Heartagram - 'Gothica Fannica Vol.1'
Ville Valo, quien fuera líder de la banda finlandesa HIM, dio señales de vida con el sorpresivo lanzamiento del EP “Gothica Fennica vol. 1” que compila tres canciones bajo lo que parecer ser el nuevo plan del músico de 43 años, un proyecto que se firma simplemente con las iniciales de su nombre: VV.
La madrugada de este 20 de marzo, VV utilizó las redes digitales de su extinta banda para colgar oficialmente los tres tracks que componen esta producción: “Salute The Sanguine", "Run Away From The Sun" y "Saturnine Saturnalia".
En medio de la emergencia sanitaria mundial por un virus de alto nivel de contagio, estas tres canciones cayeron como bálsamo para los seguidores de HIM alrededor del mundo, y es que son tres canciones que podemos ubicar perfectamente en la línea musical que colocó a esta agrupación en el gusto de su base de fans: un rock suave, oscuro, melódico y pegadizo.
"Salute the Sanguine" danza entre lo último de HIM (su octavo disco “Tears on Tape”) y el álbum que les dio fama a nivel mundial, el Dark Light. Una pieza que suena al más puro estilo HIM, mezclando su vieja y nueva escuela, con coros rítmicos, una batería consistente y una lírica que, sin duda, viene de la vena de Valo. Salute the Sanguine cierra entre susurros y una rítmica en descenso que se apaga para dar paso a "Run Away From the Sun".
"Run Away From the Sun" pareciera una pieza perdida del Screamworks, uno de los discos de HIM más ricos en letras, más suaves y menos apreciados; con esta canción, VV hace alarde de su habilidad de contar historias en forma de baladas, con las palabras más simples de amor, dolor, melancolía y redención, todo con esa clase de elegancia finlandesa que lo dibuja. Run Away from the Sun se arriesga en su clímax con un toque de synth pop que se rompe de pronto con los rasgueos característicos de la música HIMezca.
El EP cierra de manera magistral con "Saturnine Saturnalia", una pieza que nos lleva más hacia la era de Venus Doom; VV echa mano aquí de su habilidad vocal, yendo de graves a altos, pasando por ecos, latidos, coros y una base musical en la que se adivina el bajo de su compañero de HIM: MIkko Paananen. El remate de esta canción es lo más metal que vas a encontrar en este EP.
Con Gothica Fennica Vol. 1, Ville Valo explora sus capacidades de compositor llevándonos a paisajes nostálgicos, con historias poéticas, melodiosas, brillantemente oscuras. VV obtiene así la mención honorífica en la graduación de su propia escuela: el Love Metal.
Reseña por Karina Coss
Burzum - ‘Thulêan Mysteries’
Vamos a empezar por descartar cosas: si crees que porque Varg Vikernes está detrás del disco y porque se trata de un material de Burzum va a sonar a black metal, te vas a llevar un palmo gigante de narices como pues bueno, ha sucedido continuamente con el material de Burzum. Para que entiendas a que te enfrentas con este disco, creo es necesario leer la descripción que se le dio al álbum cuando fue conceptualizado.
“Thulêan Mysteries se hizo pasivamente, en el sentido de que nunca tuve la intención de hacer un nuevo álbum; solo hice música de vez en cuando y en un momento me di cuenta de que en realidad tenía suficiente para lanzar todo en un álbum. Cuando me lo pidieron, pensé: ¿por qué no? Fue una buena idea. La música es un poco de esto y un poco de lo otro, trascendiendo cualquier género y quizás perteneciendo a muchos géneros diferentes. La intención con eso era siempre para crear una cierta atmósfera, a menudo relacionada con una idea o una situación. Dado que mi verdadera pasión nunca ha sido la música, sino los juegos de rol de mesa, pensé que debería hacer de este un álbum destinado a ese uso; como música de fondo para mi propio MYFAROG (Juego de rol de fantasía mítica). Con suerte, sentirás a Thulê cuando escuches esto, como siempre con Burzum, idealmente cuando estés solo. Espero que disfrutes de esta banda sonora para Thulê, para la Madre Naturaleza y la vida misma”
Ya entrando en el disco pues encontramos desde el inicio estos sonidos relajantes y que podrían ser el soundtrack perfecto para una noche a la orilla del pantano en “The Sacred Well” y la corta “The Loss Of a Heroe”. En “ForeBears” la musicalización es menos atmosférica y más completa, con la adición de cuerdas y pianos. De hecho, estos últimos son el protagonista más evidente en el siguiente tema “A Thulêan Perspective”. Llegamos a “Gathering of Herbs” y hayamos sin duda una enorme influencia de ritmos del norte de Europa y sus influencias escandinavas, para luego caer en “Heill auk Sæll]”: el primer tema con letra y que tiene una base absolutamente tribal y hasta cierto punto intimidante. “Jötunnheimr” retoma las atmosferas profundas y oscuras con un cuerno sonando al fondo, para luego montarnos en algo aún más experimental con “Spell-Lake Forest” y la aparición de violines. Estamos en una seguidilla de temas que duran apenas minuto y fracción y coinciden en esta forma ambiental de buscar transmitir vibraciones, y así continuamos con “The Ettin Stone Heart” y “The Great Sleep” que de hecho, es un tema que la voz suena como una canción de cuna relajante pero potente. “The Land of Thulê” cierra esta primera mitad del disco con la misma fórmula experimental que los temas anteriores, acompañada de una voz narrativa que aparece de vez en cuando.
