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Epica - 'Omega'

El octavo álbum de estudio de los holandeses de Epica por fin verá la luz en medio de tantas dificultades por el tema de la pandemia este próximo 26 de febrero a través de Nuclear Blast. El primer indicio de este trabajo lo tuvimos con el lanzamiento del tema y video de "Abyss Of Time - Countdown to Singularity -" el cual fue lanzado este pasado 09 de octubre, que nos regaló un exquisito sabor de boca con un sonido veloz y agresivo lleno de vertiginosos cambios de ritmo, y luciendo a Simone Simons bellísima y en un gran momento ¿Será así de bueno todo el disco? Aquí responderemos a esa pregunta.

De hecho es este tema -después de un breve intro titulado "Alpha-Anteludium"- el que abre a tambor batiente el disco para dar posteriormente paso a "The Skeleton Key", un tema más lento que su antecesor, pero con una atmosfera más oscura y fantasmagórica y con una marcada pesadez en las guitarras que cuando acompañan a Mark Jansen suenan como una estampida de elefantes pisando y barruntando con furia. "Seal Of Salomon" es buena pero se siente un poco lineal y a diferencia de los temas anteriores no llega a ser tan impresionante: podría funcionar más como un single fácil de digerir aunque eso si, con una gran dosis de coros sinfónicos que le dan poder. De similar composición aunque con una mejor ejecución tenemos "Gaia", con un ritmo que invita a mover los pies y el cuello al ritmo de su marcha de principio a fin.

Epica en 2020

"Code Of Life" abre con una marcada influencia de sonidos del medio oriente, sin duda y teniendo en cuenta su letra que habla de la eternidad y otros conceptos similares si tiene un videoclip seguro estará ambientado al estilo egipcio o algo así. A continuación viene el tema "Freedom – The Wolves Within", segundo sencillo del disco que escuchamos apenas hace tres días al momento de escribir este texto. Su lanzamiento fue un lanzamiento con causa, ya que la banda decidió donar ganancias de la venta del sencillo a la protección del hábitat del lobo gris (en peligro de extinción) en colaboración con Nuclear Blast y los animalistas WWF.

A continuación tenemos frente a nosotros los más de trece minutos de duración de la tercera parte de "Kingdoms Of Heaven" ( la primera fue lanzada en el disco "Design Your Universe" del 2009, la segunda en "The Quantum Enigma" del 2014), que bajo el nombre complementario de "The Antediluvian Universe" en general es por supuesto una larga melodía llena de arreglos, sonidos de piano, momentos de climax y mucha orquestalización, al más puro estilo de los temas de larga duración de Epica. "Rivers" es el momento de paz del disco, donde con el piano y los violines de fondo nos embelesamos de la mano de la voz angelical de Simone en ese bálsamo melódico que es esta balada. "Synergize - Manic Manifest" regresa al tono pesado y de cierto modo oscuro y mágico que hablábamos al principio, con un breve pero poderoso ametrallamiento de batería y guitarras a medio tema que pocas veces escuchamos en la banda. En "Twiligth Reverie" que es ya de hecho el penúltimo tema tenemos probablemente el mas contrastante ir y venir entre melodía suave y poderosas notas, una oda de ángeles y demonios como bien lo menciona su letra que será una delicia para quienes adoran esa alternancia de tonos que a veces maneja la banda holandesa. Trompetas al aire se anuncia de forma sublime el cierre del álbum con "Omega - Sovereign of the Sun Spheres -" , tema fuerte e incluso agresivo en momentos que funciona como un buen adiós a una placa que en ningún momento flaqueó por falta de "punch".

La respuesta a la pregunta que planteamos al principio es "Si". "Omega" es un gran trabajo bien llevado y orquestado que si bien no presenta nada sorprendente en cuanto a novedad pues suena totalmente a Epica, si lo hace en cuanto al nivel de ejecución; es un disco en el que se nota buscaron pulir y dar poder a cada tema. Toda la placa es fuerte y potente de principio a fin.


