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Marilyn Manson - 'We Are Chaos'

Review por Shantal Gómez

El día de mañana, sale al mercado el onceavo álbum de Marilyn Manson “We are chaos” cuyo título pareciera describir el 2020 y, de paso, los sonidos, concepto y contenido de este nuevo material de la banda. Tuvimos la oportunidad de escuchar lo nuevo de Manson y aquí te dejamos nuestras primeras impresiones...

Empecemos por decir que no es su peor trabajo, mucho menos el mejor, pero si hay algo que destaca a primera vista de este álbum es el arte que lo enmarca; con una pintura en acuarela diseñada por el mismo Manson titulada “Infinite Darkness” (mismo título que el track #6 ) el álbum, en sus distintas versiones, bien merece ser adquirido si eres un melómano, un fan acérrimo de la banda o un amante del trabajo artístico de Brian Hugh Warner.

Cabe destacar que el material fue grabado y creado, en palabras del propio Marilyn Manson, totalmente en cuarentena por lo que representó un reto en todos los sentidos para la banda, pues como él mismo afirmó “Esto fue grabado hasta completarse sin nadie escuchando hasta que estuvo terminado. Es lo más definitivo a un lado A y un lado B en el sentido tradicional. Pero como un LP, es un círculo plano y corresponde al oyente colocar la última pieza del rompecabezas en la pintura de canciones.”

El disco comienza con “Red, black and blue”, que es un buen inicio para el material pues nos envuelve en una atmósfera siniestra e, inquietantemente, mucho más calma de lo que cualquiera podría esperar. “We are chaos” es el track que le sigue y que se convirtió en el primer sencillo de este álbum, una canción donde destaca la guitarra acústica, que parece no encajar con las demás canciones y que...tiene un buen video. Prosigue el disco con “Don’t chase the death” (segundo sencillo) con una lírica sencilla pero disfrutable y un sonido más familiar. Nada del otro mundo.

Definitivamente se nota la diferencia entre lo que llamó Manson “lado A y B”, pues al llegar a “Infinite Darkness” comienza un sonido más heavy, líricas más elaboradas con líneas interesantes y hasta memorables, pero que también llega a caer, después de cierto punto, en lo plano y que te hace perder el interés pasando el primer minuto y medio. Cierra el álbum con ”Broken needle” que pareciera ser la canción idónea para concluir pues es, de hecho, de las mejores 3 con un sonido acompañado nuevamente por guitarra acústica pero que encaja con la sensación que transmite la voz de Manson de estar cerrando un disco introspectivo, reflejo de su propia humanidad repleta de caos.

A pesar de las limitaciones que implicó para la banda el grabar de forma remota, el álbum nos presenta un sonido totalmente diferente a sus trabajos previos llegando al punto en que realmente no sabrías si estás escuchando a Marilyn Manson, pues recurre a recursos poco explotados con anterioridad por ellos. Huelga decir, no es sorprendente, ni nuevo, mucho menos espectacular, pero sí es diferente a lo que nos tienen acostumbrados y es aplaudible si tomamos en cuenta el esfuerzo a pesar de las complicaciones.

No podemos afirmar que es un mal disco, porque tiene cosas bastante rescatables y disfrutables, pero definitivamente no es ni de cerca el sonido y concepto disruptivo, propositivo y que rayaba en la genialidad que el reverendo y su banda nos regalaron en algún momento de sus casi tres décadas de existencia.


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Anna von Hausswolff - 'All Thoughts Fly'

"All Toughts Fly" es el nombre del nuevo álbum de Anna von Hausswolff, el cuál será estrenado el próximo 25 de septiembre bajo el sello Southern Lord, y tal como su nombre lo indica, es un material en el cuál la artista sueca, libera por completo sus sentimientos y echa a volar la imaginación en un viaje sónico y místico, conformado por siete piezas que conectan todo esto de principio a fin, y que tuvimos la oportunidad de escuchar previo a su lanzamiento.

