Casi dos décadas después del inicio de su carrera, CELESTE se prepara finalmente para llevar por primera vez su intransigente universo musical y visual a México y Latinoamérica. La banda francesa ha construido una de las identidades más distintivas dentro de la música extrema contemporánea, desarrollando un lenguaje en el que conviven el black metal, sludge, post-metal y post-hardcore sin que ninguno de estos géneros llegue a definir por completo aquello en lo que el grupo se ha convertido.
Antes de este esperado encuentro con el público latinoamericano, CELESTE reflexiona sobre las dificultades que retrasaron su llegada a la región, las realidades financieras detrás de la gira y sus expectativas de descubrir una escena que han observado desde la distancia durante años. La banda también habla sobre la evolución de su sonido, el papel de la tensión y el silencio dentro de su música, la inconfundible estética de luces rojas de sus presentaciones, la expansión creativa que puede escucharse en Assassine(s) y Epilogue(s), así como la decisión de revisitar Morte(s) Née(s) quince años después de su lanzamiento original.
CELESTE ha construido una identidad que suele situarse en algún punto entre el black metal, sludge, post-metal y post-hardcore, pero su música parece resistirse deliberadamente a cualquier clasificación. ¿Consideran que estas etiquetas son útiles para comunicar lo que hacen o, en última instancia, reducen una visión artística mucho más compleja?
Creo que las etiquetas pueden ser útiles hasta cierto punto, simplemente porque la gente necesita referencias para entender aproximadamente qué tipo de música está a punto de escuchar. Pero nosotros nunca hemos pensado realmente en CELESTE en términos de géneros. No nos sentamos a decidir que una canción debería sonar más a black metal, más a hardcore o más a post-metal.
Nuestra música surge de manera natural de una mezcla de todo lo que hemos escuchado y amado a lo largo de los años, y probablemente también de cosas que no tienen absolutamente nada que ver con el metal. Lo que nos importa mucho más es la atmósfera, la emoción y la coherencia general de lo que estamos creando.
Así que no me molesta que la gente utilice etiquetas para describirnos —eso forma parte de la manera en que se habla de música—, pero no querría que esas etiquetas definieran lo que es CELESTE o, peor aún, que influyeran en lo que se supone que podemos hacer después. De hecho, creo que estamos bastante orgullosos de que CELESTE sea difícil de categorizar. Al final, realmente no hacemos black metal, sludge, post-metal o hardcore: hacemos CELESTE. Y creo que nuestra música puede reconocerse como CELESTE después de apenas unos segundos de escucharla. Para mí, eso es mucho más importante que encajar dentro de cualquier género en particular.
Esta será su primera gira por México y Latinoamérica después de casi dos décadas como banda. ¿Por qué tardó tanto tiempo en producirse este encuentro y qué significa finalmente llegar a una región que ha seguido a CELESTE desde la distancia?
Creo que la razón principal es simplemente que hacer una gira por Latinoamérica desde Europa es complicado y costoso, especialmente para una banda como nosotros. Siempre hemos crecido de una manera muy orgánica y nunca hemos sido el tipo de banda que de repente contó con enormes recursos o que podía decidir hacer una gira en cualquier lugar del mundo sin importar la realidad financiera detrás de ello.
Durante mucho tiempo, tocar en Latinoamérica se sintió como algo que realmente queríamos hacer, pero también como algo bastante lejano y difícil de realizar correctamente. Tampoco queríamos venir solamente para uno o dos conciertos. Si íbamos a viajar hasta allá, queríamos que fuera una gira real y llegar a tanta gente y a tantos países como fuera posible.
Y para ser completamente transparentes, incluso ahora que hemos conseguido hacerlo realidad, ya sabemos que vamos a perder dinero con esta gira. Pero en algún momento eso dejó de ser una razón suficientemente buena para volver a posponerla. Nosotros ya habíamos esperado durante muchísimo tiempo, y también lo habían hecho las personas que llevan años pidiéndonos que vayamos. Simplemente ya no teníamos ganas de seguir esperando.