A continuación tenemos dos temas de larga duración, con “The Lord Of The Dwarves” y “A Forgotten Realm”, con más de 5 y 7
minutos de duración respectivamente. Una grosería teniendo en cuenta que el
corte del disco en cada tema es lineal y monótono lo cual es digerible en tracks de 1 o 2 minutos de duración,
pero no de este tamaño. Burzum retoma
los tracks cortos con la acústica y
oradora “Heill Óðinn, Sire” así como
con la entretenida “The Ruins of
Dwarfmount” y la incursión de instrumentos de viento; pero luego nos receta
otro insufrible tema gigante de casi ocho minutos con “The Road to Hel” ¿Es en serio Varg?
“Thulêan Sorcery” como su nombre lo
indica pareciera una ceremonia de hechicería que está llevándose a cabo, complementada
con “Descent into Niflheimr” que se
encuentra en un tenor similar, aunque más cavernosa incluso con sonidos de
gotas cayendo que te hacen sentir dentro de una cueva. “Skin Traveller” se relaja y es solo una colección de vibraciones
que vienen y van, y de nuevo una majadería de casi 9 minutos llamada “The Dream Land” nos detiene y pues si:
por poco logra el objetivo de dormirnos. Y es que a pesar de que si, tiene
ligeros cambios de melodía y silencios cada 2 minutos más o menos, es demasiado
tiempo a mi gusto para una sola canción. “Thulêan
Mysteries” no ofrece nada diferente y podría confundirse sin problemas con
uno de los tracks atmosféricos del
inicio, y luego tómala: 15 minutos de “The
Password”. No voy a decir ya nada, está por demás describa es una manda. Unos
dulces sonidos de piano nos reciben en “The
Loss of Thulê”, dando por cerrado el trabajo.
En conclusión, este nuevo álbum de Burzum es la pieza perfecta si tienes una tienda de artículos escandinavos y quieres música ambiental para tus clientes, estás jugando un complicado videojuego de rol con princesas y elfos en medio del bosque o simplemente quieres irte en medio de la naturaleza a conectar con ella con los ojos cerrados. Hasta ahí. Si es algo que quieres traer como música para andar corriendo en el día simplemente le darás “stop” demasiado rápido.
Apocalyptica - 'CELL-0'
Después de cuatro años, los finlandeses Apocalyptica por fin se decidieron a grabar un nuevo álbum y además, volviendo a las raíces del proyecto, dejando de lado la idea de tener un cantante de planta como lo hicieron en 'Shadowmaker' de 2015 y concentrandose netamente en el sonido de sus instrumentos. El resultado de esto es 'Cell-0'.
El álbum abre grandiosamente con ' Ashes of the Modern World', una pieza magistral que con su solo nombre parece describir los tiempos que vivimos en estos momentos en plena tensión bélica. Inicia tranquila, formal, solemne para irse transformando poco a poco en una bestia llena de energía y marchas militares que anuncian el ansía de la humanidad por la destrucción.
Tras la explosión, pasamos a temas más calmados con la canción que le da nombre al disco, que en sus casi diez minutos de duración nos otorga un sube y baja de emociones dentro de un vórtice progresivo que se rompe con el inicio de 'Rise', un tema muchísimo más calmado y reflexivo, hecho para que te relajes en tu sillón mientras te tomas una copita de vino con las luces apagadas.
El hecho de que los cellos sean el instrumento principal dentro de las arcas de Apocalyptica, no deja fuera la brutalidad -bajo los preceptos de la banda, claro - en su música y lo refleja en temas como 'En Route to Mayhem' que fungió como primer sencillo del disco. Sin embargo, la potencia no dura mucha y las revoluciones vuelven a descender en 'Call My Name' un tema un tanto repetivo y no demasiado sobresaliente si lo comparamos con las demás obras del disco.