Este nuevo álbum solista e instrumental, fue concebido y realizado a un sólo instrumento: el órgano de tubos, y sólo eso fue suficiente, para que Anna pudiera hacernos entrega de un material único, experimental y sumamente introspectivo y melancólico.

El primer adelanto dado al mundo, fue el sencillo "Sacro Bosco", el cuál cuenta con un misterioso video oficial, y hace un par de semanas, se lanzó el tema que da nombre al disco, y es el preámbulo que muestra lo que podremos disfrutar con el álbum completo, y de eso se trata, de unirnos a los sentimientos que Anna plasmó en éstas nuevas piezas y disfrutar de cada una de ellas y de todo lo que evocan.

https://www.youtube.com/watch?v=r0eeZ2kDZf8

Anna von Hausswolff, busca que con éste material, la gente pueda liberar su mente y que encuentren una conexión y diversas interpretaciones de las piezas, ya que existe todo un mundo de posibilidades que pueden ser exploradas, que puedan echar volar su imaginación y vaguen a través de sus pensamientos.

"All Thoughts Fly", provocará un sinfín de sensaciones, desde lo melancólico hasta lo lúgubre, sin dejar a un lado el misterio y la euforia, cada melodía lograda con tan sólo un instrumento, generará toda una experiencia que debemos darnos la oportunidad de vivir.

Los formatos físicos del álbum, así como sus versiones digitales, ya se encuentran en preventa a través de las redes oficiales de la artista.

"All Thoughts Fly" es indudablemente, un disco imperdible, el que quizá no será dirigido para todo público, pero que vale absolutamente la pena reproducir aunque pienses que "no es lo tuyo", a final de cuentas, podrás quizá, llevarte una muy grata sorpresa y ser un nuevo fan de Anna von Haussenwolff y de su increíble talento para crear piezas musicales brillantes.


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FINNTROLL - "VREDESVÄVD"

Finntroll regresa con sus pesadillas macabras a nuestras mentes. Salidos de un rincón obscuro lleno de criaturas indescriptibles los trolles del metal ofrecen su séptimo disco de estudio el cual, es el primero en siete años y que verá la luz el próximo 18 de septiembre a través de Century Media Records.

El disco abre operísticamente con un coro totalmente sinfónico titulado "Väktaren", que da pie después a toda la brutalidad que emana "Att Döda Med En Sten"; `poderoso y oscuro tema que tiene un gran coqueteo con el Black Metal, pero sin perder la esencia de Finntroll. Sin perder tampoco un ápice de potencia y siguiendo esa linea bestial nos encontramos con "Ormfolk", y la verdad es que mientras escribo este texto no puedo dejar de mover los pies con su trepidante ritmo. Pese a que los dos primeros temas son muy parecidos, en "Gränars Väg" regresamos a un sonido más folk y pagano, pero igual de adrenalínico; al más puro estilo de la escuela vieja de la banda. Con "Forsen" llegamos a la mitad del trabajo, con una melodía pesada pero con menos velocidad que las anteriores, pero que hay que decirlo hace un contrapeso perfecto para dar un respiro y no sentir que el disco es lineal y sin cambios de ritmo.

Finntroll sabe como hacer uso de todos los recursos que la amplia instrumentación usada en el pagan metal ofrece, y unas guitarras acústicas abren el tema "Gränars Väg", un tema donde los teclados son los principales protagonistas navegando encima de riffs demenciales, que seguro pondrán a los fans a brincar como trolles ebrios en medio de un bosque. Y en "Myren" el baile seguro el baile se transformaría en un slam aguerrido porque desde el segundo uno todo es velocidad y una batería aporreante. "Stjärnors Mjöd" baja un poco (solo un poco de verdad) las revoluciones con un sonido mas melodeath, y un coro que te hará subir y bajar el puño constantemente. Estamos en el penúltimo track "Mask", y la verdad es que la pesadilla enferma de Finntroll no da descanso: estamos frente a un álbum que da todo lo que se espera de estos monstruos. "Ylaren" es un track diseñado perfectamente para dar cerrojo final a este disco, con una composición pesada y llena de maldad para no dejarte con hambre y permitirte regresar de ese bosque de figuras malignas al mundo real.