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Sólstafir - 'Endless Twilight of Codependent Love'

Review por Shantal Gómez

Sólstafir es de esas bandas poco conocidas que merecen más seguidores en el mundo del metal, si aún no has tenido oportunidad de escuchar a esta banda Islandesa de post metal, su séptimo y nuevo disco “Endless Twilight of Codependent Love” es tu oportunidad para conocerla. Nosotros ya lo escuchamos y aquí te decimos si debes adquirirlo ahora mismo.

Si algo ha distinguido a Sólstafir desde sus inicios es su interés por preservar sus raíces islandesas, haciendo casi todas sus canciones en su idioma natal y, en el caso de este álbum, poniendo con orgullo en su portada la imagen de “La mujer de la montaña”, una pintura emblemática que es la personificación femenina de Islandia.

Sin embargo, contrario a la belleza que la portada del álbum transmite, la lírica contenida es cruda, realista, repleta de muerte, amor y desamor, suicidios, letras oscuras, del alma, que reflejan el mood por el que muchos hemos pasado durante esta pandemia; demostrándonos que indudablemente la música es universal y retrata los vicios más escondidos pero latentes de la sociedad.

Es sorprendente que toquen de una manera tan auténtica temas tan espinosos y tan actuales como la violencia de género, siendo que les brindan ese empoderamiento a las mujeres dentro de canciones como “Drysill” o “Rökkur” donde historias de violencia terminan en mujeres que se atreven a encarar a sus agresores (spoiler alert: los matan).

Este disco comienza con “Akkeri” que, con 10 minutos de duración, nos lleva por un viaje de géneros desde post metal hasta hard rock pero que en ningún momento se vuelve tediosa. “Dionysus” es totalmente una vuelta al black metal de la vieja escuela, “Or” es una mezcla interesante de metal y blues, “Úlfur” te recuerda totalmente material de los Deftones... una travesía por los más variados géneros musicales que encajan perfectamente con el estilo propio que Sólstafir ha creado desde hace casi 30 años.

Es un álbum oscuro, realista, que utiliza desde los sintetizadores propios del post punk así como su naturaleza gótica hasta el black metal nórdico junto con sus letras crudas y repletas de violencia. Un viaje musical es lo que podría definir a este disco, de una banda que indudablemente merece más reconocimiento y seguidores pues engloban mucho que otros carecen: talento musical, letras auténticas y reales, no tienen miedo de experimentar con otros géneros y, sobre todo, poseen sentido de identidad propio y muy marcado.

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Garmarna - 'Förbundet'

Abriéndose paso en la escena folk mundial desde hace tres décadas, la banda sueca Garmarna presenta su séptimo material de larga duración titulado "Förbundet" el cual ha sido lanzado apenas este 06 de noviembre pasado vía Season Of Mist. De la mano del multinstrumentista Stefan Brisland-Ferner y la voz de la sueca Emma Härdelin, te contamos que nos pareció este trabajo.

Conocidos por componer música basada en melodías escandinavas tradicionales con un toque de rock, el disco abre con el tema "Ramunder", una melodía que data de los años 1700s, con la presencia de Anders Norudde de Hedningarna tocando la moraharpa: un tipo de instrumento predecesor del violín. "Två Systrar" mantiene esta mezcla entre lo tradicional y lo moderno, con un sonido un poco más oscuro que de hecho en voz de la banda es el sello que más resalta a lo largo del trabajo, y con la participación de María Franz de Heilung en las voces. "Dagen Flyr" tiene una entrada más electrónica y un ritmo mucho más contemporáneo, mientras que "Sven i Rosengård" destaca por la potencia de sus percusiones tribales y marcadas. La melodía acústica y pacifica de "Ur Världen Att Gå" nos sirve para cerrar los ojos y dejarnos llevar por la hechizante voz de Emma Härdelin; llegando así al ombligo del trabajo en una sintonía que se mantiene con el siguiente tema " Vägskäl".

"Lussi Lilla" sacude esa linealidad melódica previa, con una tonada un poco más animosa, con la participación de Ulf Gruvberg en las vocales. Las campanas de "Avskedet" sirven de marco a un tema bello pero sombrío, con un sonoro palpitar de principio a fin. La placa termina con "Din Grav", un pequeño tema de menos de dos minutos de duración, con el sonido de agua al caer y una exquisita interpretación vocal que invita a la relajación.