'Fire & Ice' es una oda a la dualidad de la vida e incluye la participación de Troy Donockley de Nightwish, empezando tranquilo y sutil hasta que estalla más o menos a mitad de la canción, pero volviendo a caer un poco después, todo lo contrario de 'Scream for the Silent' o 'Catharsis' que tienen consigo una potencia mucho más notoria. El álbum cierra tremendamente con 'Beyond The Stars', del cual solo podemos decir que es el tema más épico que la banda ha realizado en toda su carrera.
Apocalyptica ya no es una banda nueva. Con más de dos décadas de carrera en su haber, por lo que su música ya es - por decirlo de alguna manera - sorprendete. Ya sabemos lo que podemos esperar de ellos, pero también sabemos que lo que podemos esperar de ellos puede ser maravilloso como en el caso de 'Cello-0', un disco lleno de melodías abrumadoras e hipnotizantes que vale la pena escuchar.
'Cell-0' se lleva las palmas y nos demuestra que no es necesaria una voz para lograr captar nuestra atención.
Lindemann - 'F&M'
En una época donde las colaboraciones o "super bandas" ya son un común denominador, hay pocas opciones que se puede decir son realmente especiales. Un caso es Lindemann, el proyecto formado por el líder de Rammstein, Till Lindemann y el cerebro detrás de monstruos como Hypocrisy o Pain, Peter Tägtgren, quienes volvieron a unir sus talentos en un segundo lanzamiento que lleva por nombre simplemente 'F&M'.
Si bien el primer disco de la banda estaba escrito totalmente en inglés - para alejarlo de Rammstein, según las palabras de Till - las cosas toman un rumbo distinto en esta segunda producción y le permite a Lindemann despegar totalmente con letras mucho más oscuras y profundas, dejando de lado el ambiente simple, fiestero y juguetón que su debut tuvo en 2015.
El tono más oscuro en las letras es notorio desde el mero inicio del disco con 'Steh auf', donde una niña le ruega a su mamá que la lleve a pasear; sin embargo, la madre está muerta sobre su cama debido a una sobredosis. La habilidad de Lindemann de esconder temas escabrosos dentro de metáforas y dobles sentidos se hace presente a lo largo de todo el álbum con un excelente - aunque simple - manejo del idioma alemán que se combina perfectamente con la musicalización que un experto como Peter Tägtgren realizó.
Otro punto a destacar en 'F&M' es la enorme variedad de estilos que podemos encontrar en él. Desde el industrial básico con altísimas reminiscencias a Pain, pasando por temas a piano o incluso el tango en 'Ach so gern' (que en la versión deluxe también tiene una versión a lo Tätgren, por supuesto) o 'Mathematik' de la cual ya conociamos una versión llena de puro trap. Este duo no ha temido en ningún momento experimentar con diversos sonidos para crear algo especial y distinto y para nuestra suerte lo han logrado con creces.
El hecho de que varias de las canciones presentes en el disco hayan sido creadas para servir de musicalización para la versión teatral del clásico 'Hansel und Greytel' les dan un ambiente único y con cierta conexión entre ellas sin llegar a crear un disco conceptual. Tal es el caso de 'Allesfresser', 'Blut' o 'Knebel'.
En cuestión de producción, fue ni más ni menos que Peter Tägtgren quien se encargo de realizarla, incluyendo la mezcla del mismo, un gran acierto pues se nota una calidad impecable y termina por dar la puntilla a un trabajo que muestra la grandiosidad que se puede lograr cuando juntas a dos talentos de este tamaño.
'F&M' es sin duda un paso adelante para este par de genios del industrial, incluso nos podríamos a aventurar a afirmar que es un paso más disfrutable que el más reciente disco de ambos en sus proyectos principales. Realmente estamos ante un disco en el que no podemos encontrar una sola canción que sobre o que suene como el eslabón débil de la cadena. Discazo.
Killswitch Engage - 'Atonement'
Sin duda, Killswitch Engage es una de las bandas referentes del metalcore, quienes han logrado mantener este subgénero fuerte y relevante en la industria del metal, claro es el ejemplo de grandes éxitos que se han convertido en himnos para los metaleros, tales como ‘The End of Heartache’, ‘My Curse’, ‘The Arms of Sorrow’, ‘As Daylight Dies’ entre otras. La banda inició en 1999 con Jesse Leach como vocalista, quien dejó la banda tomando su lugar Howard Jones en 2002, Leach regresó a KSE en 2012 convirtiéndose en el actual frontman.