También hemos escuchado muchísimas veces que la escena en Latinoamérica es increíblemente apasionada y que el público aquí es particularmente expresivo e intenso durante los conciertos. Obviamente, eso es algo que tenemos muchísima curiosidad y entusiasmo por experimentar nosotros mismos.
Durante años hemos visto mensajes y comentarios de personas de aquí pidiéndonos que fuéramos, algunas veces desde lugares donde, sinceramente, nunca imaginamos que hubiera gente escuchándonos. Así que poder finalmente conocerlos significa mucho. Y el hecho de que, en esta etapa de la banda, todavía podamos viajar a algún lugar completamente desconocido para nosotros y no tener idea de qué esperar es algo bastante especial.
La relación entre una banda y su público suele cambiar cuando las canciones cruzan fronteras culturales y lingüísticas. ¿Qué esperan descubrir sobre su propia música al interpretarla por primera vez frente a un público latinoamericano?
Creo que algo interesante sobre nuestra música dentro de este contexto es que la barrera del idioma probablemente importa menos de lo que importaría para muchas otras bandas. Las letras están en francés, por supuesto, pero una gran parte de lo que intentamos comunicar llega a través de la propia música, la atmósfera, la intensidad y el aspecto visual del concierto.
Hemos tocado en muchos países donde la mayoría del público no entiende francés, y nunca se ha sentido realmente como un obstáculo. Algunas veces incluso puede hacer que la relación con la música sea más instintiva. La gente no necesariamente entiende cada palabra, pero entiende el sentimiento que existe detrás de ellas.
Lo que particularmente me genera curiosidad aquí es cómo esa intensidad se reflejará de regreso hacia nosotros. Nuestros conciertos pueden ser bastante contenidos de cierta manera —hay muchísima tensión en lo que hacemos—, así que me interesa ver qué ocurre cuando eso se encuentra con un contexto cultural completamente diferente y una forma distinta de experimentar la música en vivo.
Tal vez descubramos un lado diferente de canciones que llevamos años tocando. Esa es una de las grandes cosas de tocar en vivo: las canciones ya no nos pertenecen completamente. La manera en que un público las recibe puede cambiar la manera en que nosotros mismos las experimentamos.
Sus conciertos crean una experiencia intensamente física, pero también pueden producir una sensación de aislamiento, como si cada espectador estuviera encerrado dentro de su propia percepción. ¿Cómo construyen ese contraste entre la comunión colectiva y la soledad individual?
No creo que intentáramos conscientemente crear ese contraste al principio. Surgió de manera bastante natural a partir de cómo queríamos que se sintieran nuestros conciertos. Evidentemente hay algo muy colectivo en el volumen, la intensidad física y en tener a todo el mundo reunido dentro de la misma habitación oscura, pero al mismo tiempo realmente no interactuamos con el público en el sentido tradicional. No hablamos demasiado, no intentamos hacer que la gente participe y existen muy pocos de los códigos habituales de un concierto de rock o metal.
La oscuridad y los faros rojos también contribuyen muchísimo a esa sensación. Puedes estar rodeado por cientos o miles de personas y aun así sentirte bastante solo con aquello que estás experimentando. De alguna manera, todos están viendo el mismo concierto, pero desde dentro de su propia pequeña burbuja.
Respetamos mucho todas las maneras de experimentar nuestros conciertos. Algunas personas reaccionan de una manera muy física, otras apenas se mueven y algunas simplemente permanecen ahí completamente absorbidas por lo que ocurre. Todas esas reacciones están perfectamente bien para nosotros. Pero, por supuesto, somos humanos y se siente muy bien cuando la gente realmente reacciona, cuando puedes ver y sentir que algo está ocurriendo dentro del recinto y que la intensidad que estamos transmitiendo está regresando hacia nosotros.
Eso es algo que, lamentablemente, sentimos que se está volviendo un poco menos común en Europa. Algunas veces el público puede ser más contenido, quizá porque hay muchísimos conciertos y festivales ocurriendo todo el tiempo. Así que, naturalmente, después de haber recorrido Europa de manera tan extensa, tenemos curiosidad por experimentar públicos de otros lugares y descubrir formas diferentes de expresar esa conexión.