En resumen, Finntroll entrega un disco magistral, apegado totalmente a su estilo. Muy oscuro y veloz, y que no da un respiro dentro de su demencia. No te va a decepcionar si eres fan de la banda.


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En Minor - 'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out'

Phil Anselmo es uno de los músicos más polífacéticos dentro de la escena del metal; su nombre aparece en infinidad de proyectos y bandas, tantas que es difícil recordar todo en lo que está envuelto el ex-vocalista de Pantera.

Sin embargo, su nuevo proyecto, En Minor, es totalmente distinto a todo lo demás. Catalogado como "depression-core" tanto como por Anselmo como por su compañía discográfica en un intento por definir su estilo musical, debuta con 'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out', el cual llegará a los estantes en septiembre.

Con En Minor, Anselmo se aleja de la furia que lo ha caracterizado durante su extensa carrera musical, para entregarnos un disco muchísimo más experimental y "tranquilo" desde cierto punto de vista, concentrando su voz en una faceta mucho más suave, narrando historias de tristeza y melancolía.

En 'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out', Phil se mete en los zapatos de músicos como Johnny Cash o Leonard Cohen, creando atmósferas que aunque están lejos de ser metal, son densas y pesadas, lo cual se puede notar en temas como 'Blue', 'Mausoleums' o 'Black Mass'.

La música de En Minor no es algo nuevo, sino que es algo que Anselmo estuvo manteniendo dentro de su cabeza desde hace casi treinta años. “Es algo muy oscuro, pero no es heavy metal. Es distinto. La realidad es que En Minor es probablemente la música más vieja en la que he trabajado, la llevo arrastrando desde antes de la existencia de Pantera. Hace muchísimo que la tengo, pero nunca supe cuál era el momento de publicarla o si despertaría algún interés.“ dijo en una entrevista.

Y es tal vez ese añejamiento lo que dio pie al gran cúmulo de sensaciones, texturas y el sentimiento de fatalidad, abatimiento y melancolía que podemos encontrar a lo largo de todas y cada de las canciones del disco. ¿Estás triste después de lo que ha pasado este año? Este disco te pondrá aún más triste, pero vale la pena.

'When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out' es un viaje a la parte más oscura y deprimente de la menta de Phil Anselmo y tal vez uno de los mejores trabajos que ha realizado en los últimos diez años. Totalmente recomendable.


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Lord Of The Lost - 'Swan Songs III'

La banda de Dark Metal Lord Of The Lost regresa con el álbum más reciente de su serie clásica titulado Swan Songs III, el sucesor de Swan Songs II, que será lanzado el 7 de agosto del 2020 cortesía de Napalm Records, que ya tuvimos la oportunidad de analizar.

Acostumbrados a escuchar canciones donde la mitología G’hahyr está presente en sus letras con sonidos obscuros pero luminosos a la vez y con sonidos metálicos y poderosos, con este disco podemos notar un ambiente mucho mas relajado pero que sigue guardando la esencia obscura de la banda. Es así como desde el inicio con "A Splintered Mind" nos damos cuenta que la banda está dispuesta a llegar a los rincones más escondidos del corazón con su melodioso sonido.

 “A One Tone Heart” primer sencillo de este trabajo, se presenta como una balada muy potente llena de nostalgia, donde se pueden alcanzar sonidos clásicos y puros que hacen que el piano y su combinación de guitarras acústicas te trasladen a un éxtasis musical.

Además de tener notas nostálgicas y de narrar historias emotivas en este nuevo disco, también podemos encontrar algunas colaboraciones como la de Joy Frost en "Dying On The Moon", cantautora estadounidense, quien ya ha participado anteriormente con la banda. Esta voz femenina en conjunto con la voz de Chris Harms nos regala un mensaje de confianza en uno mismo.