Hace unos días los originarios de Massachusetts, estrenaron su octavo disco ‘Atonement’, que con los primeros singles que liberaron (‘Unleashed’ y I Am Broken Too) dejaron altas expectativas para el resultado final del álbum, el cual mantiene la esencia core y elementos que le dan frescura a la banda, así como unas colaboraciones bastante interesantes y prometedoras.
Un excelente comienzo del álbum con ‘Unleashed’, en donde el intro un poco tenebroso de la guitarra complementa perfecto con los siguientes rasgueos acompañados de los guturales de Leach; este fue el primer single que pudimos escuchar y que nos dejó con un muy buen sabor de boca, excelente decisión dejarla como introducción.
¡Vaya brutalidad de iniciar! y si eres un fan de antaño de KSE, el momento llegó con ‘The Signal Fire’, donde podemos escuchar a Howard Jones en el segundo coro, ¡sí, los dos cantantes de la banda en una sola canción! incluso en el lanzamiento del video de este, podemos apreciar la batalla de canto —y gutural— de los dos talentosísimos vocalistas ¿se imaginan que esta colaboración vaya más allá al momento de conservar a ambos en la banda? sería un sueño un tanto guajiro, ya que Howard está muy bien establecido con su nueva banda ‘Light The Torch’, pero se vale soñar ¿no?, al menos tenemos este pedacito de fantasía hecho realidad.
La tercer canción de la nueva placa es más tranquila con una letra más profunda: ‘Us Agains The World’, una de las canciones que nos hace disfrutar totalmente del melódico coro que estará pegado en tu cabeza, las guitarras se mantienen con el estilo que predomina de KSE, ¡una buena canción para disfrutar después de la bomba de emociones que tuvimos con ‘The Signal Fire’!
Continuamos con ‘The Crownless King’ la segunda canción del álbum que tiene colaboración de un excelente artista: Chuck Billy, vocalista de Testament ¡vaya combinación! es algo que sinceramente no me esperaba y me sorprendió mucho ver su nombre en el tracklist del álbum, sin duda Billy y Leach lograron una armonía bastante disfrutable al unir fuerzas para esta canción, en donde Jesse destaca con screams highs en su mayoría.
Seguimos con ‘I’m Broken Too’, una excelente canción que pudimos conocer antes de lanzamiento del álbum, con una letra profunda y unos riffs inolvidables de inicio a fin la convierte en una de las canciones más tranquilas del disco. Recordemos que las letras de ciertas canciones eran un tanto predecibles por los problemas emocionales en los que Jesse estuvo envuelto meses antes del lanzamiento de esta placa.
Continuamos con ‘As Sure as the Sun Will Rise’, otra de las canciones que destacan los coros de voz limpia y con una melodía pegajosa. Sin dejar descanso, los alternate picking de los guitarristas retumban desde un inicio con ‘Know Your Enemy’.
‘Take Control’ inicia con versos limpios, una de las canciones más emocionales y reflexivas del disco ‘And I pray that you understand (You understand your pain someday)’.
El viaje continúa con ‘Ravenous’, ahora sí la intensidad regresa totalmente, una canción repleta de las diversas técnicas de gutural de Jesse, que para rematar el coro estelar es de voz limpia.
Continuamos con una de las canciones personales de Leach: ‘I Can’t be the Only One’, con una introducción bastante tranquila que recibe la potencia de los riffs junto con la voz limpia de Jesse: ‘Don't lose your faith, Try to believe’,Don't lose your passion Don't lose your love’, sin duda esta es una pieza que motiva a todos los que hemos pasado por situaciones en donde necesitamos un empujón de la música, si le pones atención a la letra seguro despertará muchas fibras sentimentales en ti, una excelente penúltima pieza del álbum.
Para cerrar con broche de oro, damos pie nuevamente a la brutalidad con ‘Bite the Hand that Feeds’, que tiene unos guturales desgarradores y un ritmo ágil de todos los elementos musicales, que se van desvaneciendo para darle fin.
Mayhem - 'Daemon'
No tiene caso desperdiciar tiempo y espacio en describir el pasado de Mayhem y su peso en la historia de la música, porque cuando uno escucha su nuevo álbum "Daemon" es fácil percibir la banda busca todo lo contrario: sin traicionar de forma grosera o insultante sus raíces, se nota es un grito que busca darle entender a la gente que Mayhem quiere estar vigente por lo que hace en el presente y no volverse la banda boceto que a nadie le interesa su nuevo material y vive de las canciones clásicas. Bajo esa premisa podemos declarar que entonces "Daemon" es un disco excelente.