Al final, realmente me gusta esa contradicción. Creamos esta experiencia muy individual, casi aislante, pero cuando el público reacciona con fuerza, todas esas experiencias individuales repentinamente se convierten en algo colectivo. Y es entonces cuando un concierto también puede convertirse en algo realmente especial para nosotros.
Las luces rojas, la oscuridad y la disposición visual de sus presentaciones se han vuelto inseparables de CELESTE. ¿Cuándo se dieron cuenta de que la puesta en escena no debía limitarse a acompañar la música, sino convertirse en otra manera de narrarla?
Ocurrió muy pronto. Desde el principio sabíamos que no queríamos simplemente ser cuatro tipos parados sobre un escenario bajo luces convencionales de concierto. Queríamos que la gente entrara dentro de un universo muy específico desde el momento en que comenzara el concierto, y que no existiera realmente una separación entre la música y la manera en que se presentaba visualmente.
Los faros rojos surgieron inicialmente de algo muy sencillo. Queríamos tocar casi completamente a oscuras y al mismo tiempo permitir que la gente pudiera vernos, pero sin utilizar iluminación convencional de escenario. Era una idea muy básica, casi una solución DIY, pero inmediatamente creó una imagen muy poderosa y cambió completamente la percepción de la música.
Con el tiempo entendimos que esta identidad visual estaba volviéndose tan reconocible como la propia música. Así que empezamos a pensar en las luces, la oscuridad, el humo y la posición de todos los elementos sobre el escenario con la misma atención que dedicamos al sonido. No es decoración añadida posteriormente; forma parte de la composición del concierto.
Más recientemente también hemos añadido proyecciones de video siempre que el recinto y las condiciones técnicas lo permiten. Gradualmente se han convertido en una parte muy importante de la experiencia que intentamos crear. Nos proporcionan otra capa con la cual trabajar y nos permiten extender el universo de la música más allá de los cuatro integrantes que estamos sobre el escenario. Los videos, las luces, el humo y la música están concebidos para funcionar juntos y no como elementos separados.
Al mismo tiempo, siempre tenemos mucho cuidado de no convertirlo en un espectáculo simplemente por el hecho de crear espectáculo. Todo tiene que estar al servicio de la atmósfera y de la música. En el momento en que un elemento visual se convierte en una distracción o parece estar ahí simplemente porque se ve bien, pierde su propósito para nosotros.
Creo que el concierto ideal de CELESTE es aquel en el que, después de unos minutos, dejas de pensar por separado en lo que estás escuchando y en lo que estás viendo. Debería sentirse como una sola experiencia.
A lo largo de su carrera han refinado una estética sumamente reconocible sin permitir que se convierta en una fórmula predecible. ¿Cómo distinguen entre aquello que constituye la identidad esencial de CELESTE y lo que debe cambiar para que la banda pueda seguir avanzando?
Lo curioso es que nos hemos dado cuenta de que realmente no necesitamos proteger conscientemente nuestra identidad. No importa cuánto intentemos llevar las cosas más lejos o experimentar, de alguna manera siempre terminamos sonando como nosotros mismos.
Assassine(s) fue probablemente el ejemplo más claro de eso. Deliberadamente intentamos explorar nuevos territorios, introducir diferentes texturas, más melodía, más espacio y, en general, ampliar los límites de lo que pensábamos que CELESTE podía ser. Y aun así, al final, nadie podría confundir realmente ese disco con el de otra banda.
Algunas veces eso incluso puede resultar un poco frustrante. Intentas con todas tus fuerzas escapar de tus propios hábitos y hacer algo completamente diferente, y de alguna manera todavía suena como tú. Pero al mismo tiempo creo que somos bastante afortunados de tener eso. Significa que nuestra identidad no está basada solamente en un determinado sonido de guitarra, un tipo de riff o una técnica de producción. Los propios ingredientes son nuestros.
En última instancia, CELESTE es el resultado de la mezcla de nuestras personalidades, nuestros gustos individuales y la manera en que hemos aprendido a hacer música juntos. Esa combinación crea naturalmente cierto sonido, independientemente de que estemos intentando conscientemente conseguirlo o no.