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Sodom - 'Genesis XIX'

Correr a todos tus músicos o enfrentar una pandemia (todo en menos de dos años) son eventos que podrían haber dado fin a cualquier banda, pero por supuesto no a Tom Angelripper y su Sodom, quien este 27 de noviembre lanza al mercado su dieciseisavo disco titulado "Genesis XIX", el primero con una nueva alineación que pasa de ser un trío a un cuarteto con la adición del segundo guitarrista Yorck Segatz. Este disco será distribuido en Europa por Steamhammer/SPV, mientras que en norteamérica será Entretaiment One (eOne) la encargada de ello.

"Blind Superstition" es el intro que abre el camino a una descarga de thrash en su máximo grado de pureza como lo es "Sodom & Gomorra"; que de verdad la definición que mejor le queda sin tanto rollo es en una sola palabra, esa: thrash. "Euthanasia" tiene un estilo más de saltos potentes en la batería que ya esperamos con ansias escuchar en vivo con el recién llegado Toni Merkel. Y es que recordemos que previo a esta placa, en el año 2018 Bernd Kost y Markus Freiwald (guitarra y batería respectivamente) salieron de la banda para ser sustituidos con el retorno del guitarrista Frank Blackfire (con quien Sodom grabó a finales de los ochenta "Persecution Mania" y el mítico "Agent Orange"), y en los tambores con el mencionado Freiwald (aunque previamente el puesto lo ocupó Stefan "Husky" Hüskens, quien abandonó el proyecto en menos de un año argumentando problemas en su empleo de tiempo completo). Seguimos avanzando en el disco y justo topamos con el tema que le da nombre a la placa; y que es una verdadera joya de más de siete minutos de duración llena de cambios de ritmo, un intermedio melódico y una producción brutal y completa ¡Qué gran tema es "Genesis XIX"! El trabajo se torna ahora oscuro y con una gran influencia de Black Metal con "Nicht Mehr Mein Land", el único tema de este disco grabado en la lengua materna de la agrupación.

La velocidad machacante se hace de nuevo presente con "Glock & Roll", con una influencia muy grande del sonido que caracterizó por décadas a Slayer. A continuación llega el segundo tema de larga duración de este trabajo, y de nuevo superando los siete minutos de duración, encontramos en "The Harpooneer" un tema con un inicio desolador y apocalíptico que de nuevo revienta en pura agresión bien elaborada con unos breves silencios en los que parece Sodom tomara aire para iniciar la devastación, aunque también con un coro melódico que si le rompe un poco el ritmo al tema cuando la adrenalina va ya a tope. Y así de rápido llegamos a las dos terceras partes del disco, donde "Dehumanized" nos recibe con un tema con una entrada larga y que transmite desesperanza, para después acelerar a un ritmo de guitarras como sierra que no se calma hasta que el track termina.

Con un intercambio entre la velocidad por la pesadez, llegamos ahora a "Occult Perpetrator", donde al ritmo del prolongado y desgarrante coro que se avienta Angelripper vamos martillando las cervicales con ese constante ajetreo casi mecánico, y que seguro si es tocado en vivo nos hará levantar el puño gritando Hey al unísono con el cantante y bajista teutón. De nuevo tenemos un tema de casi seis minutos y medio que inicia con una melodía pausada de guitarra que pues si, aunque a muchos no les agrade la comparación podría sonar a lo que hace Metallica, pero solo es en el comienzo ya que luego vuelve a transformarse en una canción totalmente Sodom. "Indoctrination" es un tema muy bueno para cantar a pulmón, que tiene un riff poderoso y rápido como una locomotora y que solo da tiempo a un respiro un poco experimental a media canción, para volverte a subir pronto a ese riel de poder que el tema presume. El disco cierra con "Friendly Fire", que al puro estilo de la vieja escuela del agente naranja nos deja bien claro que Sodom vino a regalar un trabajo que apoya el adagio ese que dice que lo que no te mata, te fortalece.