Si Mayhem quería capturar tu atención desde el primer segundo, elegir " The Dying False King " es el primer acierto en esta encomienda. Suena bestial y poderoso desde el principio, echando toda la carne al asador con un track que de verdad es pura potencia. Luego tenemos en "Agenda Ignis"de nuevo una melodía poderosa y desgarradora aunque con algunas atmósferas cambiantes. Sin embargo, de este track hay que destacar el protagonismo del bajo de Necrobutcher que comanda con todo el sonido de esta canción. Con "Bad Blood" hay un cambio en el sentido de que la potencia se ve sacrificada un poco por la técnica; con lo cual obtenemos un tema mucho más elaborado y complejo que los anteriores aunque de manera curiosa, con un coro más fácil de guardar en la cabeza. "Malum" por su parte es más ceremonial y grave; con esas reminiscencias más emparentadas al Viking Metal. Una buena pausa antes de que "Falsified And Hated" ataque con un sonido que es como una montaña rusa infernal con la cambiante trepidación entre velocidad y cambios bruscos a atmósferas más densas. Y luego tenemos una canción épica en el sentido más literal de la palabra con "Aeon Daemonium", que su entrada es como la preparación para ir a un campo de batalla donde serás empalado con riffs bestiales y la voz de Attila vomitando infierno a más no poder.
" Worthless Abominations Destroyed" es un tema de igual manera contundente y donde la instrumentación es la principal protagonista en un estilo muy marcado por la gran ola de bandas de Black Metal de los años noventa. En ese mismo corte y sin variar mucho " Daemon Spawn" es desolador y lúgubre; el tipo de música que haría llorar a tu sobrino de 10 años si lo pones en la noche. "Of Worms and Ruins" por su parte no demerita en absoluto y es increíble que aunque vamos casi llegando al final del disco el tema sorprende con su crudeza y rudeza que es un puño en la cara, por momentos incluso coqueteando con el Death Metal. Y para cerrar —por lo menos de forma oficial— el disco Mayhem se pule con " Invoke the Oath" que es un tema que inspira terror y respeto: una verdadera liturgia helada como hielo negro en la que los demonios te dejaran morir de hipotermia mientras esos sonidos desgarradores te calan los huesos. El disco además incluye un par de bonus tracks que por fortuna fueron propuestos así. Y es que "Everlasting Dying Flame" se sale un poco de todo lo bien elaborado del disco y rompe la métrica con su sonido un poco remendado, mientras que "Black Glass Communion" tiene un ritmo experimental y alejado de lo que conocemos de Mayhem que pudo haber sido indigesto si hubiera estado dentro del tracklist lineal del disco. Así que hasta eso hizo Mayhem perfecto esta vez, separando bien a los temas que vislumbró como parte del nuevo trabajo de aquellos que por algo le gustaron pero entendía no podían ser incluidos de la misma forma.
Mayhem regresó con un trabajo de verdad interesante y poderoso. Porque no traicionó su sonido y hay mucho del Mayhem que conocemos, pero también innovó y demostró que para sacudirse un poco el polvo del pasado hay que destacar y entregar un trabajo refrescante en el presente. "Daemon" parece tiene la fórmula exacta para agradar tanto a los fans viejos de Mayhem como a los que recién se vayan adentrando en esta banda maldita. [penci_review]
Jinjer - Macro
Después de tener una prueba con su EP 'Micro', por fin llegó su disco de estudio 'Macro', donde los ucranianos demuestran el mix de subgéneros groove, progresivo y metalcore que los ha caracterizado desde el día uno de su carrera, además, en la actualidad son considerados de los exponentes más importantes del metal, que no te sorprenda verlos como headliners en el futuro, sin duda a Tatiana Shmaylyuk y compañía, les espera una larga carrera.
El álbum inicia con toda la potencia de los guturales de Tatiana desde el primer segundo de 'On The Top', una canción con riffs súper progresivos y coros con voz limpia. Sigue 'Pit of Consciousness' ¡impactantes guturales en el coro! qué potencia de esta mujer para cantar en dos estilos musicales, hasta ahora, tenemos una dualidad de melódico y potente, en las canciones.