Darnos cuenta de eso en realidad nos ha dado más libertad. Sabemos que podemos llevar las cosas bastante lejos sin preguntarnos constantemente si algo todavía es “suficientemente CELESTE”. Nuestra firma parece sobrevivir a cualquier cosa que le arrojemos.
Álbumes como Assassine(s) muestran una mayor variedad de texturas, silencios y construcción melódica mientras conservan la violencia emocional de su música. ¿Actualmente están más interesados en explorar la tensión que simplemente en aumentar la agresividad?
Definitivamente. Creo que entendimos hace mucho tiempo que ser más pesados, más rápidos o más agresivos no necesariamente hace que la música sea más intensa. Algunas veces ocurre exactamente lo contrario. Si todo está constantemente en el máximo nivel de intensidad, después de un tiempo nada se siente realmente intenso.
Eso es algo que exploramos de una manera mucho más consciente en Assassine(s). Queríamos crear más contraste y permitir que las canciones tuvieran espacio para respirar, porque los momentos más tranquilos o melódicos pueden hacer que las partes violentas se sientan todavía más poderosas cuando finalmente llegan. Para nosotros, la tensión suele surgir de la anticipación, de contener algo en lugar de entregarlo todo inmediatamente.
También refleja el hecho de que nuestros gustos musicales han evolucionado a lo largo de los años. Evidentemente seguimos sintiéndonos atraídos por la música extremadamente violenta, pero cada vez nos interesa más cómo llegas a esa violencia y qué existe alrededor de ella. Una melodía o incluso un momento de silencio algunas veces puede crear algo mucho más perturbador que otra pared de guitarras.
Así que sí, diría que probablemente hoy estamos más interesados en las dinámicas y en la tensión que simplemente en intentar volvernos más agresivos. La agresividad ya forma parte naturalmente de lo que hacemos. El desafío interesante consiste en encontrar nuevas maneras de hacer que golpee con mayor fuerza sin necesariamente añadir más de ella.
El EP Epilogue(s) amplió el universo de Assassine(s) mediante perspectivas diferentes y, en algunos momentos, más vulnerables. ¿Qué posibilidades encontraron en esas composiciones que quizá no habrían encajado dentro de un álbum tradicional de CELESTE?
Epilogue(s) nos proporcionó un espacio en el que podíamos llevar ciertas ideas más lejos sin tener que preguntarnos si encajarían dentro de la estructura o del equilibrio de un álbum completo. Como estaba directamente conectado con Assassine(s), podíamos tomar elementos que ya estaban presentes en ese disco y explorarlos desde un ángulo diferente.
Nos permitió abrazar aspectos más frágiles, melódicos y atmosféricos de nuestra música sin necesariamente tener que contrarrestarlos con el nivel de violencia que la gente normalmente podría esperar de nosotros. Había algo bastante liberador en eso.
También fue una oportunidad para experimentar de maneras que nunca habíamos utilizado anteriormente. Por primera vez lanzamos una canción en inglés, con Tim, de la banda estadounidense GRIVO, como vocalista invitado. Eso por sí solo ya era algo completamente nuevo para nosotros.
Musicalmente, esa canción también resulta bastante inusual para nosotros. Está en algún punto entre el doom y el post-rock, dos géneros que hemos tocado anteriormente pero que nunca habíamos explorado realmente con demasiada profundidad. Precisamente eso fue lo que la hizo interesante.
Creo que un EP es un formato perfecto para este tipo de cosas. No necesariamente tiene que definir una nueva dirección para la banda o anunciar cómo va a sonar el siguiente álbum. Simplemente puede existir como un espacio en el que sigues una idea hasta donde quieras sin tener que convertirla en parte de una declaración más grande.
Revisitaron Morte(s) Née(s) mediante una nueva mezcla y masterización muchos años después de su lanzamiento original. ¿Qué pudieron escuchar ahora en ese disco que no fueron capaces de reconocer cuando lo terminaron originalmente y qué tan difícil fue alterar una obra vinculada con otro periodo de sus vidas?