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Visions Of Atlantis - 'A Symphonic Journey To Remember'

Visions Of Atlantis trae desde las profundidades del océano su primer álbum en vivo Blu-ray/DVD, "A Symphonic Journey to Remember", el cual fue grabado en el festival Bang Your Head!!! 2019 y que será lanzado por Napalm Records el 30 de Octubre de este año. Esta experiencia única se captura en formatos de audio y Blu-ray / DVD: 17 pistas atmosféricas guían a los oyentes y espectadores a través de la discografía poderosa e incomparable de Visions Of Atlantis.

Tuvimos la oportunidad de escuchar el disco completo y un adelanto audiovisual del mismo que nos muestra un intro digno de un preludio orquestal que abre pasó a un energético y encantador “The Deep and the dark”, que enmarca la grandiosidad de estar en vivo en el festival y la impresionante entrega musical de la banda. A lo largo del disco nos presentan historias épicas donde nos hacen recordar momentos de melancolía que llevan un viaje por los siete mares, izar velas y encontrarnos con el romance que da cada letra escrita como poema para al fin poder llegar a la tierra prometida y con estos momentos y matices poder terminar con un muy buen sabor de boca esperando no sea la última vez que veamos a la banda ofreciéndonos un show de calidad y espectacularidad.

La banda tiene todos los componentes para el éxito: una voz feroz y entregada de parte de Clémentine Delauney que en conjunto con Michelle Guaitoli hacen una perfecta simbiosis además de un guitarrista que destroza sus cuerdas con melodías épicas, que se combinan con la energía de su baterista que tiene golpes limpios pero contundentes, un bajista que brinda la profundidad de los mares y por supuesto, la orquesta que le da la pesadez perfecta para encontrar sonidos frescos y vibrantes.

Esta inolvidable experiencia en vivo estará disponible como un paquete especial de Blu-ray / DVD / CD de audio, así como un doble vinilo Gatefold, como una edición de lujo exclusiva y a través de todos los servicios de streaming.

Texto por Natalia Argandar


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Brutal MX - 'El inicio'

Brutal MX es un naciente proyecto creado por Guillermo Huerta el 7 de Agosto de 2020 como un medio de expresión musical individual buscando un sonido industrial con letras principalmente en español con la intención de canalizar todas las ideas, voces y sonidos en su mente. Tuvimos la oportunidad de escuchar su primer trabajo de larga duración "El inicio" que verá la luz este 01 de noviembre y aquí te contamos que tal está.

Tras el "intro" que abre el disco, nos encontramos con "Visitantes", que hay que decirlo, es malogradamente algo así como otro intro: no puedes poner un tema tan lineal a abrir un disco y menos si un intro le antecede. Por fortuna el siguiente track "Inanición" es mucho mejor y con una marcada influencia de bandas como Rammstein en sus inicios deja ver que al menos hasta este momento lo primero fue solo un susto, y me atrevo a decir es uno de los mejores temas del trabajo. Menos veloz pero más pesado llega "B...R...U...T...A...L", que alternando con sonidos de disparos continua con esa atmosfera oscura, pero en un formato distinto al de la canción anterior. "Motor de Cadena" es un tema que de cierta forma hibrida a los dos anteriores: se parece a ambos pero no es ninguno. "Luna", primer sencillo promocional, es de un sonido de atmosfera totalmente de la vieja escuela, con un industrial que mezcla ritmos electro-goth de muy buena forma: bailable y pegajoso. Brutal MX no tiene una línea marcada en su estilo, lo cual será algo vomitivo para quienes gustan escuchar trabajos con cierta tendencia musical en rodos los temas al menos de raíz, pero todo un gusto para quienes gustan ser sorprendidos track por track sin saber que esperar en el siguiente.

"La noche está aquí" vuelve a la formula más de metal industrial, con subidas y bajadas en sus riffs; que le da frescura y revitaliza al trabajo en cuanto a velocidad se refiere. "Señor de la oscuridad" es algo así como un interludio o al menos así lo quiero entender, pues con ese sonido que invita a un ritual brinca demasiado y de forma abrupta con todo lo que habíamos escuchado en el trabajo: algo arriesgado y que siento le rompe el ritmo a la escucha. "Una vez más" es tétrico y te hace sentir en cerrado dentro de una macabra habitación con tus demonios, pero es un buen tema sin duda con cambios de ritmo bien logrados y alternados. Unas campanas hacen de apertura a "El final de los tiempos", que con la transmisión de un boletín informativo que anuncia una guerra nuclear despide el disco en una especie de outro industrial cataclísmico. El trabajo contiene además un remix del tema "Luna", cortesía del proyecto Leben In Der Nacht.