Ahora tenemos un twist de género en el intro de 'Judgement (& Punishment)', que se pueden sentir vibras de reggae en la voz y guitarras, para después transformarse a metalcore ¡vaya combinación!, y con 'Retrospection' podemos sentir toda la esencia prog en los instrumentos, una voz preciosa con letras en ruso, que pasan al inglés junto con los guturales después de unos segundos.
'Pausing Death', una de las canciones más intensas del disco, hardcore de pies a cabeza, con unos pequeños tintes progresvios. además los lows de Tatiana son notables en los últimos segundos de la canción. 'Noah' y 'Home Back', le dan seguimiento con la misma brutalidad.
'Prophecy' es de las canciones más movidas del álbum, y para cerrar 'lainnereP', ('Perennial' al revés, uno de los singles de 'Micro'), mantiene sonidos de suspenso toda la pieza, un buen cierre para amenizar y digerir las canciones previamente escuchadas del álbum.
¡De Ucrania para el mundo! Este álbum muestra perfectamente el sello de Jinjer, la identidad de la banda está totalmente consolidada y lista para mantenerse entre los tops de las bandas de metal en el mundo, en esta placa, han logrado balance de guturales y voz limpia mostrando su mix metalcore-progresivo perfectamente ejecutado. [penci_review]
Leprous - Pitfalls
Si hay algo por lo que los noruegos de Leprous se caracterizan es por el hecho de que no encasillan el sonido de su música en ningún género, pese a que usualmente se les categoriza dentro del llamado “rock/metal progresivo”. Prueba fehaciente de esto es su sexto álbum, “Pitfalls”, el cual fue lanzado este 25 de octubre.
Desde su material anterior, “Malina” (2017), se notó que Leprous iban encaminados a tomar un nuevo rumbo musical, una evolución natural para una banda que no quiere copiarse a sí misma ni a nadie. Antes de la salida de “Pitfalls” la agrupación nos dijo que “esperáramos lo inesperado.” Cosa que lograron, sin duda alguna. Y a eso es lo que personalmente llamo ser “progresivo”.
Además, algo que también diferencia a “Pitfalls” de lo previo de Leprous es que éste es más personal y directo, sin filtros y sin metáforas, ya que trata abiertamente de la lucha con la depresión y ansiedad de Einar Solberg (voces/teclados).
El disco comienza con el que fue el primer single, “Below”, con un sonido melancólico de teclado y la suave voz de Solberg; pasado el primer minuto hay una explosión de guitarras, bajo y batería, así como la inclusión del violonchelo del canadiense Raphael Weinroth-Browne (quien también fue pieza clave en el álbum “Malina”). Este tema fácilmente podría formar parte de la banda sonora de James Bond.
“I Lose Hope” inicia con un beat de bajo y batería que suena muy setentero… y al añadir esas guitarras, batería, cuerdas y sintetizadores, le da cierto toque pop/dance… imagínense bailando, pero en una triste pista de baile. Sin duda de los temas más extraños de estos noruegos, con un ritmo bastante pegadizo.
En “Observe The Train” podemos escuchar una de las mejores interpretaciones vocales de Einar Solberg. Pese a que el tema va lento, es notable la presencia de la batería del prodigioso Baard Kolstad, ya que supo añadir el elemento que te hace pensar en el momento en el que va pasando el tren de tus pensamientos… pero déjalo pasar… no te subas… “keep on breathing, observe the train, see it leaving… breathe in, breathe out, release, let it all out” (sigue respirando, observa el tren, ve que se vaya… inhala, exhala, libera, deja salir todo). Te quedará una sensación de tranquilidad cuando termine el tema.
Y vamos de regreso a la pista de baile con “By My Throne”; aquí sin duda son notables las guitarras de Tor Oddmund Suhrke y Robin Ognedal, así como el potente bajo de Simen Børven al inicio del tema. La orquestación y batería dan el complemento perfecto a esta hipnotizante canción.
A continuación, nos presentan otro track familiar, “Alleviate”, el cual fue su segundo sencillo. Su estreno fue algo controversial y dividió las opiniones de los seguidores de la banda, ya que una mitad opinó que sonaban muy pop y que con eso ponían el último clavo a la tumba de lo que fue el sonido metal de Leprous, y la otra mitad de los fans recibió con los brazos abiertos el cambio de sonido de la banda. La voz de Solberg en su punto, alcanzando notas impresionantes. Líricamente, es uno de los temas más positivos.