En realidad, todavía nos encanta la mezcla original de Morte(s) Née(s), incluidas sus debilidades. Creo que algunas de esas imperfecciones son precisamente lo que le dio al disco su carácter y, de alguna manera, hicieron que su sonido se volviera bastante icónico. Así que la idea nunca fue corregir la versión original o fingir que de alguna manera podíamos hacerla “mejor” quince años después.
Se trató mucho más de curiosidad. Simplemente queríamos escuchar cómo podía sonar exactamente ese mismo disco utilizando un enfoque de producción más moderno, sin cambiar la música en sí misma. Fue casi como tomar exactamente el mismo material y observarlo desde un ángulo completamente diferente.
Personalmente, realmente no tengo preferencia entre las dos versiones. Ofrecen experiencias diferentes y creo que pueden coexistir perfectamente. Pero fue un verdadero placer redescubrir el álbum a través de la nueva mezcla, especialmente debido a la mayor claridad. Hay detalles, texturas e incluso algunas melodías que repentinamente aparecieron en la superficie de una manera que casi habíamos olvidado porque estaban mucho más enterradas dentro de la mezcla original.
Probablemente eso fue lo que más disfruté de todo el proceso: no cambiar el pasado, sino descubrir cosas que en realidad habían estado ahí durante quince años y que ni siquiera nosotros estábamos escuchando realmente.
Así que para mí la nueva mezcla no sustituye en absoluto a la original. Simplemente es otra perspectiva sobre el mismo disco, y de hecho me gusta que ahora la gente pueda elegir con qué versión conecta más.
La música extrema suele asociar la evolución con producciones más grandes, composiciones más complejas o una mayor accesibilidad. Para CELESTE, ¿qué significa un progreso genuino sin sacrificar la incomodidad que siempre ha definido su trabajo?
Para nosotros, progresar nunca ha significado realmente hacer las cosas más grandes o más complejas. La complejidad por el simple hecho de ser complejos no nos interesa demasiado.
Creo que el verdadero progreso consiste en ser capaces de sorprendernos a nosotros mismos. Cuando has escrito mucha música junto a otras personas, inevitablemente comienzas a reconocer tus propios hábitos. El desafío consiste en evitar tomar el camino más sencillo simplemente porque ya sabes que funciona.
Al mismo tiempo, tampoco intentamos conscientemente preservar la incomodidad o la oscuridad de nuestra música. Simplemente están ahí de manera natural. Incluso cuando introducimos sonidos más limpios, influencias inesperadas o algo que inicialmente podría sentirse más accesible, tendemos a retorcerlo hasta convertirlo en algo más oscuro o inquietante. Esa es simplemente la manera en que hacemos música juntos.
Así que para nosotros progresar no consiste en reemplazar lo que hacíamos anteriormente. Se trata de aumentar el rango de cosas que somos capaces de hacer. Queremos seguir abriendo puertas en lugar de cerrar las que quedan detrás de nosotros.
Mientras hacer nueva música continúe siendo emocionante para nosotros y siga existiendo un elemento de incertidumbre dentro del proceso, entonces estaremos avanzando. El día en que sepamos exactamente qué vamos a obtener antes de comenzar a escribir probablemente será el día en que deberíamos preocuparnos.
Francia ha desarrollado una escena de música extrema llena de artistas sumamente distintivos y difíciles de clasificar. ¿Creen que existe una sensibilidad específicamente francesa dentro de esa escena o que esa identidad es en gran medida una percepción construida desde fuera del país?
En realidad es bastante difícil para nosotros responder porque, al formar parte de la propia escena francesa, probablemente no la percibimos de la misma manera que alguien que la observa desde otro país. Pero definitivamente creo que hay algo distintivo dentro de la escena francesa de música extrema, y es algo de lo que podemos estar bastante orgullosos.
Francia ha producido una cantidad impresionante de bandas con identidades muy fuertes y singulares —GOJIRA, ALCEST, IGORRR, HYPNO5E, BLUT AUS NORD y muchas otras— y lo interesante es que ninguna de estas bandas realmente suena como las demás. Si existe algo que las conecta, quizá sea precisamente esta tendencia a crear su propio universo en lugar de seguir estrictamente los códigos de un género existente.