Un punto destacado del álbum es la colaboración con el coro Heaven can wait con la canción “We Were Young” donde señala que la música tiene poder para unir generaciones. Cabe mencionar que este coro está formado por adultos mayores donde el requisito principal es tener mínimo 70 años de edad.

La versión estándar de Swan Songs III consta de nuevas canciones así como nuevas versiones de una selección de los clásicos de la banda, incluida la destacada canción de 18 minutos de duración “Letters to home”. La edición de lujo por su parte incluye las versiones instrumentales de todas las canciones y versiones de demostración de ocho nuevas canciones. Como un bono especial, hay un set completo en vivo, grabado en su show del décimo aniversario en 2019 en su ciudad natal de Hamburgo. 

En resumen y hablando en general de todo el disco podemos decir que es un trabajo totalmente diferente a lo que la banda había ofrecido previamente, con un sonido mucho más melancólico y profundo, y con muchas referencias al desamor; siempre claro con esa oscuridad que ha caracterizado a Lord Of The Lost.

Texto por Natalia Argandar.


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BATUSHKA - "РАСКОЛ / RASKOL"

Batushka estrenará a nivel mundial su más reciente EP "РАСКОЛ / RASKOL" el próximo 07 de agosto a través de Witching Hour Procutions. Con cinco tracks titulados "Irmos" con su respectiva numeración, la banda ofrece su propia interpretación del libro "sticherarion", desaparecido del uso litúrgico ortodoxo por el patriarca Nikon en el siglo XVII, lo cual generaría una división entre los viejos y nuevos creyentes de dicha religión generando una división dentro de esta iglesia. Una situación que parece ir como anillo al dedo con lo que ha pasado con Batushka como banda.

El EP es un trabajo bien realizado. La parte 1 es probablemente la más melódica y de matices cambiantes, mientras que en las partes 2 y 3 encontramos una descarga sonora mucho más brutal con una batería taladrante y guitarras por demás agresivas. La diferencia entre ambos temas radica en que la parte dos es algo monótona de principio a fin (lo cual no quiere decir mala, simplemente no tiene grandes cambios en su estructura), mientras la parte 3 si tiene un cierre mucho más elaborado y experimental. La parte 4 es más cercana a los sonidos profanos y ceremoniales con una buena pizca de black metal de la pura vieja escuela: enigmático y desolador. Podría decir que musicalmente hablando es le mejor y más complejo tema de todo el EP. El EP tiene en su quinta parte el cierre del mismo, y entrega un track que suena muy similar a la forma con el que la placa abre

En resumen podemos decir que este EP es un buen trabajo que no desmerece a lo que esperamos escuchar cuando escuchamos algo de Batushka. Por momentos melódico y sombrío, por momentos potente y lleno de una intensidad lineal característica del género.


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Septicflesh - 'Infernus Sinfonica MMXIX'

Pocos momentos en la vida consiguen marcarte, para bien o para mal; una buena película, un delicioso café, nuestro primer beso o un excelente concierto. Septicflesh lo hizo hace poco más de un año, dejando fascinados a prácticamente todos y cada uno de los asistentes que tuvimos la fortuna de presenciar su increíble show en compañía de una orquesta sinfónica que nos hizo experimentar un orgasmo audiovisual digno de los dioses griegos. ¿Habrá podido enamorarnos nuevamente el álbum grabado en esa ocasión? Te lo contamos en nuestra reseña.

El titulado "Infernus Sinfonica MMXIX', de manera homónima al DVD grabado en vivo el pasado 2 de febrero del 2019, cuenta con un listado de 15 canciones con sonido ambiental totalmente captado desde el Teatro Metropolitan aquella noche en la que el infierno fue desatado gracias a la armonía de los acordes que de manera bastante delicada y estudiada, la banda y la orquesta consiguieron. Esto no es para nada negativo, si tomamos en cuenta que la producción estuvo tan perfectamente que cuidada que aún con audífonos de alta calidad, lograrás percibir detalles de fidelidad máxima en un nivel increíble.