“At The Bottom” tiene obviamente una influencia ochentera con el intro en sintetizador y la batería electrónica. Sin duda, en los 7:21 minutos que dura esta canción, Leprous muestra claramente lo que representa el cambio en su sonido; las capas que van añadiendo, la interpretación vocal, el énfasis que dan a cada instrumento – porque aquí todos brillan de manera exuberante, pero sin llegar a exagerar… la manera en la que se va construyendo hasta alcanzar el clímax. Asimismo, hay que destacar al violinista invitado Chris Baum (de la banda estadounidense Bent Knee, con la que Leprous estuvo de gira por Estados Unidos y Canadá).
“Distant Bells” es otro de los tracks más extensos (7:22) y fue el último single que nos presentaron antes de lanzar el disco, el cual es totalmente diferente a los otros dos sencillos lanzados por el quinteto noruego. Hay que remarcar que el bajista Simen Børven es el responsable de muchas de las melodías de este tema. El piano, las cuerdas y la voz de Einar son lo predominante mayormente, hasta que el clímax se alcanza poco antes de llegar a los 6 minutos, y vaya que suena desgarradora la voz de Solberg.
“Foreigner” es uno de los temas que más podrían recordarnos al viejo Leprous con esas guitarras más pesadas, los beats en la batería y el bajo… e inclusive con ciertas líneas líricas, como al inicio donde dice “my Congregation is in flames”, o “trapped within my own fence” (ambas referencias al álbum “The Congregation”), al igual que la voz de Einar y ese grito al final. ¿Será que están despidiéndose de ese sonido “prog metal” o nos están dando a entender que no se ha ido del todo?
Y para cerrar con broche de oro: “The Sky Is Red”. ¡Vaya tema! Me ha volado la cabeza desde la primera escucha… con ese intro en guitarra y el coro clásico, sí, leyeron bien, un coro. Quién lo hubiera imaginado. La canción mas prog, por decirlo así. En los 11:21 minutos que dura este track, los noruegos demuestran su capacidad para componer temas complejos, pero sin exagerar. Y justo cuando pensaba que la canción estaba por terminar, veo el contador de tiempo, y casi llegando a los 7 minutos comienza un extraño riff (?) en guitarra, seguido por la batería, el precioso coro… y un orgasmo auditivo, si me permiten la expresión. La monstruosidad que es Leprous puede ser resumida en este track… y no es fácil de explicar sin llegar a sonar redundante. Tienen que escucharlo por ustedes mismos.
Reseña por: Viry Abernethy [penci_review]
Kadavar - 'For The Dead Travel Fast'
El día de la entrega del nuevo material de la banda originaria de Berlín, Kadavar, ha llegado. El pasado viernes 11 de octubre, fue estrenado "For the Dead Travel Fast", su nuevo álbum que había sido anunciado desde mediados del año, y con el cuál renovaron su contrato con el sello Nuclear Blast.
Kadavar continúa su camino y de nueva cuenta nos da muestra de su muy personal y característico sonido vintage, y su quinto álbum está plagado de esos sonidos psicodélicos antaños, con rock&roll de alto poder y con líricas salidas desde los más oscuros rincones de Transilvania.
Nos comenzamos a introducir a su mundo con "The End", en donde los sonidos ambientales en conjunto con la mística voz de Lupus Lindemann, simplemente nos preparan para la llegada de algo siniestro y poderoso. Dicho track conecta a la perfección con "The Devil's Master", el cuál fue el primer sencillo y video que se dio a conocer hace un par de meses y es una de las canciones clave en este material, ya que presenta tal cual la esencia y sonido que siempre disfrutamos con Kadavar.
"Evil Forces" llega a continuación y nos llena de esa nostalgia de los 70's con ese electrizante inicio y que estalla con el excelente trabajo vocal que tiene, es una macabra y poderosa experiencia escucharla de inicio a fin.
Llega el momento de escuchar el que fungió como segundo sencillo, "Children of the Night", el cuál también se nos entregó junto a un video oficial. Nos brinda una melodía enérgica que se conjunta con un buen solo de guitarra en la parte media, y el track se despide de una manera densa y lenta, con la constante repetición del mismo riff inicial, lo cuál ensambla de buena manera con "Dancing With the Dead", canción un tanto relajada que te invita precisamente a guiar el cuerpo al ritmo de su oscura melodía y a invocar a la muerte acompañado de esas hipnotizantes líneas de guitarra.
"Poison" llega a subir un poco el ritmo y la velocidad, con una melodía pegajosa y cambiante en algunos momentos, y que deja en claro la destreza e integración de los integrantes como banda. Continuamos con "Devils in my Mind", track que a la par del lanzamiento del disco completo, estrenó también un nuevo video, y que de nueva cuenta nos conecta con ese "Sonido Kadavar", en donde la batería resuena duro, el bajo no pasa en absoluto desapercibido y las guitarras nos llevan una vez más a esa sensación de estar escuchando una banda antaña de rock clásico y directo.