También creo que nuestro contexto cultural más amplio inevitablemente influye en la música que creamos, incluso cuando no estamos pensando conscientemente en ello. La cultura francesa tiene una relación particular con el arte, la literatura, el cine, la oscuridad y la tragedia, y algunas veces me pregunto si el Romanticismo no forma parte también de ese patrimonio común. No necesariamente el Romanticismo como una influencia directa o consciente, sino esa atracción hacia las emociones intensas, la melancolía, el drama, la belleza y la oscuridad. Son temas que parecen aparecer de una manera bastante natural dentro de mucha de la música extrema francesa.
Obviamente, es difícil saber qué parte de eso es real y qué parte corresponde a una percepción construida desde fuera de Francia. Pero la cultura inevitablemente moldea la manera en que creas, y no veo por qué la música extrema tendría que ser una excepción.
En cualquier caso, cuando observas la cantidad de bandas francesas que han conseguido desarrollar un lenguaje artístico genuinamente único y obtener reconocimiento internacional sin necesariamente comprometer su identidad, creo que tenemos todas las razones para estar orgullosos de la escena que tenemos en Francia.
En Latinoamérica, el metal extremo frecuentemente se desarrolla en medio de dificultades económicas, infraestructura limitada y un enorme compromiso por parte de su público. ¿Qué les gustaría comprender sobre esta escena más allá de la conocida imagen del público latinoamericano excepcionalmente apasionado?
Lo que nos interesa aquí va mucho más allá de lo que ocurre frente al escenario. Tenemos muchísima curiosidad por descubrir el ecosistema detrás de los propios conciertos: las bandas, los promotores, los recintos y las personas que mantienen vivas estas escenas.
Viniendo de Europa, es fácil olvidar lo privilegiados que somos en términos de infraestructura. Hay recintos en todas partes, festivales cada fin de semana, distancias relativamente cortas entre países y toda una red profesional que hace que salir de gira sea comparativamente sencillo. Puedes comenzar a dar todo eso por sentado.
Por lo que entendemos, mantener viva una escena independiente de música extrema en muchas partes de Latinoamérica puede requerir un nivel completamente diferente de compromiso e ingenio. Me interesa observar cómo la gente crea, organiza conciertos y construye comunidades cuando las condiciones no necesariamente son tan sencillas.
No venimos con la idea de que ya entendemos la escena simplemente porque hemos escuchado historias sobre el público latinoamericano. Realmente no la conocemos. Esta es nuestra primera vez aquí, así que la parte interesante será conocer gente, hablar con bandas y promotores locales y entender cómo funcionan realmente las cosas desde su perspectiva.
Hay algo muy saludable en llegar a algún lugar sabiendo que tienes mucho más que aprender que explicar.
Después de tocar tantos conciertos, ¿cómo evitan que una música concebida a través de emociones extremas se convierta en una interpretación automática? ¿Necesitan regresar mentalmente al origen de estas canciones o han adquirido significados completamente diferentes sobre el escenario?
No creo que necesitemos regresar conscientemente al estado mental en el que estábamos cuando escribimos las canciones. Algunas de ellas fueron escritas hace quince o incluso casi veinte años, así que intentar recrear exactamente lo que sentíamos en ese momento probablemente sería artificial de cualquier manera. Evidentemente ya no somos las mismas personas.
Lo que mantiene vivas las canciones para nosotros tiene mucho más que ver con la experiencia física de tocarlas. Nuestros conciertos son suficientemente intensos como para que resulte bastante difícil interpretarlos completamente en piloto automático. El volumen, la oscuridad, el esfuerzo físico y la atmósfera dentro del recinto cambian constantemente la manera en que experimentamos las mismas canciones.
Por supuesto, existen ciertos gestos y partes de la interpretación que inevitablemente se vuelven instintivos. Pero no necesariamente considero que eso sea algo negativo. Cuando ya no tienes que pensar en lo que estás tocando, en realidad puedes sumergirte todavía más dentro de la experiencia general.