La duración del álbum de Septicflesh, tomando en cuenta que en cortes entre canción y canción han sido eliminados momentos "muertos" que llegan a ser percibidos, es de más o menos 65 minutos, y vaya que cada uno de estos es extremadamente disfrutable, intempestivo y épico por igual. El diseño sonoro está tan bien realizado que te será bastante sencillo discernir entre el ruido del emocionado público, los aplausos al final de cada interpretación y la potencia que caracteriza a la banda desde sus inicios. El misticismo y temáticas inspiradas en las epopeyas de la antigua Grecia están perfectamente plasmadas y la experiencia vivida aquél día ha sido muy bien trasladada hacia la comodidad de nuestras casas.

En 'Infernus Sinfonica MMXIX', Septicflesh interpreta una hermosa selección de éxitos que han repasado su larga trayectoria (iniciada por allá de 1990), dejándonos disfrutar de temas como “Prototype”, “Communion”, “The Vampyre from Nazareth” y “Pyramid God”  donde por cierto se aprecia la interacción que tuvo la banda con el público, al alentarnos para gritar “Burn” al ritmo los acordes. La energía y efusividad que Spiros Antoniou transmitía en aquella flamante noche también está muy bien impresa en el álbum y el énfasis en reforzar que todos somos hermanos y hermanas se encuentra siempre presente.

Para nuestra fortuna, los coros conformados por niños y adultos que en ese momento  lograron sincronizarse perfectamente con el Death Metal y aquellas letras que refieren temas míticos, épicos, y referencias a H.P. Lovecraft combinan perfectamente con los acabados neoclásicos del lugar elegido por Eyescream Productions y Symphonic Experience, teniendo como producto final un excelente disco que te transporta de vuelta hacia aquella noche inolvidable que no podemos hacer más que aplaudir.

En conclusión, 'Septicflesh - Infernus Sinfonica MMXIX', es uno de los momentos  más apoteósicos que seguramente ha tenido oportunidad de presenciar el Teatro Metropólitan, y de los mejores a los que todos los presentes podremos haber acudido y que por medio del álbum / DVD logrará llegar a un público todavía más grande alrededor del mundo. Una experiencia sonora que gracias a su calidad y producción logra ponerse al mismo nivel de aquel concierto irrepetible del que seguramente te arrepentirás por no haber ido.

Review por Victor Sánchez Juarez

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Seether - 'Si vis pacem, para bellum'

“Si vis pacem, para bellum” (Si quieres paz, preparate para la guerra) es el octavo disco de la banda de origen sudafricano compuesta por Shaun W. Morgan, Dale Stewart, John Humphrey y su nuevo miembro Corey Lowery.

Producido por Morgan, y mezclado por Matt Hyde (Defotnes, AFI) el nuevo disco grabado desde el 2019 cuenta con un sonido grande, 13 canciones, y letras muchas veces muy intimas para el mismo Morgan, algo que ya es común en esta banda y que ha dejado plasmado en sus previas entregas.

Al iniciar este disco lo primero que alcanzamos a notar es ese sonido agresivo que ha caracterizado a la banda junto con la voz tan identificable de Morgan mostrando una definición impresionante del bajo y la batería en combinación de las guitarras distorsionadas y un beat perfecto, haciendo este un deleite para el oido, y que nos recuerda mucho la crudeza que la banda tenia desde su primer disco Disclaimer.

Y una vez que este disco inicia uno no lo puede parar con canciones que seguramente se van a volver un vicio para cualquier persona que guste de este genero y más para los que han sido seguidores de la banda por ya dos décadas.

Wasteland mantiene una perfecta combinación entre una parte melódica de verso “tranquila” y un poco mas de agresividad en los coros con un subyacente muy especial de una guitarra líder demostrando la habilidad y la combinación perfecta entre una base rítmica y una melodía dando una canción que sin duda se volverá un rápido favorito de muchos.