Con un sonido de piano oscuro y nostálgico, inicia "Saturnales" y una voz relajada y lúgubre, nos ambienta en una escena así, en donde diversos sentimientos de melancolía y odio se entrelazan y nos mantienen en ese tenso estado de duda y de introspección.
El final llega con "Long Forgotten Song", que curiosamente es el track de mayor duración en el álbum, y con esa desgarradora esencia y sonido, nos da un cierre místico y único de una producción que consolida el trabajo que Kadavar ha realizado desde el momento de su debut, y que indudablemente, vale la pena ser escuchado de principio a fin.
"For the Dead Travel Fast" consolida el sonido característico de Kadavar, es un álbum plagado de esos sonidos psicodélicos antaños, con rock&roll de alto poder y sin duda es una producción que engloba la escencia y todo el aspecto conceptual de la banda.
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BABYMETAL - 'Metal Galaxy'
Después de varios lanzamientos durante el año y la separación oficial de Yui-Metal a finales del 2018, Sue-metal y Moa-metal se han mostrado en las últimas giras más fuertes que nunca, y ahora con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio 'Metal Galaxy', las niponas consentidas lograron un disco con una combinación -como bien lo dice su nombre- galáctica entre colaboraciones y estilos del metal que lograron congeniar perfectamente con su kawaii metal.
Aunque a muchos les pareció trillado y genérico el nombre del álbum, ya que lo escuchas por completo todo cobra sentido al transportarte al universo al que pertenecen estas chicas, y esa bienvenida la da el intro 'Future Metal', que te da un feeling de estar en un videojuego, sonidos muy djent y riffs precisos que dan paso a la voz de Sue-metal, dando la bienvenida: 'WELCOME TO THE WORLD OF BABY METAL', seguido de de sonidos tradicionales japoneses junto al toque djenty-galáctico, el cual será persistente en 'Metal Galaxy'.
El intro da pie a 'DA DA DANCE', ¡me siento en un ánime! qué manera de empezar, cabe destacar que es un álbum con muchas colaboraciones con iconos importantes del metal y de otras ramas, y en esta canción se unió Tak Matsumoto, un conocido guitarrista proveniente de Osaka.
Seguimos con una canción que conocimos anteriormente, 'Elevator Girl', en inglés. Después 'Shanti, Shanti, Shanti', es el último single que BABYMETAL reveló antes del lanzamiento del disco, con una vibra muy hindú desde el título a los arreglos musicales. Y de estar en la India, nos pasamos a un feeling sueco con 'Oh! MAJINAI', canción que realizaron con el vocalista de Sabaton: Joakim Bordén ¡mucho bagaje culutal en este álbum! y si te gusta el djent de excelentes exponentes del género, llegó tu canción favorita; Tim Henson y Scott LePage de Polyphia se unieron a 'Brand New Day'.
y bueno, seguimos emprendiendo un viaje a distitnos países, ahora con 'Night Night Burn!', canción con feeling español, el 'olé, olé' ¡viene incluído!
Ahora unos cantos gregorianos inician en 'IN THE NAME OF', seguido de pesados riffs y una voz masculina haciendo guturales, misma que fue la protagonista de toda la canción. Sin duda, prepara muy bien el terreno para recibir a 'DISTORTION' junto a Alissa White-Gluz, quien es la encargada de hacer los coros.
Nos salimos un poquito de las colabroaciones metaleras con 'PA PA YA!!', que fue uno de los singles más controversiales y hasta eso bien aceptados con el rapero tailandés F. Hero.
Continuamos con la que personalmente es mi canción favorita del álbum 'Kagerou', muestra totalmente la esencia de nuestras queridas niponas, además, esta canción la habían estado interpretando en vivo en su reciente gira. Seguida de ella, recibimos a 'Starlight'.
El disco cierra con 'Shine' y 'Arkadia', canción que parece se pusieron de acuerdo con el último material de Dragonforce, al sonar totalmente como parte de un videojuego.
Aunque se hubiera esperado que todo el álbum mantuviera una sola línea, se puede apreciar un EXCELENTE trabajo de producción en estas catorce canciones del álbum, además de haber aterrizado muy bien el concepto logrando transportarte a la esencia de distintos países, incluso, las colaboraciones estuvieron muy bien pensadas para cumplir este propósito. Sin duda las pioneras del kawaii metal están en la cúspide de su carrera.
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