Y las canciones definitivamente adquieren nuevos significados con el tiempo. Algunas de ellas han estado con nosotros durante una parte tan grande de nuestras vidas que ya no están conectadas con una emoción o un momento particular. Están conectadas con cientos de conciertos, países, personas y recuerdos.
Probablemente eso es lo que evita que se vuelvan puramente automáticas. Puedes estar tocando exactamente las mismas notas, pero nunca realmente las estás tocando dos veces dentro del mismo contexto.
Su música transmite angustia, violencia y opresión, pero rara vez ofrece una explicación sencilla sobre su origen. ¿Creen que preservar esta ambigüedad permite que los oyentes confronten sus propias experiencias en lugar de recibir una interpretación fija?
Absolutamente. Nunca he querido realmente decirle a la gente exactamente qué debería entender o sentir cuando escucha nuestra música. Incluso cuando las letras provienen de algo muy personal o hacen referencia a una situación específica, prefiero dejar suficiente espacio para que las personas puedan proyectar sobre ellas sus propias experiencias.
Creo que la ambigüedad hace que la música sea mucho más poderosa. Si lo explicas todo, inmediatamente reduces la cantidad de interpretaciones posibles. Algo que originalmente surgió de una experiencia muy específica de mi vida puede significar algo completamente diferente para otra persona, y me parece mucho más interesante que asegurarme de que entiendan exactamente lo que yo tenía en mente cuando lo escribí.
Lo mismo ocurre con la propia música. Evidentemente trabajamos con emociones como la angustia, la violencia, la frustración, la melancolía o la opresión, pero no estamos intentando proporcionar una explicación o una resolución. CELESTE nunca se ha tratado realmente de ofrecer respuestas.
De alguna manera, creo que estamos más interesados en crear un espacio donde determinadas emociones puedan existir en su máxima intensidad sin necesariamente tener que ser explicadas. Lo que las personas decidan colocar dentro de ese espacio les pertenece a ellas.
Y a lo largo de los años he escuchado interpretaciones de nuestras canciones que eran completamente diferentes de lo que originalmente pretendía, pero que aun así tenían perfecto sentido. Eso realmente me gusta. Una vez que una canción es publicada, no creo que su significado nos pertenezca exclusivamente a nosotros.
Después de finalmente abrir una puerta hacia México y Latinoamérica, ¿ven esta gira como un acontecimiento excepcional o como el comienzo de una relación duradera con la región? ¿Qué tendría que ocurrir durante estos conciertos para que regresaran a casa sintiendo que algo dentro de CELESTE había cambiado?
Definitivamente esperamos que este sea el comienzo de una relación duradera en lugar de una experiencia de una sola ocasión.
Por supuesto, también tenemos que ser realistas. Como dijimos anteriormente, esta gira ya es algo que estamos haciendo sabiendo que probablemente vamos a perder dinero con ella. Venir desde Europa con cinco personas, equipo y todo lo que implica una gira como esta es costoso, así que para que pueda convertirse en algo que podamos hacer regularmente necesitamos encontrar un modelo que al menos sea sostenible.
Pero no creo que vayamos a juzgar el éxito de esta gira desde el punto de vista financiero. Si existe esa conexión, si la gente viene a los conciertos y sentimos que hay un deseo genuino de que estemos aquí, vamos a querer encontrar la manera de regresar. Esperamos que esta primera gira también nos permita construir relaciones con promotores, recintos y personas dentro de las escenas locales que puedan facilitar nuestro regreso en el futuro.
En cuanto a qué tendría que ocurrir para que sintiéramos que algo dentro de CELESTE ha cambiado, no creo que realmente podamos saberlo de antemano, y probablemente esa sea la parte más emocionante. No recorres un continente entero, conoces a cientos de personas nuevas y experimentas culturas completamente diferentes sin llevarte algo contigo.
Si eso eventualmente termina apareciendo dentro de nuestra música, nuestra manera de tocar o simplemente nuestra manera de ver a la banda, lo descubriremos después. Pero realmente espero que regresemos a casa con la sensación de haber abierto una puerta que no queremos volver a cerrar.