Dangerous es el primer sencillo desprendido de este nuevo disco mostrando un sonido mas maduro de parte de la banda, creando un sonido infeccioso al oido que si uno se descuida un poco puede traerlo sonando todo el día en la cabeza. Con un beat claro de parte de la batería que soporta todo mientras la voz, la guitarra y el bajo revuelven alrededor de él muestran a la perfección la clase de trabajo que se realizo en la mezcla del disco.

Este disco y el orden de sus canciones es simplemente una maestría entre cosas “tranquilas” y sonidos grandes que llenaran y superaran las expectativas de los admiradores de la banda y no solo de ellos sino de gente que no conoce a la banda o que se han quedado con la idea solo de una canción como Broken que llevo a la banda a un nivel mas popular al salir en el soundtrack de la película Punisher a inicios de los 2000.

Siguiendo con el disco hay joyas que destacan por diferentes elementos como Buried in the Sand, canción que desde el inicio muestra influencias de bandas legendarias o sonidos legendarios como el de Jon Bonham de Led Zeppelin en la batería.

Ya para este punto vamos a la mitad y el disco no muestra señas de disminuir sus sonidos grandes y completos o alguna canción que decepcione con esas guitarras con distorsión y la clara presencia de una guitarra líder que durante alguna época parecía un poco faltante en la banda mostrando lineas melódicas sublimes para acompañar las letras y la voz a veces desgarradora de Shaun Morgan.

Este disco definitivamente tiene algo para todos desde canciones pesadas “soft” si podríamos llamarle de alguna manera hasta canciones que nos llevan a un grito de guerra con potencia como el caso de Beg, con su coro “Hey Motherfucker” que nos influye a hacer un headbanging total con un gusto que puedo decir tenia un buen tiempo sin sentir.

Como bien era esperado este disco no faltan canciones llegadoras como en algún momento tuvimos con Rise above this (inspirada en el suicidio del hermano de Morgan), y Drift Away es la muestra perfecta de ello, donde la letra realmente lo lleva a uno a un lugar especial y que puede dar una gran muestra de la madurez que ha adquirido Shaun Morgan como escritor y de una canción que si realmente escuchamos puede darnos incluso una enseñanza no solo un gran sonido.

Pride Before The Fall es posiblemente la canción que mas muestra un trabajo de producción perfecto desde el momento que abre la canción con guitarras respondiéndose en estéreo, y solo creciendo que al igual que muchas de las canciones que incluye el disco es seguro muchos seguidores esperaran con ansias verlas en vivo por el ritmo tan contagioso y esos momentos de liberación que tiene durante sus coros.

Y después de toda una montaña rusa que lo mantiene a uno atado al disco Written in Stone viene a buscar darnos una salida perfecta de un disco que recomiendo mucho escuchar desde el principio, que si bien cada canción puede como se diría en ingles “hold on its own” soportarse ella sola, tienen una coerción tan especial cuando se oye el disco todo seguido, posiblemente Written In Stone si es la canción mas tranquila del álbum y logra de una manera impresionante volvernos a bajar a una vida cotidiana después de toda la adrenalina y la energía que este disco puede llevar a uno durante su casi hora de duración.

En conclusión este es posiblemente uno de los mejores álbumes que este 2020 podrá entregar en especial dentro de este genero, balanceado, con grandes letras y un sonido impresionante, costara trabajo que muchos seguidores asiduos de la banda no consideren este como uno de sus mejores discos (nunca me gusta catalogar una obra de trabajo como su mejor trabajo solo porque es el nuevo material) pero si muestra una gran maestría de composición así como un toque de ingeniería y mezcla que cualquiera puede disfrutar. Me encantaría dar una lista de canciones que recomiende pero siendo honestos me ha gustado mucho como para poder dar una lista especifica y si vale la pena que cada quién descubra sus favoritas. 