En resumen "El Inicio" es un trabajo con temas buenos y con mucho potencial, aunque también con otros que rompen el ritmo a la escucha. Si la intención de Brutal MX es esa mezcla caotica en su discografía sin duda no será un proyecto para cualquiera. Por supuesto es notorio hace falta con el tiempo pulir el sonido y buscar una mezcla final mucho más profesional, pero se agradece el esfuerzo de buscar mantener vivo ese industrial de la vieja escuela. Y ojalá Guillermo entienda que la versatilidad vocal es importante, y que no tiene que sonar y cantar de forma idéntica en todas las canciones, todo el tiempo; ya que eso le va a ayudar mucho a que no se sienta tan monótono su trabajo.


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Puscifer - 'Existential Reckoning'

Cinco años después de su último lanzamiento, Puscifer, uno de los proyectos alternos de Maynard James Keenan (Tool / A Perfect Circle), está de vuelta aprovechando el tiempo libre que la pandemia les otorgó y regresan con 'Existential Reckoning', un álbum que por momentos parece escrito como soundtrack de los tiempos apocalípticos que vivimos.

El disco abre como las voces calmadas de Maynard sobre una lenta pista electrónica en 'Bread and Circus', las cuales comienzan a tomar energía y velocidad conforme avanzan sus casi siete minutos de duración. Tras ello, nos encontramos el tema que fue el primer sencillo del álbum, 'Apocalyptical', bastante simple y básica, pero muy pegajosa.

A lo largo de todo el álbum, 'Existential Reckoning' está lleno de alegorías y referencias a grandes cambios que afectarán a la humanidad, el control de los gobiernos sobre la población y las visitas extraterrestres, casi como Keenan supiera desde antes lo que habría de pasar con la humanidad, en una especie de Nostradamus Millenial, una cualidad que ya habría mostrado en trabajos de sus anteriores bandas.

Puscifer en 2020

Temas como 'The Underwhelming', 'Bullet Train to Iowa' y 'A Singularity' tratan por momentos de dejar de lado la línea ultra electrónica del álbum para retomar un sonido más clásico de Puscifer, con riffs más rockeros / groovy aunque con la habilidad de que aún se sienten como parte del paquete, sin desentonar ni musical ni temáticamente.

Por otro lado, 'Gray Area 5.1', 'Theoreme' y 'UPgrade' pecan de ser demasiado similares entre ellas, incluso, si te distraes un momento, podrías llegar a pensar que es una canción tan larga como si fuera parte de algún álbum de Tool.

Si escuchas algún tipo de pesadez escuchando este álbum, no la encontrarás por ninguna parte, pues si bien es cierto que Puscifer nunca se ha caracterizado por ser especialmente pesado, las notas de los riffs han sido casi totalmente desplazados por sonidos del sintetizador, acercándose mucho más al sonido de bandas como MGMT podría ofrecer, pero con el eterno placer de escuchar la voz de Maynard, aún cuando la rabia que alguna vez mostró, ya no está presente; sin embargo, esto es una tendencia en todos sus proyectos.

'Existential Reckoning' no es el trabajo más inspirado de Puscifer a lo largo de su carrera, pero sin duda es más que disfrutable. Lleno de advertencias hacia la humanidad y guiado por sonidos electrónicos, por momentos peca de una monotonía que podría aburrir a quienes no saben a lo que van, pero igualmente bien podría ser el soundtrack perfecto para tratar de disfrutar lo que nos queda de encierro.


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Devildriver - 'Dealing with Demons'

Review por Shantal Gomez

“Escribir música ayuda a que pueda purgar los demonios que tengo” Mike Spreitzer

Devildriver regresa este 2 de octubre con su material inédito “Dealing with demons”, el cual es un ejemplo claro de los subgéneros de metal (groove metal/death metal melódico) que desde sus inicios pretendieron presentar pero con un toque de frescura y un importante diferenciador con con respecto a sus álbumes anteriores.

