continuamos con la que personalmente es mi canción favorita del álbum 'Kagerou', muestra totalmente la esencia de nuestras queridas niponas, además, esta canción la habían estado interpretando en vivo en su reciente gira. Seguida de ella, recibimos a 'Starlight'.

El disco cierra con 'Shine' y 'Arkadia', canción que parece se pusieron de acuerdo con el último material de Dragonforce, al sonar totalmente como parte de un videojuego.

Aunque se hubiera esperado que todo el álbum mantuviera una sola línea, se puede apreciar un EXCELENTE trabajo de producción en estas catorce canciones del álbum, además de haber aterrizado muy bien el concepto logrando transportarte a la esencia de distintos países, incluso, las colaboraciones estuvieron muy bien pensadas para cumplir este propósito. Sin duda las pioneras del kawaii metal están en la cúspide de su carrera.

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Asagraum - "Dawn Of Infinite Fire"

Asagraum es un proyecto de Black Metal femenino de origen holandés, que sorprendió a todos cuando lanzó su disco debut "Potestas Magicum Diaboli" apenas hace 2 años por su gran calidad y el poder del álbum completo en si. Es por ello que las expectativas con su segundo trabajo de larga duración titulado "Dawn Of Infinite Fire" lanzado el 13 de septiembre del 2019 eran bastante altas.

El disco abre con velocidad y de inmediato se siente el poder de la banda. " They Crawl from the Broken Circle " es una ametralladora de Black Metal de la vieja escuela con momentos de verdad pesados y veloces sumados a los coros característicos del género. " The Lightless Inferno " es una pieza mucho más orquestal y menos visceral que su antecesora, pero sin perder ni un ápice de maldad o potencia. "Abomination´s Altar" que es de hecho el primer sencillo lanzado, tiene ese sonido pesado y rebotante de bandas tipo Carpathian Forest que te hacen mover las cervicales de arriba a abajo. El disco hasta el momento pareciera un recorrido por los distintos estilos que el Black Metal ha tenido a lo largo de su historia. "Guahaihoque" es por su parte una pieza con un sonido más comercial y digerible pero no por ello es mala ni mucho menos.

Llegamos a la mitad del disco y encontramos un tema saturado y bastante ruidoso en "Dawn Of Infinite Fire", para luego volver a sentirnos en el Black Metal clásico de los años noventa con " Dochters Van De Zwarte Vlam ". "Beyond the Black Vortex" es la canción de mayor duración de la placa y es un track que te hace navegar por atmósferas sonoras oscuras y densas, que de la nada aceleran en potentes ritmos para luego regresar a una macabra pseudo-calma. " Hate of Satan's Hammer" como su nombre lo dice, literal es una tonada llena de odio y que suena como un martillo que golpea tu cráneo a gran velocidad. El disco cierra con " Waar ik ben komt de dood", un tema perfectamente elegido como cierre, en donde la alternancia de voces limpias y las clásicas guturales nos demuestra que Asagraum va más allá de solo crear el característico ruido infernal del Black Metal.

En resumen, "Dawn Of Infinite Fire" es un gran trabajo que cumple con creces con las expectativas que se tenían del regreso de las holandesas. Es un disco que no es monótono en ningún momento -lo que en el Black Metal cuenta como un gran logro-, y que además tiene una tremenda fuerza y potencia musical y vocal en todos sus tracks. Un homenaje al Black Metal clásico pero a la vez con ese toque de frescor que solo las chicas de Asagraum saben imprimirle.

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