En particular recomiendo mucho este disco en un par de escenarios covidianos, (ya que es justo en medio de la pandemia que nos esta tocando escucharlo y dudo se pueda escuchar prontamente en una situación en vivo):  En algún recorrido o paseo en el carro (creanme será un gran soundtrack para cualquier salida) o simplemente a un buen volumen para descargarse de todo y tener un gran momento melomano con una sencilla joya musical.

Review por Leonardo Treviño.

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Static-X - 'Project Regeneration Vol.1'

Muchos sin duda pensamos que con la trágica muerte de Wayne Static también había sido sepultado el legado de Static-X. No contábamos con que el siempre ambicioso Tony Campos no pensaba lo mismo, y tras anunciar un tour de celebración de los veinte años del "Winsconsin Death Trip" y como homenaje al finado Wayne (ajá); también anunciaría que nuevo material vendría en camino y con el plus de que estarían presentes partes que Wayne dejó grabadas en vida. Es así como hoy 10 de julio vio la luz el volumen uno de "Project Regeneration", a través de la subsidiaria de Sony Music, The Orchard Music. El disco fue lanzado en medio de la controversia de una disputa legal lanzada por el guitarrista formador Trip Eisen quien pedía créditos (y regalías) de todos los temas en los que se usaran las mezclas de Wayne Static argumentando el fue el único que colaboró cuando se grabaron. Al final solo consiguío créditos en tres temas.

Un minuto de beats y mezclas características del sonido electrónico que siempre ha acompañado a Static-X es el preámbulo que bajo el título de "Regeneration" da apertura al disco, con todo y un nostálgico fragmento de "I´m With Stupid" del mencionado "Winsconsin...". "Hollow" parece indicarnos que el rumbo de este nuevo Static-X tendrá mucha influencia del viejo sí, pero también aspectos que la banda fue adquiriendo con el paso del tiempo, lo cual es un alivio sin duda. Es un tema duro y directo que de hecho fue creado durante la grabación del disco "Start a War" aunque al final se quedó en el baúl, y fue seleccionado como primer sencillo promocional del corte. "Worth Dyin For" suena mucho más retro y con una vena industrial mucho más marcada, con un coro bastante melódico al estilo de bandas como Orgy. Menos pesada y mucho mas incluso bailable, pero con una potencia desgarradora en la voz nos encontramos con "Terminator Oscillator", muy parecida en composición a "Dirthouse" del disco "Start A War" aunque con mucho más beat y velocidad. Nos encontramos ahora con "All These Years", el segundo sencillo que de hecho fue lanzado con todo y videoclip haciendo oficial en sociedad la presencia de Zer0 como cantante. Es un tema frío y oscuro, quizá hasta el momento el que más se asemeja a los inicios de Static-X.

https://www.youtube.com/watch?v=JDKR-xVGa70

La maquinaria de Static-X se ha mantenido fiel a sus pistones y con temas como "Accelerate" refuerza el hecho de que su estilo bien definido ha sabido sobreponerse a todo. Los riffs son por demás mecánicos y las mezclas electrónicas juegan su papel de potenciadores de esa atmósfera futurista. En ese mismo estilo podemos poner a "Bring You Down", menos saturada y con una presencia más pronunciada de las vocales. "My Destruction" tiene un inicio que promete devastación y es de hecho uno de los temas más agresivos y para agitar las cervicales de todo el álbum: ¡Un caos demencial de sonidos! "Something Of My Own" baja las revoluciones y es como un respiro al tema anterior; personalmente hubiera preferido continuara el vértigo y no sentir este tope tan de golpe. Aunque el tiempo para relajarse termina pronto pues "Otsego Placebo" es un cachetadón en el rostro que con pura potencia y locura desgarradora te agita el encéfalo ¡Que excelente tema para mantenerte con todo atendiendo el disco! "Follow" es un tema industrial sucio y experimental, muy parecido a lo que hacen bandas como Mushroomhead con distorsiones y cambios de ritmo muy marcados. El disco cierra con "Dead Souls", un tema lleno de desolación que sirve perfecto para despedir el trabajo, con la presencia de la eminencia de Al Jourgensen de Ministry haciendo apoyo en las vocales.