Habría que empezar señalando la magnífica portada de este CD, un arte refleja por completo el título y contenido del álbum teniendo como protagonista a la muerte contendiendo con los demonios de las profundidades del infierno, es una imagen cruda, directa y que te invita a ser parte de esa historia a través de la lírica de cada canción.

El disco es un sonido sine qua non para la banda pues como han comentado en diversas entrevistas “lo que queríamos era alentar todo un poco, respecto a lo que hemos hecho en el pasado, enfocándonos en los tempos” lo cual no implica precisamente que sean baladas, pero si se nota más melodioso con respecto a álbumes previos como Beast (2011).

Empieza de forma precisa con  “Keep away from me” pues desde el inicio sabes que lo que viene es casi por completo distinto a lo que Devildriver nos tenía acostumbrados, pero no en el mal sentido, de hecho esa “lentitud” hace que ésta y otras canciones como “Iona”, “Wishing”  o “Nest of Vipers” suenen incluso más heavy, más profundas.

Sin embargo, no abandonan ese estilo que los ha caracterizado y el segundo track “Vengeance is clear” pues la presencia del bajo y la batería son notables, así como la guitarra rápida que carga casi todo el peso de la canción. Mientras tanto llega “You give me a reason to drink” que si bien es, probablemente, la canción más lenta de todas, tiene una letra sumamente cruda, oscura y que culmina con un solo espectacular de guitarra que hace que sea una de nuestras favoritas por su ambigüedad tan bien llevada a cabo.

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Devildriver en 2020

La canción que da título al álbum es posiblemente la mejor y la que más nos hace añorar un Wall of death de un enorme festival de metal; “Dealing with demons” tiene unos solos bastante remarcables y la voz de Fafara es destacable.

Es importante señalar que este disco se terminó casi por completo antes de la pandemia, sin embargo pareciera ser una profecía de lo que estaba por venir pues nos detalla canción por canción todas las ansiedades, frustraciones, miedos, furia que atravesamos y que nos hacen sentir que, definitivamente, estamos lidiando con nuestros peores demonios. 

Un álbum recomendable para tener ese momento de introspección tan necesario en los tiempos que estamos viviendo, pues purgar a nuestros demonios sea posiblemente uno de las mayores beneficios que la música (mas no la pseudo música) nos otorga. 

Indudablemente vale la pena adquirirlo, es el DevilDriver que nos encanta pero con un toque novedoso, distinto, disfrutable. Son bandas que vale la pena seguir apoyando porque son éstas el futuro de los grandes festivales de metal en el mundo.


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Marilyn Manson - 'We Are Chaos'

Review por Shantal Gómez

El día de mañana, sale al mercado el onceavo álbum de Marilyn Manson “We are chaos” cuyo título pareciera describir el 2020 y, de paso, los sonidos, concepto y contenido de este nuevo material de la banda. Tuvimos la oportunidad de escuchar lo nuevo de Manson y aquí te dejamos nuestras primeras impresiones...

Empecemos por decir que no es su peor trabajo, mucho menos el mejor, pero si hay algo que destaca a primera vista de este álbum es el arte que lo enmarca; con una pintura en acuarela diseñada por el mismo Manson titulada “Infinite Darkness” (mismo título que el track #6 ) el álbum, en sus distintas versiones, bien merece ser adquirido si eres un melómano, un fan acérrimo de la banda o un amante del trabajo artístico de Brian Hugh Warner.

Cabe destacar que el material fue grabado y creado, en palabras del propio Marilyn Manson, totalmente en cuarentena por lo que representó un reto en todos los sentidos para la banda, pues como él mismo afirmó “Esto fue grabado hasta completarse sin nadie escuchando hasta que estuvo terminado. Es lo más definitivo a un lado A y un lado B en el sentido tradicional. Pero como un LP, es un círculo plano y corresponde al oyente colocar la última pieza del rompecabezas en la pintura de canciones.”

El disco comienza con “Red, black and blue”, que es un buen inicio para el material pues nos envuelve en una atmósfera siniestra e, inquietantemente, mucho más calma de lo que cualquiera podría esperar. “We are chaos” es el track que le sigue y que se convirtió en el primer sencillo de este álbum, una canción donde destaca la guitarra acústica, que parece no encajar con las demás canciones y que...tiene un buen video. Prosigue el disco con “Don’t chase the death” (segundo sencillo) con una lírica sencilla pero disfrutable y un sonido más familiar. Nada del otro mundo.

Definitivamente se nota la diferencia entre lo que llamó Manson “lado A y B”, pues al llegar a “Infinite Darkness” comienza un sonido más heavy, líricas más elaboradas con líneas interesantes y hasta memorables, pero que también llega a caer, después de cierto punto, en lo plano y que te hace perder el interés pasando el primer minuto y medio. Cierra el álbum con ”Broken needle” que pareciera ser la canción idónea para concluir pues es, de hecho, de las mejores 3 con un sonido acompañado nuevamente por guitarra acústica pero que encaja con la sensación que transmite la voz de Manson de estar cerrando un disco introspectivo, reflejo de su propia humanidad repleta de caos.

A pesar de las limitaciones que implicó para la banda el grabar de forma remota, el álbum nos presenta un sonido totalmente diferente a sus trabajos previos llegando al punto en que realmente no sabrías si estás escuchando a Marilyn Manson, pues recurre a recursos poco explotados con anterioridad por ellos. Huelga decir, no es sorprendente, ni nuevo, mucho menos espectacular, pero sí es diferente a lo que nos tienen acostumbrados y es aplaudible si tomamos en cuenta el esfuerzo a pesar de las complicaciones.

No podemos afirmar que es un mal disco, porque tiene cosas bastante rescatables y disfrutables, pero definitivamente no es ni de cerca el sonido y concepto disruptivo, propositivo y que rayaba en la genialidad que el reverendo y su banda nos regalaron en algún momento de sus casi tres décadas de existencia.


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Anna von Hausswolff - 'All Thoughts Fly'

"All Toughts Fly" es el nombre del nuevo álbum de Anna von Hausswolff, el cuál será estrenado el próximo 25 de septiembre bajo el sello Southern Lord, y tal como su nombre lo indica, es un material en el cuál la artista sueca, libera por completo sus sentimientos y echa a volar la imaginación en un viaje sónico y místico, conformado por siete piezas que conectan todo esto de principio a fin, y que tuvimos la oportunidad de escuchar previo a su lanzamiento.

Este nuevo álbum solista e instrumental, fue concebido y realizado a un sólo instrumento: el órgano de tubos, y sólo eso fue suficiente, para que Anna pudiera hacernos entrega de un material único, experimental y sumamente introspectivo y melancólico.

El primer adelanto dado al mundo, fue el sencillo "Sacro Bosco", el cuál cuenta con un misterioso video oficial, y hace un par de semanas, se lanzó el tema que da nombre al disco, y es el preámbulo que muestra lo que podremos disfrutar con el álbum completo, y de eso se trata, de unirnos a los sentimientos que Anna plasmó en éstas nuevas piezas y disfrutar de cada una de ellas y de todo lo que evocan.

https://www.youtube.com/watch?v=r0eeZ2kDZf8

Anna von Hausswolff, busca que con éste material, la gente pueda liberar su mente y que encuentren una conexión y diversas interpretaciones de las piezas, ya que existe todo un mundo de posibilidades que pueden ser exploradas, que puedan echar volar su imaginación y vaguen a través de sus pensamientos.

"All Thoughts Fly", provocará un sinfín de sensaciones, desde lo melancólico hasta lo lúgubre, sin dejar a un lado el misterio y la euforia, cada melodía lograda con tan sólo un instrumento, generará toda una experiencia que debemos darnos la oportunidad de vivir.

Los formatos físicos del álbum, así como sus versiones digitales, ya se encuentran en preventa a través de las redes oficiales de la artista.

"All Thoughts Fly" es indudablemente, un disco imperdible, el que quizá no será dirigido para todo público, pero que vale absolutamente la pena reproducir aunque pienses que "no es lo tuyo", a final de cuentas, podrás quizá, llevarte una muy grata sorpresa y ser un nuevo fan de Anna von Haussenwolff y de su increíble talento para crear piezas musicales brillantes.