En resumen el regreso de Static-X vino con una gran producción que se mantiene fiel al estilo de la banda tanto en sus inicios como ciertas evoluciones marcadas a lo largo de su carrera. Huele a nostalgía y sabe a lo que un disco de esta banda debe saber siempre. Si bien es cierto adolece un poco de canciones veloces en extremo de principio a fin ( por ejemplo "Get To The Gone" del álbum "Machine" o "Cannibal" del disco del mismo nombre), no es algo que demerite en demasía el gran trabajo que Tony Campos y compañía han logrado entregar. Sabemos que no está ya Wayne y que para muchos sin él no tiene caso pensar en Static-X, pero también es real que la escena no puede negar lo mucho que aporta que una banda con este concepto se mantenga viva. Esperaremos con ansia el volumen dos sin duda.


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Saints Of Death - 'Ascend To The Throne'

Dentro del metal canadiense emergente encontramos a Saints Of Death. Nacidos en un principio como una banda tributo a Motörhead y con la inspiración del culto mexicano a la Santa Muerte para el nombre de su proyecto, cuentan con la peculiaridad de tocar con dos bajos además de la imponente figura de su vocalista de más de dos metros de estatura Twan Holliday; quien además ha participado como actor en películas de terror y también ha sido luchador profesional. Saints Of Death lanza este próximo 10 de julio su nuevo trabajo "Ascend To The Throne", vía Head Rattle Productions. Aquí te contamos que tal está.

El disco contiene solo siete temas incluida la entrada "Call To The Kings", que por supuesto deja ver de inmediato el gusto de la banda por la parafernalia de lo misterioso y terrorífico. A continuación nos encontramos con el tema homónimo del disco, que tras un inicio lento deja ir de lleno un poderoso sonido de mezcla de Death Metal melódico con hardcore y hasta un poco de Thrash: si te gustan proyectos como Devildriver este tema debes tenerlo en tu reproductor. Con la misma potencia encontramos "Watching Me Die", toda una invitación al slam. Llega ahora "God Can´t Help You" que es una canción que se inclina a bajar un poco la velocidad para obtener un sonido más rocoso y cercano a bandas como Pantera; aunque de nuevo la segunda parte de la canción no se puede resistir a pisar el pedal con un vertiginoso solo de guitarra. Cuando uno piensa el disco va a tener una linea marcada resulta que "Repentance" nos sorprende con un sonido absolutamente ligado al Black Metal que demuestra que Saints Of Death no es una banda encasillada a seguir una sola linea en particular. "You Can´t Run" es un tema veloz y agresivo, quizá el que más Thrash suena de todo el álbum. Hay que destacar que para esta pieza, la banda decidió lanzar un videoclip donde documenta su visita a nuestro país y plasma fragmentos de su presentación gratuita en el Tianguis Cultural del Chopo así como en el Salón Bolívar de la Ciudad de México, en el marco de la gira "Canadian Invasion" del año 2018.

El disco cierra con "Soldiers Of Metal", un tema de casi seis minutos de duración que en ese tiempo entrega una brutal mezcla de sonidos desde el Groove, el Stoner y el Harcdore Metal; que sin embargo considero que es un poco repetitiva en su estructura para la extensión que quisieron darle: podríamos quedarnos con tres minutos del tema y hubiera estado mucho mejor y más práctico. En resumen podemos decir que tenemos en Saints Of Death una propuesta muy buena y de alto voltaje que sabe mezclar lo mejor de varios estilos de metal para generar poderosos temas, y en este trabajo deja plasmado que musicalmente tienen con qué ganarse poco a poco un lugar en la escena del metal mundial.